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UNIVERSIDADE FEDERAL DO ESTADO DO RIO DE JANEIRO
CENTRO DE LETRAS E ARTES
PROGRAMA DE PÓS-GRADUAÇÃO EM MÚSICA
MESTRADO E DOUTORADO
AI IOIÔ:
ELABORAÇÕES RÍTMICAS DA LINHA MELÓDICA NO SAMBA-CANÇÃO
MARCÍLIO MARQUES LOPES
RIO DE JANEIRO, 2007
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Lopes, Marcílio Marques.
L864 Ai Ioiô : elaborações rítmicas da linha melódica no samba-
canção /
Marcílio Marques Lopes, 2007.
148 f. + 1 CD
Orientador: Martha Tupinambá de Ulhôa.
Dissertação (Mestrado em Música) – Universidade Federal do
Estado do Rio de Janeiro, Rio de Janeiro, 2007.
1. Música popular – Brasil – História e crítica. 2. Samba. 3. Métrica
e ritmo musical. I. Ulhôa, Martha Tupinambá de. II. Universidade
Federal do Estado do Rio de Janeiro (2003-
). Centro de Letras e Artes.
Mestrado em Música. III. Título.
CDD – 780.420981
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AI IOIÔ:
ELABORAÇÕES RÍTMICAS DA LINHA MELÓDICA NO SAMBA-CANÇÃO
por
MARCÍLIO MARQUES LOPES
Dissertação submetida ao Programa de Pós-
Graduação em Música do Centro de Letras
e Artes da UNIRIO, como requisito parcial
para a obtenção do grau de Mestre, sob a
orientação da Prof.ª Dr.ª Martha Tupinambá
de Ulhôa.
RIO DE JANEIRO, 2007
ii
iii
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iv
AGRADECIMENTOS
Aos amigos de roda de samba e choro em Cabo Frio, onde tudo começou, e também
aos do Rio de Janeiro, onde amadureceu meu respeito e dedicação à música brasileira.
A Martha Ulhôa, não só pela orientação dedicada e cuidadosa, mas principalmente
pelas palavras de incentivo nos momentos cruciais deste trabalho.
À CAPES pelo apoio financeiro que viabilizou este estudo.
v
LOPES, Marcílio M. Ai Ioiô: elaborações rítmicas da linha melódica no samba-canção.
2007. Dissertação (Mestrado em Música) - Programa de Pós-Graduação em Música, Centro
de Letras e Artes, Universidade Federal do Estado do Rio de Janeiro.
RESUMO
Essa dissertação tem como objetivo a investigação dos processos de elaboração rítmica
inconsciente na prática dos grandes intérpretes da música popular, particularmente do samba-
canção. Não se trata somente da acomodação da síncope, mas de grandes deslocamentos dos
fragmentos melódicos sobre a grade temporal, que por vezes são conduzidos de um suporte
harmônico para outro. Através da transcrição e análise de gravações diversas do samba-
canção “Ai, Ioiô” – o primeiro a receber tal designação – desde seu lançamento em 1929 até
o final da década de 1950, o texto discute as transformações do perfil melódico deste clássico
e tenta avaliar a rítmica característica com que se articula o discurso musical neste gênero,
com o objetivo de estabelecer procedimentos que possam simular criar uma abordagem
flexibilizada do texto musical popular.
Palavras-chave: música popular – samba-canção – elaboração rítmica
vi
LOPES, Marcílio M. Ai Ioio: rhythmic elaboration of the melodic line in the samba-canção.
2007. Master Thesis (Mestrado em Música) - Programa de Pós-Graduação em Música, Centro
de Letras e Artes, Universidade Federal do Estado do Rio de Janeiro.
ABSTRACT
This text aims to investigate the unconcious rhytmic elaboration process that arises in the
common practice of the great brazilians singers, particularlly those working with the samba-
canção. It does not deal only with the flexibility of the sincope, but with big displacements of
melodic events over the temporal grid, which sometimes are carryed from one harmonic
support to another. Through the transcription and analysis of several recordings of the samba-
canção “Ai, Ioiô” – the very first one to receive such designation – since its release in 1929 to
the end of 1950, the text discusses the transformations of the melodic curve of this standard,
and aims to evaluate the expressive timing which characterizes this gender, and to establish
procedures to simulate a flexible approach to a popular song.
Keywords: brazilian popular music – samba-canção – rhythmic elaboration
vii
SUMÁRIO
Página
LISTA DE EXEMPLOS MUSICAIS, FIGURAS,QUADROS E TABELAS...................... v
INTRODUÇÃO ...................................................................................................................
1
CAPÍTULO 1 – ALINHANDO CONCEITOS .................................................................... 16
CAPÍTULO 2 – TEXTO E PERFORMANCE NA MÚSICA POPULAR ......................... 36
2.1 – Original e Originais
2.2 - Por uma genealogia da canção popular
2.3 – A transcrição do popular
2.4 – As várias faces de uma mesma canção
CAPÍTULO 3 - SOBRE OS PROCEDIMENTOS DE TRANSCRIÇÃO .......................... 63
CAPÍTULO 4 - VÁRIAS VERSÕES DE UM SAMBA-CANÇÃO PIONEIRO
4.1 – Histórico
4.2 – Refletindo sobre as gravações de 1929
4.3 – A mesma canção muitos anos depois
CONSIDERAÇÕES FINAIS ................................................................................................
110
REFERÊNCIAS BIBLIOGRÁFICAS .................................................................................
114
ANEXOS – TRANSCRIÇÕES DE “AI, IOIÔ” ...................................................................
117
1 – Grafia Cristóvão Bastos
2 – Grafia Leonardo Bruno
3 – Grafia Rildo Hora
4 – Comparando versões dos arranjadores
5 – Versão Vicente Celestino / 1929
6 – Versão Francisco Alves / 1929
7 – Versão Araci Cortes / 1929
8 – Versão Orquestra Pan Americana / 1929
9 – Comparando partes instrumentais
10 – Versão Isaura Garcia / 1944
11 – Comparando Isaura Garcia e modelo
12 – Versão Araci Cortes / 1953
13 – Versão Zezé Gonzaga / 1956
14 – Comparando Zezé Gonzaga e modelo
LISTA DAS GRAVAÇÕES DO CD EM ANEXO .............................................................
148
viii
LISTA DE EXEMPLOS MUSICAIS, FIGURAS, QUADROS E TABELAS
Exemplos musicais
Página
1 – Almirante e um exemplo de samba bem sincopado ...................................................
4
2 – Almirante e um mau exemplo ....................................................................................
4
3 – A entrada tradicional do cantor ..................................................................................
7
4 – Entrando atrasado .......................................................................................................
8
5 – Três versões possíveis para “As rosas não falam” .....................................................
9
6 – Uma variação ............................................................................................................. 33
7 – Um modelo .................................................................................................................
33
8 – Uma interpretação real ...............................................................................................
33
9 – Uma simplificação ......................................................................................................
34
10 – A primeira parte de “Carinhoso” ..............................................................................
52
11 – A versão de Elizeth Cardoso para a primeira parte do “Carinhoso” ........................
53
12 – Um sucesso de carnaval ........................................................................................... 56
13 – Grafias de um mesmo fragmento flutuando entre síncope e quiáltera .....................
58
14 – Incisos com prosódia correta ....................................................................................
58
15 – Pequenas antecipações diferenciadas .......................................................................
59
16 – Passagem cromática ................................................................................................. 59
17 – Perfil rítmico pouco diferenciado .............................................................................
60
18 - A anacruse da segunda parte .....................................................................................
60
19 – A anacruse na repetição ............................................................................................
61
20 – Um ponto de partida .................................................................................................
62
21 – “Bate feliz”: outras possibilidades de grafia ............................................................ 74
22 – Vicente Celestino – compassos 4 e 5 .......................................................................
85
23 – Vicente Celestino – compassos 6 a 9 .......................................................................
85
24 – Vicente Celestino – compassos 20 e 21 ...................................................................
86
25 – Vicente Celestino – compassos 40 a 42 ...................................................................
86
26 – Vicente Celestino – compassos 17 a 20 ...................................................................
87
27 – Francisco Alves – compassos 18 a 20 ......................................................................
88
28 – Francisco Alves – compassos 40 a 44 ......................................................................
88
29 – Francisco Alves – compassos 36 a 39 ......................................................................
89
30 – Araci Cortes – compassos 36 a 41 ........................................................................... 90
31 – Araci Cortes – compassos 9 a 11 ............................................................................. 91
32 – Araci Cortes – compassos 28 a 31 ........................................................................... 91
33 – Orquestra Pan Americana – vários trechos .............................................................. 93
34 – Isaura Garcia – compassos 5 a 10 ............................................................................ 94
35 – Isaura Garcia – compassos 40 a 42 .......................................................................... 95
36 – Isaura Garcia – compassos 10 e 11 .......................................................................... 95
37 – Araci Cortes 1929 e 1953 – compassos 14 a 18 .......................................................
96
38 – Araci Cortes 1929 e 1953 – compassos 36 a 39 .......................................................
97
39 – Araci Cortes 1929 e 1953 – compassos 9 a 11 .........................................................
97
40 – Araci Cortes 1929 e 1953 – compassos 28 a 31 .......................................................
97
41 – Araci Cortes 1929 e 1953 – compassos 20 a 21 .......................................................
98
42 – Zezé Gonzaga – compassos 1 a 3 .............................................................................
99
43 – Zezé Gonzaga – compassos 4 a 8 .............................................................................
99
44 – Zezé Gonzaga – compassos 9 a 11 ...........................................................................
100
45 – Zezé Gonzaga – compassos 12 a 17 .........................................................................
100
ix
Exemplos musicais (cont.)
Página
46 – Zezé Gonzaga – compassos 18 a 19 .........................................................................
100
47 – Zezé Gonzaga – compassos 20 a 24 .........................................................................
101
48 – Zezé Gonzaga – compassos 25 a 30 .........................................................................
101
49 – Zezé Gonzaga – compassos 31 a 35 .........................................................................
102
50 – Zezé Gonzaga – compassos 36 a 40 .........................................................................
102
51 – Zezé Gonzaga – compassos 41 a 43 .........................................................................
102
52 – Zezé Gonzaga – compassos 44 a 48 .........................................................................
103
53 – Elizeth Cardoso – compassos 1 a 3 ..........................................................................
104
54 – Elizeth Cardoso – compassos 4 a 8 ..........................................................................
104
55 – Elizeth Cardoso – compassos 9 a 11 ........................................................................
105
56 – Elizeth Cardoso – compassos 12 a 16 ......................................................................
105
57 – Elizeth Cardoso – compassos 16 a 19 ......................................................................
106
58 – Elizeth Cardoso – compassos 20 a 24 ......................................................................
106
59 – Elizeth Cardoso – compassos 25 a 29 ......................................................................
106
60 – Elizeth Cardoso – compassos 29 a 31 ......................................................................
107
61 – Elizeth Cardoso – compassos 32 a 35 ......................................................................
107
62 – Elizeth Cardoso – compassos 36 a 39 ......................................................................
107
63 – Elizeth Cardoso – compassos 40 a 43 ......................................................................
108
64 – Elizeth Cardoso – compassos 44 a 46 ......................................................................
108
65 – Elizeth Cardoso – compassos 47 a 49 ......................................................................
109
Figuras
1 – Os vários caminhos editoriais de uma obra ...............................................................
44
2 – As várias edições e as performances possíveis .........................................................
45
3 – Uma genealogia possível para a gravação de uma canção de Pixinguinha ...............
46
4 – Os primeiros trinta segundos de “Carinhoso” ...........................................................
67
5 – Áudio original e pulsos gravados ..............................................................................
68
6 – Janela do editor: áudio original e pulsos, gravados e marcados ............................... 69
7 – “Meu coração” .......................................................................................................... 71
8 – “Não sei porque” .......................................................................................................
72
9 – “Bate feliz” ................................................................................................................
74
Quadros
1 – Gravações do “Ai, Ioiô” até o final da década de 1950 ........................................... 13
2 – Gráfico de Aragão (2001) sobre a produção da obra popular ...................................
47
3 – Gráfico de Aragão (2001) sobre a produção da obra popular modificado
A obra gravada reconfigura o conceito de original virtual ......................................
48
4 – Tonalidades das primeiras gravações de “Ai, Ioiô” ..................................................
64
5 – Valores mínimos representados ................................................................................
75
6 – Gravações do “Ai Ioiô” – Títulos e descrições de gênero ........................................ 80
Tabelas
1 – Flutuação de tempo no trecho selecionado ............................................................... 70
INTRODUÇÃO
Em seu Ensaio sobre a música brasileira, Mário de Andrade observa:
Um dos pontos que provam a riqueza de nosso populário ser maior do que a
gente imagina é o ritmo. Seja porquê os compositores de maxixes e cantigas
impressas não sabem grafar o que executam, seja porquê dão só a síntese
essencial deixando as sutilezas prá invenção do cantador, o certo é que a obra
executada difere às vezes totalmente do que está escrito. (Andrade, 1972,
p. 17).
O pesquisador aqui aponta para dois pontos importantes na prática da música popular.
Em primeiro lugar chama a atenção para a forma incipiente como o material é normalmente
grafado – seja pela dificuldade de registrar todas as nuances da interpretação, seja para manter
o registro com uma leitura facilitada, atingindo desta forma um público mais amplo. O
segundo ponto é que o autor reconhece que as “sutilezas” da interpretação são deixadas para a
“invenção do cantador”. A prática da música popular, construída basicamente sobre um
aprendizado informal, “de ouvido”, deu origem a uma gama de grandes intérpretes que
apresentam um domínio profundo de seu ofício. São capazes de grandes malabarismos,
expandindo e compactando o contorno rítmico da frase, parecendo desenvolver-se
independente da base instrumental.
O autor continua:
Do famanado Pinião
1
pude verificar pelo menos 4 versões rítmicas diferentes,
além de variantes melódicas no geral leves: 1ª a embolada nordestina que
serviu de base pro maxixe vulgarizado no carnaval carioca; 2ª a versão
impressa deste (ed. Wehrs e Cia) que é quase uma chatice; 3ª a maneira com
que os Turunas de Mauricea o cantam; 4ª a variante, próxima dessa última,
com que o escutei muito cantado por pessoas do povo. Se compare estas três
grafias, das quais só as duas últimas são legítimas porquê ninguém não canta a
música talequal anda impressa (Andrade, 1972, p. 18, grifo meu).
1
“Pinião”, de origem reconhecidamente folclórica, chegou ao disco em 1927 (álbum Odeon, nº10067), tendo
como intérprete o grupo recifense “Turunas da Mauricéia”. Augusto Calheiros, que era conhecido pela alcunha
“Patativa do Norte”, era o intérprete principal do grupo, e ficou registrado como o autor deste sucesso, ao lado de
Luperce Miranda. Esta embolada se transformou no grande sucesso do carnaval de 1928.
2
Alguns pontos novos podemos destacar aqui. Em primeiro lugar observamos uma
melodia folclórica deixando seu espaço original de circulação para chegar, através do disco e
do rádio, a este novo campo que se configurava, o da chamada música popular. Neste espaço
de produção novo que surge atrelado às novas tecnologias, há uma relação intensa de troca
com um público crescente: o que se buscava era o sucesso, a resposta imediata na boca do
povo. Podemos supor que os novos artistas que iam chegando a este sistema produtivo tinham
dois pontos de escuta para uma obra determinada, um representado pela forma fixada no
disco, e outro filtrado e incorporado à prática popular (as versões terceira e quarta apontadas
no texto do Mário de Andrade, respectivamente). A partir da escuta e observação destas duas
formas o novo artista irá construir sua versão pessoal para aquela canção.
No texto o autor discorre sobre uma embolada nordestina que migra de seu espaço
rural para o urbano. O mesmo se podia observar em relação ao samba que deixava seus
espaços rituais (os batuques, rodas, etc) e migrava para o disco, repetindo o caminho do
folclórico para o popular. Entretanto, já a partir do final da década de 1920, e principalmente a
partir da década de 1930, teremos toda uma legião de compositores com a produção voltada
especificamente para este novo campo. Serão autores já com uma produção visando a empatia
de um público mais amplo, que tentam captar nas ruas o gosto e a dicção do povo.
Se no caso do “Pinião”, Mário de Andrade nos dá um testemunho pessoal e pontual
(“com que o escutei muito cantado por pessoas do povo”) de um processo dinâmico entre
intérprete e público, é interessante observar que quando ampliamos nosso campo de visão,
podemos detectar que o cantor popular, sob ação da recepção de seu público, passava por um
processo gradual de transformação. Uma escuta preliminar comparando o repertório de samba
gravado entre as décadas de 20 e 30, por exemplo, nos revela que aos poucos se abandonava
um cantar de articulação rítmica bastante incisiva, ligado à prática do maxixe, por uma forma
mais flexibilizada do contorno melódico, na busca de uma expressão melhor do conteúdo do
3
texto – é claro que neste caso temos que levar em conta também mudanças importantes tanto
no que diz respeito aos padrões de gravação, como da própria estrutura do samba gravado,
como apontado por Sandroni (2001).
Esta transformação não parecia ser muito bem recebida pelos luminares do samba de
então. Em meados de 1947, em um programa de rádio intitulado “O Pessoal da Velha
Guarda”, o radialista Almirante
2
faz, na introdução do programa
3
, um apelo:
– Há uma observação que me ocorre fazer agora nesta abertura de
programa. Tenho cá comigo que alguns dos nossos cantores são culpados pela
forma incaracterística que vai tomando a nossa música. Eu me explico melhor:
música, qualquer que seja, também se caracteriza pelo ritmo contido na sua
linha melódica. A melodia de uma música qualquer deve seguir passo a passo
o movimento rítmico de seu acompanhamento.
– Isto tudo, ouvintes, está sendo dito assim de forma bem popular para
que todos compreendam facilmente. Somente pela linha melódica deve ser
reconhecido o ritmo, seja de um samba, de uma valsa, de uma marcha, etc.
Pois bem, o que acontece atualmente, com o nosso samba principalmente, é o
seguinte: os cantores, na ânsia de uma interpretação que toca as raias do
exagero, vivem se espremendo pelas melodias afora, numa forma gemente,
antecipando ou atrasando as frases musicais, fugindo completamente às regras
de música que determinam os tempos fortes e os tempos fracos.
– O resultado é que, pela maneira como cantam a linha melódica,
ninguém reconhece se aquilo é samba, ou é valsa, ou é marcha.
– Vou dar um exemplo objetivo. Um samba assim, cujo ritmo pode ser
reconhecido somente pela sua melodia, assim:
– “Meu amor partiu, e me deixou saudades”.
[o radialista canta esta frase de maneira bem clara e articulada, no estilo dos
sambas de Sinhô, o texto e o ritmo são bastante claros]:
2
Almirante é como ficou conhecido Henrique Foréis Domingues. Radialista de grande influência da chamada
“Era de ouro”, era apresentado nas transmissões de seus programas como “a maior patente do rádio”. Credita-se
ao seu grupo “Bando de Tangarás”, que contava entre outros com as presenças de Noel Rosa e Braguinha, a
chegada da percussão de samba ao disco com a gravação de “Na Pavuna” (de Almirante e Homero Dorneles),
sucesso do carnaval de 1930, e divisor de águas no estudo de Sandroni (2001) sobre a mudança de paradigmas
no samba.
3
O trecho do programa faz parte do CD em anexo (faixa 10). Foi ao ar em 15/10/1947 (o radialista num ponto
cita as comemorações do centenário de Chiquinha Gonzaga, nascida em 1847). Trata-se do programa 02 da série
“O Pessoal da Velha Guarda”, reeditado numa coleção de fitas cassete pelo selo Collectors
<
http://www.collectors.com.br/CS05/cs05_02ah.shtml>. As transcrições dos programas podem ser obtidas em
<http://daniellathompson.com/Texts/Pessoal/Pessoal.htm>.
4
Exemplo musical 1 – Almirante e um exemplo de samba bem sincopado.
[A apresentação prossegue:]
– Na voz destes cantores do balanceio, vamos dizer assim, não tem o
menor caráter do samba. Pois quem é que reconheceria como samba essa
confusão de gemidos assim:
– “Meu amor partiu, e me deixou saudades”.
[o trecho agora é cantado com uma rítmica indefinida, melismática, cheia de
suspiros. O texto é perturbado por glissandos, portamentos e uma prosódia débil:
Exemplo musical 2 – Almirante e um mau exemplo.
Concluindo, o radialista convoca os intérpretes para uma nova postura:]
– Cantores e cantoras de música popular! O maior benefício que vocês
podem fazer à música brasileira é cantar o samba como samba, a marcha
como marcha, a valsa como valsa, etc, etc. Nada de andar imitando Bing
Crosby’s e Frank Sinatra’s. Os efeitos que eles fazem nos foxtrotes podem ser
bom para os foxtrotes, mas não para as nossas músicas.
– Neste ponto honra seja feita ao pessoal da velha guarda que toca as
nossas músicas com a maior exatidão e maior respeito às suas características
inconfundíveis. Isso somente já é boa razão para que a gente aplauda ainda
mais os que realizam estas audições. O Pixinguinha... (palmas)... o Benedito
Lacerda com seu regional... (palmas)... o Raul de Barros com o grupo dos
chorões... (palmas)... e a orquestra formada só pelo pessoal da Velha
Guarda...”.
5
Como podemos verificar Almirante aqui se coloca como o guardião das
“características inconfundíveis” do samba, argumentando contra as mudanças pelas quais o
samba inexoravelmente passaria. Curioso é que sua argumentação em favor de uma definição
clara de tempos fortes e fracos nos remete mais a uma visão digamos mais purista do que
propriamente ligada à prática do gênero.
Se por um lado é possível que se aponte uma ou outra influência dos ritmos
estrangeiros que por esta época dividiam as atenções dos ouvintes das grandes emissoras
preocupadas em ocupar uma grade de programação cada vez mais extensa, por outro é
importante observar que o intérprete da música popular também mudava seu estilo
encontrando uma forma intermediária entre aquele quase operístico dos cantores pioneiros da
modinha e o outro bastante articulado dos intérpretes do maxixe das primeiras décadas – de
maneira geral num estilo se priorizava a voz, noutro a rítmica característica do gênero. E este
novo estilo de cantar é particularmente observável no samba canção, um subgênero que
praticamente surge dentro destes novos tempos do rádio e do disco.
Nascido nas revistas teatrais que dominavam a cena carioca no final da década de
1920, o samba-canção surge da necessidade de articulação de um texto intimista, com uma
pequena diminuição do andamento do samba original, para desta forma dar vazão à
teatralidade das divas de então. Nas décadas seguintes o andamento médio cairia ainda um
pouco mais, tornando-se o samba-canção o gênero mais comum para os chamados
lançamentos de meio de ano – contrastando com aqueles que visavam à circulação durante o
período carnavalesco. O andamento mais lento dos sambas-canção permitirá aos interpretes
uma liberdade maior na expressão do texto, o que se reverterá numa liberdade maior para
redesenhar o contorno melódico. Em verdade esta liberdade para dizer o texto não é uma
característica específica do samba-canção: os grandes artistas trabalham com liberdade em
qualquer andamento. Entretanto no samba-canção tais elaborações se tornam mais facilmente
6
detectáveis, atingindo um nível de elaboração que pode ser grafado com bastante acurácia, ou
de uma forma pelo menos representativa daquela realização (tais procedimentos também
ocorrem nos sambas de andamento mais rápido, mas em níveis temporais de grafia bastante
complexa).
Na realidade esta liberdade na condução da linha melódica torna-se quase um
predicado obrigatório dos sambistas, seresteiros, chorões, etc, personagens vitais na
consolidação da música popular.
Ao discorrer sobre seu conceito de métrica derramada Ulhôa (1999) chama a atenção
para a capacidade de nossos cantores de “articular e salientar o conteúdo emocional de cada
canção” (Ulhôa, 1999, p. 55). A autora observa que estes intérpretes podem “jogar com a
métrica” redistribuindo os pontos de apoio dentro dos compassos “ampliando ou contraindo
seus limites” (p. 56), enquanto a base instrumental mantém a regularidade do pulso. Dessa
forma o canto popular opera uma elaboração rítmica que não se restringe aos limites do
compasso.
Este é um traço do canto popular que sempre nos intrigou: observar intérpretes,
amadores experientes e profissionais, tratando com liberdade o perfil melódico. Como
exemplo apresentamos duas situações reais que, embora pessoais, representam um lugar
comum para qualquer músico que vivencia a música popular.
Estamos numa roda informal de choro e samba, num dado momento o seresteiro “da
antiga” pede licença para cantar um samba: “No Rancho Fundo” (de Ary Barroso). O
bandolim faz a introdução, e ao final a base instrumental faz uma pausa, e o violão de sete
cordas segue com uma baixaria
4
para conduzir à entrada do cantor:
4
Neste caso a baixaria é uma “chamada” ou “virada” conforme a nomenclatura proposta por Carneiro (2001) ao
estudar as funções do violão de sete cordas na tradição do choro: “A chamada é uma baixaria de ligação que
introduz ou reintroduz uma seção da música, ou como diz o próprio nome, chama uma parte da peça” (p. 26).
7
Exemplo musical 3 – A entrada tradicional do cantor.
A música prossegue, e tendo terminado de cantar a música pela 1ª vez, o cantor deixa
para o “regional” o solo da 1ª parte, como de praxe. Ao final da parte instrumental, o
cavaquinhista mostra-se preocupado pois o violão começa a puxar a baixaria para reconduzir
ao tema, mas o seresteiro parece distante. Com os olhos arregalados, ele sente o violão
terminando, e nada do cantor retornar. Num último instante, na última semicolcheia ele
aparece! Retomando a melodia a partir deste ponto, quase um compasso “atrasado”, o
seresteiro redesenha a frase com uma plasticidade e elegância digna dos grandes intérpretes
do samba, repousando no próximo ponto cadencial como se nada tivesse acontecido. Neste
instante o cavaquinhista respira aliviado ... (exemplo musical 4).
8
Exemplo musical 4 – Entrando atrasado ...
Numa outra situação, agora atuando como músico profissional, tomei parte da
gravação ao vivo de um grande cantor popular. Grande admirador do artista, me dediquei nos
ensaios, observando a postura um pouco formal do mesmo na interpretação das peças. Que
transformação quando no dia do show o diretor gritou: “ – Gravando!”. O cantor se revestiu
de tamanha sutileza nas divisões rítmicas (como se diz: “na malandragem”, “no suíngue”),
que por alguns instantes fiquei perplexo, e por pouco não perdi minhas entradas no arranjo.
Estas duas situações dão uma idéia das muitas em que nos deparamos ao acompanhar
artistas populares em apresentações ao vivo, ou estudando suas gravações, a grande maioria
iletrada em matéria de música, usando com tal destreza a rítmica, acomodando com tamanha
facilidade o fraseado, que nos leva a crer num procedimento bem estudado e planejado, mas
que é de fato produto de anos de experiência.
Esta liberdade na condução do texto e da linha melódica é uma tradição de longa data,
misturando sua história com a própria história da música popular, desde os primórdios da
gravação mecânica até os dias de hoje. Pode ser observada com maior ou menor intensidade
num determinado período, ou ser mais intensa num ou noutrro intérprete, mas de qualquer
forma sempre aparece como traço de estilo dos intérpretes do samba.
O objetivo deste estudo será a investigação destes processos de deslocamento rítmicos
na prática dos intérpretes da música popular brasileira, e em particular do samba-canção. Não
9
se trata de estabelecer um julgamento de valor, mas de tentar avaliar a elasticidade rítmica
com que se articula o discurso musical, a intensidade com que cada um deles redesenha a
melodia. Procuraremos a partir disto estabelecer procedimentos que possam simular a
abordagem “malandra” do cantar popular, permitindo uma leitura mais flexível (“suingada”)
de peças cujas partituras em geral são grafadas de forma esquemáticas, despidas de todos os
maneirismos do intérprete.
E não se trata somente de investigar a acomodação da síncope para um grupo de
valores entre esta figura e a quiáltera
5
. Os procedimentos em vista são os grandes
deslocamentos, que não respeitam barras de compasso, que eventualmente deslocam
fragmentos de um suporte harmônico para outro, e que desta forma poderiam criar situações
de conflito, mas não criam... Podemos simular esta situação tomando como exemplo os
versos iniciais de “As Rosas não Falam” (Cartola):
Exemplo musical 5 – Três versões possíveis para “As rosas não falam”.
5
Cançado (2000) descreve “fator atrasado” estas irregularidades rítmicas encontradas na performance da
subdivisão interna dos padrões rítmicos afro-brasileiros. Refletindo sobre a interpretação da obra de Ernesto
Nazareth, a autora concluirá que “para se interpretar de uma maneira idiomática os ritmos da música brasileira, o
músico necessita não só do conhecimento desses elementos mas, literalmente, incorporá-los”.
10
No primeiro caso a melodia está grafada em sua forma mais despojada. Os dois
exemplos seguintes apresentam possibilidades, geradas aqui como exemplos, mas que
refletem procedimentos comuns de interpretação. Repare-se a tendência dos fragmentos serem
atrasados em relação à sua posição inicial. No terceiro exemplo o atraso se acumula e termina
por fazer com que o fragmento “com esperanças” seja articulado sobre o acorde do IV grau,
ao invés de sua posição esperada sobre o I grau.
É evidente que esta é uma situação hipotética, mas tomando como base observações
pessoais, acreditamos que existe na prática popular uma forma de cantar, principalmente
sambas de andamento mais lento – mas também possível em outros mais movidos – em que o
cantor está sempre atrasado em relação à base instrumental, retornando à sincronicidade entre
melodia e acompanhamento pouco antes dos pontos cadenciais. Tal elaboração reflete a
experiência do profissional na “reconstrução” de uma linha melódica bastante independente
da regularidade da base, mas com total consciência do pulso. É possível apontar casos em
que, para provar sua capacidade de controle, o intérprete apresenta primeiro uma versão mais
regular, para depois, na repetição do samba, partir para os deslocamentos e elaborações.
Em sambas mais movidos, tal elaboração parece ser impulsionda mais pelo “balanço”
do que propriamente pela prosódia, isto é, o intérprete refaz o perfil melódico despreocupado
com uma prosódia mais correta. É claro que a letra do samba representa um primeiro fio
condutor, mas por vezes o significado das palavras fica em segundo plano, a voz sendo
utilizada mais como um instrumento de sopro.
Por força de seu aprendizado informal, a partir da audição de gravações e
experimentações em rodas de samba, um intérprete tende a começar imitando um ídolo da
geração passada, guardando dele alguns maneirismos na construção de seu estilo pessoal. Em
sendo assim, seria possível detectar tais traços e apontar para uma relação de parentesco entre
11
duas performances? Talvez fosse possível estabelecer pontos de contato ou até mesmo
repercussões de um estilo consolidado no intérprete iniciante.
Observamos que por vezes alguns fragmentos melódicos sofrem pequenas alterações e
se incorporam lentamente à prática de determinada canção, num processo lento de
transmissão dentro da tradição, criando uma espécie de nova versão. Seria possível detectar
tais modificações e a partir delas traçarmos a história musical de uma canção determinada?
Toda esta ação de troca entre o repertório gravado e a tradição constroe dentro de
nosso campo de expectativas uma linha melódica a qual nos referimos quando lembramos de
uma canção. Que linha melódica é essa? Seria um mesmo contorno para todos, ou cada um de
nós percebe o acervo de maneira diferenciada? Existe um modelo para cada canção popular?
O estudo da performance através de gravações é uma abordagem relativamente recente
na musicologia. Ganhou força principalmente a partir do aumento do poder de processamento
dos computadores pessoais. Com o barateamento do custo de produção do Compact disc
(CD), têm havido também um grande número de relançamentos de gravações antes somente
disponíveis nos antigos discos de 78 rpm, em fitas cassete e nos discos de vinil (LP). No caso
específico do acervo em 78 rpm, a disponibilização se deu também devido à redução de
custos em relação ao direitos autorais, na medida em que o acervo passou para o domínio
público.
Além do mais até bem pouco tempo atrás as gravações dos primeiros anos do disco no
Brasil permaneciam armazenadas em coleções particulares de difícil acesso. O pouco material
que nos chegava nos causava estranheza. Escutávamos uma gravação ou outra, por exemplo,
do Baiano cantando “Pelo telefone”, mas isto inserido sequencialmente numa audição de
gravações em estéreo: soava quase como uma caricatura. Nos faltava um conhecimento mais
amplo e com maiores detalhes de suas características, para podermos compreender seu
12
espírito pioneiro e nos colocar dentro de uma perspectiva que levasse em conta a
precariaedade das condições de então.
Estas gravações dos velhos discos 78 rpm agora remasterizadas representam um
acervo riquíssimo de fontes primárias para a compreensão da música popular num período
obscuro, que agora começa a ser iluminado.
Com coleções remasterizadas, com selos dedicados (Coleção Revivendo, Edições
Collectors, etc), com acervos privados riquíssimos agora disponibilizados via internet
(Coleções Franceschi e Tinhorão disponibilizadas no sítio do Instituto Moreira Salles –
www.ims.com.br), podemos começar a montar o quebra-cabeças da história aural da MPB.
O conhecimento mais detalhado deste acervo começa a jogar luz na transformação do estilo e
no amadurecimento do artista da música popular, através de um processo lento de trocas com
esta indústria nascente do disco. A música popular brasileira tem uma dívida muito grande
com estes pioneiros.
Dispomos então de material bastante extenso em arquivos sonoros digitais, e ao
mesmo tempo a informática nos municia com ferramentas de análise poderosas, como
programas editores de áudio, programas de gravação multipista, programas de análise de
espectro, etc, todos eles disponíveis gratuitamente ou a baixo custo na rede global de
computadores – a internet. Por conta deste número grande de programas disponíveis para a
realização das várias tarefas de nosso projeto, os procedimentos computacionais deverão ser
agrupados em ferramentas ou métodos de maneira que as análises realizadas possam ser
refeitas ou extendidas para um número maior de composições.
A metodologia adotada será a audição e análise de gravações, com a fixação
principalmente da projeção melódica do intéprete em questão, para tentar estabelecer
procedimentos comuns e maneirismos de deteminados grupos estilísticos ou fases de nossa
música.
13
Como objeto desta investigação, escolhemos o samba-canção “Ai Ioiô”
(Henrique Vogeler / Luís Peixoto / Marques Porto) por algumas razões. Prá começar esta obra
é reconhecidamente a primeira a receber a denominação “samba-canção” na história da MPB.
Possui também uma tranformação curiosa em seus versos, com a versão final só sendo
registrada na sua terceira gravação, e o mais curioso é que nesta terceira versão recebeu a
denominação “Iaiá”, sendo o título final “Ai, Ioiô” colocado somente em gravações
posteriores. A argumentação de Tatit (2004) sobre esta questão será discutida mais à frente.
Significativa é também a presença desta obra na discografia, recebendo as mais
variadas versões, tanto vocais quanto instrumentais. A tabela abaixo lista as gravações desta
canção entre sua primeira versão (1929) e o final da década de 1950. Repare-se que além
destas três versões iniciais gravadas num espaço inferior a seis meses, a canção ainda teria
neste mesmo ano a gravação da Orquestra Pan American, sob a direção de Simon Boutman
6
,
figura importantísima na definição da sonoridade dos arranjos da Casa Edison neste período,
ao lado de Pixinguinha.
6
Estes 4 arranjos iniciais parecem ter ser sidos todos realizados por Boutman. Pixinguinha também apareceria
como arranjador da Casa Edison principalmente a frente da Orquestra Pan American, entretanto o arranjador só
passaria a fazer parte do elenco da Odeon em Novembro daquele ano, segundo Aragão (2001).
7
Dados cruzados entre os obtidos no sítio do Fundação Joaquim Nabuco
( http://www.fundaj.gov.br/isis/disco.html ) e no sítio do Instituto Moreira Salles ( www.ims.com.br ). Consulta
em 12/01/2006.
Quadro 1 – Gravações do “Ai, Ioiô” até o final da década de 1950
7
Ano Intérprete Observações
1929 Vicente Celestino versão “Linda Flor”
1929 Francisco Alves versão “Meiga Flor”
1929 Araci Cortes versão “Iaiá (Ai, Ioiô)”
1929 Orquestra Pan American instrumental
1944 Isaura Garcia
1949 Carioca e Orquestra instrumental
1950 Muraro e Orquestra instrumental
1952 Odete Amaral
1953 Araci Cortes
14
Podemos observar que a partir da série de versões de 1929, a canção ficaria por quinze
anos fora do disco, provavelmente mergulhada na prática por artistas que a gravaram, só
retornando em 1944, e depois permanecendo de forma mais regular dentro dos estúdios.
A força desta canção, e particularmente da interpretação inicial da Araci Cortes, pode
ser medida por um fato. Entrevistado por Paulo Mendes Campos para a Revista da Música
Popular na primeira edição de outubro de 1954, Ary Barroso, quando perguntado quais seriam
os dez sambas de “primeira qualidade”, o compositor inclui em sua lista o “Iaiá de Ioiô”. Na
sequência, ao ser inquirido sobre qual seria a melhor revista musical já apresentada, o Ary não
titubeou: “ ‘Miss Brasil’ de Marques Porto e Luis Peixoto, na qual Araci Cortes criou ‘Iaiá de
Ioiô’, em 1928, no Teatro Recreio”
8
. Já se passavam quase trinta anos e o compositor de
“Aquarela do Brasil” ainda carregava consigo o impacto daquela canção.
O recorte temporal proposto até o final da década de 1950 nos pareceu apropriado na
medida em que por esta época começa a se definir um novo movimento, a bossa-nova, que
exercerá novas influências sobre o samba-canção e sobre a música popular em geral. Por esta
época o gênero havia chegado a um estilo exacerbado, tanto do ponto de vista do texto, na
chamada temática da “dor de cotovelo”, quanto das orquestrações e interpretações, o que se
configuraria como elemento de negação para o novo movimento que surgia.
8
Coleção Revista da Música Popular. Rio de Janeiro: Funarte, 2006 (31-32)
1953 Radamés Gnattali e Orquestra instrumental
1956 Zezé Gonzaga
1956 Elizeth Cardoso
1956 Ângela Maria
15
A partir da década de 1960 a canção “Ai, Ioiô” receberia ainda versões as mais
variadas: Alcione, Altamiro Carrilho, Augusto Calheiros, Baden Powell, Dalva de Oliveira,
Dori Caymmi, Edu da Gaita, Jane Duboc, Jane Duboc & Zezé Gonzaga, Martinha,
Ná Ozzetti, Tetê Espíndola, Toquinho, Trio Surdina, Waldir Azevedo e Zezé Motta.
9
No capítulo 1 refletimos sobre alguns conceitos e estudos, tanto da musicologia como
da etnomusicologia, que ajudaram a iluminar questões referentes à percepção da obra popular.
A revisão bibliográfica que se configura de maneira nenhuma tem a pretensão de esgotar este
assunto, principalmente numa área relativamente nova em que as pesquisas estão surgindo em
todas as frentes possíveis.
No capítulo 2 discutimos a questão da formação de um campo de expectativas
particularmente em torno das grandes obras da produção popular que, seja através de sua
contínua imersão na tradição, seja através de “releituras”, estão sempre redefinindo seu
contorno rítmico-melódico.
No capítulo 3 apresentamos a metodologia adotada na transcrição das versões
estudadas e avaliamos os limites técnicos e práticos para a representação de uma performance
real.
No capítulo 4, partindo das transcrições de várias versões do samba-canção “Ai, Ioiô”,
fazemos um levantamento e a avaliação das elaborações rítmicas estratificadas como prática
naquele gênero.
9
Dados levantados no sítio CliqueMusic: www.cliquemusic.uol.com.br. Consulta em 12/01/2006.
16
CAPÍTULO 1 – ALINHANDO CONCEITOS
Músico de origem popular, particularmente imerso na linguagem do choro, meu
aprendizado sempre foi baseado na prática, no contato direto com músicos populares e no
manuseio e estudo de gravações, como via de regra é a de qualquer músico ligado a esta
tradição. O meu repertório foi construído a partir da escuta, na tentativa de imitar os gestos
sonoros dos mestres do gênero. Somente depois de devidamente interiorizado é que partia
para a grafia daquela performance. Somente quando conseguia tocar com uma interpretação
bem próxima daquele “original” é que me dispunha a anotar o que estava sendo tocado.
A minha curiosidade se aguçava quando confrontava minhas anotações com um outro
registro qualquer daquela obra, fossem anotações de amigos ou versões impressas. As
diferenças que surgiam eram por vezes bastante significativas, que poderiam se justificar por
uma escuta diferente, ou a audição de uma versão diferente, ou simplesmente, como via de
regra nas versões impressas, de transcrições equivocadas. Tal fato representou o ponto de
partida de meu questionamento sobre o que grafar e até onde detalhar a representação gráfica
da performance popular.
Tendo começado na linguagem instrumental, passava também a partir deste ponto a ter
uma escuta mais atenta da forma como os fragmentos rítmicos – incisos, membros de frase,
etc – flutuavam na grade temporal dentro do discurso dos cantores da MPB. E dessa forma,
encontrando particularmente no samba uma fonte extraordinária de ensinamentos de como
“dizer o texto cantando”, comecei a tentar registrar as abordagens de intérpretes diferentes
para determinada obra, na tentativa de isolar procedimentos que me pareciam sistemáticos nos
vários estilos pessoais.
Nesta trajetória entre o fato sonoro – uma gravação – e uma grafia que de alguma
forma representasse este fato, recorri a alguns estudos da musicologia e da etnomusicologia,
17
buscando conceitos e reflexões que me auxiliassem, jogando um pouco de luz em minhas
observações: são reflexões sobre a organização e percepção da obra popular, sobre a liberdade
do intérprete na construção do seu discurso e sobre os limites da transcrição destas
performances.
Como ponto de partida a própria noção de ritmo e a sua percepção, na medida em que
a música popular organiza-se, de maneira geral, como uma música homofônica – uma
melodia acompanhada – desdobrando-se sobre uma grade temporal isócrona – na maior parte
das vezes.
Cooper & Meyer (1963) fazem, nos capítulos iniciais do livro The rhythm structure of
music, uma descrição dos vários elementos capazes de alterar nossa percepção do ritmo.
Demonstram como variações de articulação, de dinâmica, mudanças nos valores relativos das
notas e mudanças na ornamentação, reconstroem nossa percepção de um mesmo perfil
melódico. Argumentam que nossa percepção do ritmo é estruturada em níveis arquitetônicos:
de níveis primários – pequenos incisos – até níveis rítmicos superiores – frases, períodos,
seções inteiras até a forma total da obra – todos os elementos organizados pela relação entre
estruturas acentuadas e não acentuadas.
Segundo os autores a organização métrica tem uma função estrutural por representar a
grade temporal que dá sustentação à fragmentação rítmica, que é em última análise como
percebemos o discurso musical: uma sucessão de eventos sonoros funcionando como palavras
construindo um discurso.
O pulso é definido como uma série de estímulos regulares não acentuados, que só se
configuram em tempo musical (beat), quando na existência de pulsos regularmente
acentuados, organizando o continuum temporal
10
. Os autores observam que embora
10
Neste texto estaremos utilizando “pulso” num sentido um pouco mais amplo, quando mesmo num continuum
temporal organizado em compassos, quisermos nos referir a uma das partes deste continuum sem que se queira
levar em conta sua posição métrica. “Tempo” poderá se referir tanto a cada um das partes da divisão de um
18
geralmente estabelecido por estímulo objetivo, a sensação do pulso pode existir
subjetivamente e esta sensação de pulsos regulares, uma vez estabelecida, tende a continuar
na mente e na musculatura tanto do executante como do ouvinte, mesmo cessando o estímulo.
Este é um conceito importante, exercitado por nossos intérpretes no controle da
relação entre seu canto e a base instrumental. É claro que neste caso o estímulo externo não
cessa, mas há de qualquer forma um pulso interno que se mantem regular apesar de todo o
malabarismo vocal em andamento.
Cooper & Meyer argumentam que percebemos o ritmo pela forma como um ou mais
tempos fracos são organizados em torno de um tempo forte. O tempo acentuado se configura
como um ponto focal, o núcleo de uma configuração rítmica: um tempo não acentuado pode
pertencer a mais de um grupo rítmico, enquanto aquele acentuado pertence a somente um. A
organização em todos os níveis é o produto de similaridades e diferenças, proximidade e
separação dos sons percebidos e organizados pela mente.
Particularmente no que diz respeito ao samba, a própria concepção rítmica carrega em
si uma dualidade, na medida em que, enquanto a grade temporal se monta sobre a estrutura
normal de um compasso binário, principalmente com a harmonia organizando-se em torno de
um tempo forte convencional, existem vários componentes rítmicos que articulam o “tempo”
forte no segundo tempo. É o caso, por exemplo, dos instrumentos de marcação como o surdo:
é a principal fonte de condução e regularidade do samba, articulando-se sempre, ou pelo
menos com mais intensidade e regularidade, no segundo tempo do compasso
11
. É articulando-
se neste jogo de forças entre um ponto de apoio fornecido pela tradição européia – suporte
compasso, quanto à duração (em segundos) de cada destas subdivisões. O “1º tempo” de um compasso refere-se
tanto ao ponto em que se inicia esta unidade, quanto ao tempo (convencional, em segundos) decorrido até o
início da próxima unidade.
11
Isto por vezes gera uma confusão de nomenclatura pois o surdo de “primeira” numa escola de samba sempre
toca no segundo tempo. A escola de samba Estação Primeira de Mangueira, no Rio de Janeiro, é famosa por
manter-se fiel às origens do samba, somente permitindo este surdo de “primeira”, não havendo nenhuma
marcação do primeiro tempo formal do compasso. A escola evolui sobre uma estrutura métrica podemos pelo
menos dizer “apoiada” no segundo tempo.
19
para toda a música popular – e outro fornecido pela percussão, de forte influência étnica, que
o artista encontrará o espaço para dizer o seu texto, ora apoiando-se sobre a regularidade do
compasso, ora parecendo descolar-se completamente dele.
Esta liberdade para conduzir o canto em relação à estrutura métrica se convencionou
chamar de suingue, uma forma particular de rubato que encontra larga utilização na música
popular. Cantar ou tocar com suingue significa apresentar-se com uma desenvoltura rítmica
na qual ao mesmo tempo em que o intérprete não perca a noção do pulso isométrico da base –
às vezes nem tão regular – seja capaz de fazer elaborações melódicas, na maioria das vezes de
caráter temporal, demonstrando domínio do seu ofício. O termo também é utilizado com um
significado mais amplo, envolvendo por um lado um certo grau de improvisação do intérprete,
e por outro a dinâmica interna dos elementos que compõem a base instrumental, além da
relação desta base com o canto.
O New Grove (2001) aponta que no uso corrente a denominação rubato implica
alguma forma de distorção do valor estrito de uma ou mais notas na frase musical. O seu
significado inicial apontava somente para aqueles casos em que a linha se descolava da
regularidade estrita do baixo contínuo. Posteriormente, a partir do romantismo, passou a
designar também flexibilizações rítmicas envolvendo todo o substrato musical, quando o caso
anterior passou a ser referido como rubato melódico.
Philip (1992) faz um estudo detalhado dos tipos de rubato presentes em gravações do
repertório erudito, ao discutir as mudanças de estilo destes registros sonoros entre o início e o
final do século XX. O autor começa por um levantamento extenso da literatura sobre a
estética da performance no início do século, apontando indicações expressas de interpretação
propostas por professores, pianistas e regentes renomados, aplicadas principalmente ao
repertório romântico em alta naquele momento, para depois verificar como os intérpretes
20
consagrados realizaram no disco tais conceitos, ao longo do século. No que diz respeito
especificamente ao rubato, detecta uma mudança significativa de estilos nestes mais de cem
anos de música gravada, com a rítmica tornando-se mais regular, praticamente desaparecendo
o tipo de rubato caracterizado pelo deslocamento entre melodia e acompanhamento.
A flexibilidade de andamento intensa encontrada nas primeiras gravações do século
XX – passagens líricas tocadas mais relaxadamente, outras de maior vigor tocadas mais
velozmente – reflete a abordagem dos intérpretes românticos tardios que ainda chegaram ao
registro sonoro, ou de suas orientações estéticas postas em prática por seus discípulos diretos
(é preciso lembrar que se vivia no mercado editorial a febre das edições comentadas, onde
todos os grandes músicos de então encontravam vazão para suas observações e filosofias
estéticas).
Philip observa que por vezes o que chegava ao disco contradizia discursos e posturas
estéticas pessoais. Cita como exemplo Strawinsky e Toscanini, críticos ferrenhos da
flexibilidade de andamento, mas que em suas gravações se mostraram não tão determinados
sobre o assunto.
Na classificação proposta pelo autor, o rubato divide-se em 3 categorias principais:
• Acellerando / rallentando.
• Acentos agógicos / tenuto.
• Independência entre melodia e acompanhamento (melodic rubato)
De maneira geral no primeiro tipo as frases ascendentes são tocadas crescendo e
acelerando, enquanto as descendentes são tocadas diminuindo e rallentando, com toda a
estrutura flutuando na mesma proporção. Várias denominações são encontradas na literatura
para referir-se a este tipo: stringendo-calando, quickening-slackening, borrowed-paid back.
Esta última reflete uma postura que propunha o tempo tomado (borrowed) na frase ascendente
deveria ser perfeitamente compensado na frase posterior (paid back), com uma volta precisa
21
ao andamento anterior, isto é imaginando-se um pulso externo, o desenho se adiantaria e
retornaria ao mesmo ponto onde deveria estar se não houvesse tal perturbação, o que se
verificou que nas gravações nunca ocorre.
No segundo caso temos os acentos agógicos que consistem não de uma intensificação
da nota, mas de um alongamento discreto de seu valor. Referenciado na literatura também
como given-taken por sua característica de algumas notas tomarem valores de outras, sendo
um rubato que ocorre no interior da frase sem necessariamente haver variações de pulso.
Muitos autores associam este tipo de rubato a características declamatórias, próprias da
língua. Busoni orienta seus alunos que “a barra de compasso é somente para os olhos. Ao
tocar, como ao ler um poema, o discurso deve estar subordinado à declamação: deve-se falar o
piano”. (Busoni apud Philip, 1992). E ainda em se tratando de orientações para o canto
Mackinlay (1910) propõe:
(...) alongamento de certas sílabas compensado pelo encurtamento de outras. É
um estilo de cantar útil principalmente na interpretação de sentimentos fortes,
sendo conduzido pela acentuação dada à linguagem comum (Mackinlay, 1910
apud Philip, 1992, p. 42).
12
No terceiro caso apontado por Philip temos o rubato melódico, onde a melodia se
desenvolve fora dos valores exatos das notas com o acompanhamento mantendo seu pulso
constante. Philip observa que este tipo de deslocamento entre canto e acompanhamento é uma
das características mais óbvias das performances pianísticas do início do século XX, mas que
do ponto de vista da estética do final deste século, esta falta de sincronização será considerada
um descuido.
É exatamente este o tipo mais comum na música popular: pequenos fragmentos
adiantados ou atrasados em relação a sua posição original, posição esta definida por versões
anteriores que nos guiam nesta nova escuta. É evidente que existem flutuações discretas de
12
The lengthening of certain syllables being equalized by shortening of others. It is a style of singing principally
useful for the interpretation of strong feelings, being governed by the accent which is given in ordinary speech.
(todas as traduções são minhas)
22
todo o corpo sonoro, mas tais flutuações ou são desprezíveis ou são deliberadamente parte do
arranjo, na forma de acellerandos, ritardandos e fermatas em momentos específicos da peça –
introduções, codas, ou, mais raramente, interlúdios. A regularidade do andamento é, via de
regra, o caso mais comum.
E será também este rubato o objeto central de nossa investigação, através do estudo
desta elaboração melódica observada em registros, por diferentes intérpretes, de uma mesma
canção. E como nosso ponto de partida são as flutuações sobre uma base regular e isócrona,
restringimos nossa avaliação aos trechos de cada um dos arranjos onde o pulso se estabelece
regularmente, deixando de lado aqueles momentos de indefinição da base, seja por descuido
ou por orientação do arranjo.
Nossa grafia irá então priorizar este aspecto do canto, deixando provisoriamente de
lado elementos estéticos que aqui reconhecemos de importância vital. São detalhes como
glissandos, portamentos, articulações diferenciadas, etc, que são características indispensáveis
do canto popular, e que são responsáveis pela definição de estilos pessoais, mas que poderiam
obscurecer nossa investigação ao sobrecarregar visualmente nossas transcrições.
De qualquer forma, em todo processo de transcrição de uma tradição oral, a ênfase em
elementos estruturais como altura e ritmo acaba por deixar de fora da representação uma
parcela significativa de informações, “o que acontece entre as notas” como comenta
Seeger (1958). O autor observa que as várias tradições musicais ao redor do mundo têm suas
formas particulares de “colocar o que deve vir entre as notas”. Por vezes isto nos passa
desapercebido, mas mesmo dentro de nossa forte tradição ocidental as indicações de um
compositor numa partitura não se realizariam senão através do conhecimento de uma tradição
oral associada a ela, a tradição nos repassada por professores, instituições e por tudo que
escutamos do repertório.
23
No texto Seeger aponta ainda uma divisão geral da função da escrita musical entre
prescritiva e descritiva. A partitura terá uma função prescritiva quando o material anotado tem
como objetivo montagens posteriores, funcionado como planos para uma ação futura – é o
caso de todo o acervo da chamada música erudita. Uma função descritiva se estabelece
quando usamos a notação musical para registrar com um máximo de veracidade o que foi
realizado numa dada performance, funcionando neste caso como um relatório de um evento
passado. É o tipo de transcrição normalmente associada à etnomusicologia, onde a grafia
ocidental expõe toda a sua deficiência, numa quase incapacidade de registrar eventos que não
sejam de dentro de sua tradição. Os registros com a notação ocidental de práticas de outras
culturas – africanas, orientais, etc – acabam por produzir documentos por vezes ininteligíveis.
Dentro desta classificação, as nossas transcrições se alinham com a abordagem
descritiva, e embora as linhas resultantes possam ser usadas como ponto de partida para
execuções posteriores (uso prescritivo), será necessário cuidado na medida em que as grafias
acabam por acumular gestos melódicos extremamente pessoais.
Resumindo este ponto: dos extremos possíveis ao se abordar a transcrição, um
limitado ao contorno geral da melodia e outro interessado nos detalhes rítmico-melódicos
mais minuciosos, optamos por uma representação que deixasse em relevo a assincronia entre
canto e acompanhamento, com plena consciência que o que vai “entre notas” representa uma
parcela indispensável no reconhecimento de estilos pessoais.
Nossa experiência nos permite mesmo afirmar que tais gestos melódicos são a chave
para reconhecermos a interpretação deste ou daquele artista. Podemos constatar que uma parte
destes gestos pessoais acaba por se incorporar à própria obra. Por exemplo num samba de
Sinhô há elementos de sua rítmica própria, provavelmente decorrente de seu sotaque pessoal,
que individualizam sua obra. Por outro lado o mesmo samba agora interpretado por Mário
24
Reis ou Francisco Alves se recobrirá dos gestos pessoais destes cantores, individualizando
suas interpretações.
Tendo definido as diretrizes gerais para o nosso processo de transcrição, chegamos à
necessidade de determinarmos com que nível de detalhes, especialmente no que diz respeito
ao ritmo, vamos representar as performances. Esta definição de valores mínimos para a
representação de um evento musical é o que se convencionou chamar de quantização
13
.
Este termo se tornou de uso mais comum no campo da música a partir de sua
utilização dentro do padrão MIDI
14
, significando a tradução de uma expressão rítmica real
dentro de uma grade temporal pré-definida. Os valores das notas que numa execução real
podem ter qualquer dimensão – as durações das notas portanto podendo então variar entre
valores infinitos – serão representadas dentro métrica tradicional por suas durações mais
próximas, que dependerá do valor mínimo definido para aquela operação. Por exemplo
quantizar um choro pela semicolcheia seria não admitir mais do que quatro notas por tempo
num compasso 2/4.
Quando escutamos alguém cantando e nos propomos a registrar a melodia,
eventualmente verificamos uma ou outra nota “desafinada”, mas de qualquer forma anotamos
a melodia em termos da escala geral. O que estamos fazendo é a quantização das alturas,
aproximando as notas “desafinadas” para suas vizinhas mais próximas na escala geral. Da
mesma forma operamos com o tempo, aproximando suas durações em termos de colcheias,
semicolcheias, quiálteras, etc.
Nesta transformação do contínuo em discreto há sempre uma perda, um erro de
representação que é inerente ao processo. Aqui procuraremos realizar as transcrições com
13
Em processamento de sinais, quantização é o processo de atribuição de valores discretos para um sinal cuja
amplitude varia entre valores infinitos, isto é a codificação dos valores contínuos de um sinal em intervalos
discretos
14
MIDI (Musical Instrument Digital Interface) é um protocolo de comunicação digital voltado para aplicações
musicais, permitindo a conectividade entre instrumentos musicais eletrônicos, e entre estes e toda sorte de
periféricos incluindo-se aí o computador.
25
quantizações que resultem numa representação que nos permita conjecturar sobre os
deslocamentos rítmicos que são objeto desta pesquisa. Os valores mínimos serão discutidos
caso a caso.
A quantização é bastante estudada também na área de cognição e inteligência artificial
na tentativa de configurar modelos e sistemas capazes de realizar a transcrição automática de
um trecho musical.
Pesquisadora do campo da psicologia da música, Krumhansl (2006) faz um
levantamento da produção acadêmica específica do campo da cognição musical, chamando a
atenção para o contexto interdisciplinar onde se desenvolve. Ao lado das disciplinas
normalmente associadas à música – musicologia, etnomusicologia, etc – aponta para outras
também alinhadas na compreensão do comportamento musical: a informática (especialmente
as pesquisas de inteligência artificial), a linguística, a sociologia, a biologia, etc.
Krumhansl argumenta que as pesquisas recentes alinhando-se com a psicologia
cognitiva, enfatizam a influência do conhecimento sobre a percepção, e que os estímulos
apresentados são interpretados a partir de experiências anteriores. “A informação perceptiva é
assimilada a esses esquemas (padrões típicos de ritmo e altura) o que facilita a organização de
eventos sonoros e gera expectativas de eventos futuros.” (Krumhansl, 2006, p. 46).
A autora destaca que as pesquisas tanto de altura como de ritmo trabalham com
estímulos curtos e discretos, e que tais valores são consideravelmente menores que os
utilizados na música. Os estudos mostram que os ouvintes associam estes estímulos a
“categorias musicais” (células rítmicas), relacionadas a um pulso regular, no caso do tempo,
ou a uma escala, no caso de notas e harmonia. Estas categorias se refletem na notação
musical, embora a performance se afaste sistematicamente daquela forma de representação.
Analisando a pesquisa básica sobre padrões rítmicos, Krumhansl (2006) observa a
“existência de um forte componente motor relacionado à representação psicológica do ritmo”
26
(p. 53). Isto é particularmente verdade em se tratando de música popular em sua estreita
relação com a dança, destaca a autora. Podemos observar também que em toda performance
há um gesto motor anterior, com o corpo entrando em sintonia com o fazer musical
antecipadamente, por exemplo, através da contagem de compasso, da tomada da respiração,
da preparação para o passo de dança, etc.
Quanto à forma que organizamos nosso pensamento musical, a autora conclui:
Um tema importante que emerge (...) é que a percepção e a cognição musical
refletem como a música é estruturada. Isto é, as representações psicológicas
espelham os padrões encontrados na música, alguns dos quais receberam
tratamentos extensos em teoria musical, análise, composição, história e
etnomusicologia. Muito embora os métodos psicológicos não pressuponham os
resultados de tais estudos, os dados psicológicos se prestam, frequentemente, a
ser interpretados nesses termos. (...) Ao mesmo tempo, a convergência
encontrada levanta a questão se a música é estruturada do jeito que é por conta
de limitações psicológicas, ou se a representação psicológica resulta de
internalizar na experiência individual as regularidades da música. Sem sombra
de dúvida, a resposta é que as influências ocorrem em ambos os sentidos, mas
o grau relativo e as condições em que a influência se exerce exigem mais
explicações. (Krumhansl, 2006, p. 93-94).
Trabalhando também na pesquisa dos padrões rítmicos, citados por Krumhansl, e na
modelização de padrões rítmicos em processos computacionais, Bilmes
15
(1993) descreve os
quatro elementos suscetíveis de modelagem e que caracterizam a rítmica musical: o conteúdo
métrico da qual a notação tradicional é um exemplo de modelo; o material amétrico que não
pode ser associado a um pulso e que acaba por ficar de fora da proposta do autor por
representar um universo muito estreito; as variações de andamento que seriam representações
das variações de freqüência do pulso (acellerandos e ritardandos). O quarto elemento seria os
deslocamentos de eventos. Em relação a estes o autor argumenta que a rítmica do repertório
clássico pode ser modelizada pelas variações de andamento, enquanto que na música de
15
Alguns centros internacionais de pesquisa na linha da inteligência artificial têm produzido vasta documentação
sobre percepção e modelagem do ritmo. Jeff Bilmes é um dos fundadores do Signal, Speech, and Language
Interpretation Laboratory (SSLI) na University of Washington, Disponível em <http://ssli.ee.washington.edu>
Acesso em: 27 dez 2006.
27
origem étnica (de origem africana) e na música moderna (o jazz) se faz necessário uma nova
abordagem descrita como “deslocamento de eventos” (event shift). Neste modelo os eventos
são deslocados à frente ou para trás dentro da grade temporal, sendo usado para modelar a
música africana ou o jazz, ou qualquer tipo de “swing music”, onde os músicos deslocam-se a
partir de um pulso uniforme, podendo o modelo ser aplicado ainda a uma parcela do
repertório romântico ocidental onde as vozes individuais se deslocam do acompanhamento.
Acredita-se que músicas com desvios sensíveis de um pulso estável (event shift
music) como o jazz, apresentam uma grade temporal fixa implícita. Mas como
se fixa uma grade temporal, especialmente onde todos os intérpretes
desviam-se desta grade? No jazz se diz que os músicos estão tocando “behind
the time”, “right on the beat” ou “in front of the beat”, onde os eventos – as
notas – ocorrem respectivamente antes, exatamente sobre ou após sua marca
temporal regular. Nos casos onde a maioria dos executantes toca “no tempo”, a
grade temporal está definida explicitamente – embora a música possa ser
considerada sem vida. Entretanto, nos casos onde os músicos tocam tanto antes
como depois do tempo, como sabemos onde se encontra a grade fixa? Se todos
os executantes num conjunto tocam atrás do tempo, porque não percebemos a
grade deslocada para frente, e dessa forma todo o grupo tocando no tempo?
Alguns argumentos são possíveis: 1) Os executantes não se deslocam na
mesma medida. Em conjuntos, alguns instrumentos, cuja função é definir o
pulso primário (back-beat), normalmente tocam mais no tempo do que outros;
por exemplo o contrabaixo no jazz e o tambor de suporte (support drum) na
música africana tendem a tocar mais “no tempo”. 2) O quanto um executante
toca antes ou depois do pulso também varia no tempo e pode ser representado
como uma função que mapeia uma posição métrica e um andamento para uma
duração de tempo que é usada para ajustar um inciso (note event). Por
exemplo, no início de uma seção, o intérprete toca mais no tempo e então se
desvia substancialmente na seção central.
16
(Bilmes, 1993, p. 1-4)
16
It is commonly believed that music with appreciable deviations from a stable beat (event shifting music), such
as jazz, has an implicit fixed time grid. But how is a fixed time grid implicitly defined, especially in music where
all performers deviate from the grid? In jazz, people are said to play “behind the beat”, “right on the beat” or “in
front (or on top) of the beat" where note events occur respectively later than, right on, or earlier than the grid
marks. In cases where the majority of performers play on the beat, the time grid is explicitly defined – although
the music might be considered “lifeless”. However, in cases where the majority of performers play both behind
and in front of the beat, how do we know where the fixed time grid lies? If all performers in an ensemble play
behind the beat, why do we not perceive the time grid as being shifted forward in time, and thus perceive all
performers as playing on the beat? Several reasons are possible: 1) Performers do not deviate by the same
amount. In ensembles, certain instruments, whose role is to define the back-beat, typically play more on the beat
than others instruments; for example, the bass in a jazz ensemble and a support drum in an African ensemble
tend to play more on the beat. 2) The amount a performer plays behind or ahead of the beat is time-varying and
can be represented as a function that maps a metric position and a tempo to a time duration that is used to adjust
a note event. For example, at a section beginning, a performer might play right on the beat and then deviate
appreciably at the section middle.
28
Reconhecendo a presença de elementos comuns entre a cultura, e mais
especificamente a música, de origem africana e a afro-americana, Iyer
17
e outros (2006)
desenvolvem um modelo para simular uma rítmica (timing) expressiva sobre um pulso
isócrono. Os traços mais significativos herdados pela música afro-americana são apontados
pelos autores: ênfase na improvisação, tendência a sonoridades percussivas, prevalência de
formas antifônicas (pergunta/resposta) e a extratificação em camadas rítmicas contrastantes.
Observam, por conta destes elementos, que as estruturas derivadas de raízes africanas podem
ser menos organizadas - no sentido da grande forma – que as estruturas tonais da tradição
européia, mas são frequentemente mais profundas – no sentido da polirritmia, contendo mais
unidades – numa escala de tempo menor.
Fazem uso do esquema tripartite de Bilmes (1993) para representação da performance:
o tempo baseado na representação gráfica, as transformações do andamento em larga escala
(acellerando / rallentando) e as antecipações e atrasos microscópicos dos eventos em relação
a ataques (onsets) originais.
Tendo estabelecido as primeiras transcrições, comecei então a tentar quantificar os tais
deslocamentos da melodia que me chamavam a atenção, o que em algum ponto me levou a
questionar: em relação a que eles existem? Em relação ao que eu sentia estar havendo uma
elaboração da linha melódica? Reparei então que comparava as versões transcritas com um
perfil simplificado daquela canção, para então concluir que não se tratava de uma
simplificação operada somente por mim, pois ao consultar outros músicos da prática do
samba, todos se referiam àquela canção com um mesmo perfil rítmico-melódico.
Este perfil médio da melodia popular se alinha com o conceito de modelo apontado
por Arom (2001) na pesquisa da música de tradição oral centro-africana. O autor começa por
17
Pesquisador em outro centro de referência Center for New Music and Audio Technology da U.C. Berkeley.
29
discutir a questão da existência de modelos que servem de suporte ao processo de construção
das várias camadas rítmicas daquela tradição:
Em muitas culturas de tradição oral onde a teoria é, essencialmente, implícita, a
sua existência se verifica pelo fato de que, no uso de um elemento pertencente
ao sistema, nenhum erro passa desapercebido aos usuários: qualquer falta que
se cometa é percebida e corrigida. Se existe erro, este será em relação a um
esquema teórico de organização que, em cada caso, constitui um modelo.
18
(Arom 2001, p. 205)
Existe portanto nas músicas de tradição oral um modelo a partir do qual os eventos
sonoros se materializam, com as variações se dando dentro de limites tais que permaneçam
reconhecíveis pelos membros do grupo. No caso da tradição centro-africana, a existência de
um modelo se confirma a partir da ocorrência e reconhecimento do erro: este é logo apontado
e corrigido dentro do espaço conceitual daquela cultura em particular.
Citando Brailoiu, Arom observa ainda que nas manifestações em que a improvisação
ocupa papel fundamental, verifica-se que a grande quantidade de variação em geral esconde
estruturas básicas muito simples:
No espírito dos cantadores vive, de forma latente, um arquétipo ideal, do qual
eles nos oferecem encarnações efêmeras. A comparação entre variantes tornará
evidentes as partes da melodia mais resistentes ou mais flexíveis. Ao mesmo
tempo, o estudo de diferentes interpretações de um mesmo canto fará aparecer
a amplitude da ingerência de um sujeito ou outro, de uma categoria humana ou
outra, de um estado anímico ou de uma circunstância ou outra, e, em última
análise... de um gênero musical ou outro.
19
(Brailoiu 1949 apud Arom 2001,
p. 207)
Ao pesquisador imerso naquela tradição, observa o autor, caberá então encontrar estas
propriedades essenciais, o modelo. Além disto as variações também estão limitadas ao
reconhecimento da peça em questão, não existindo a possibilidade da improvisação ser tão
profunda a ponto de tornar irreconhecível a realização. “O modelo é precisamente o que
18
En muchas culturas de tradición oral donde la teoria es, en lo esencial, implícita, su existencia queda no
obstante verificada por el hecho de que, en el uso de un elemento perteneciente a un sistema, ningún error pasa
desapercebido a los usuarios: cualquer falta que cometa uno de ellos enseguida es percebida y corregida. Si hay
error será, pues, en relacion con un esquema teórico de organización que, en cada caso, constituye un modelo.
19
La comparacion entre variantes hará evidente de forma automatica las partes de la melodia resistentes o
ductiles. Al mesmo tiempo, el cotejo de interpretaciones diferentes de um mismo canto hará aparecer la amplitud
de la injerencia individual de um sujeto a otro, de una categoria humana a otra, de un estado anímico o de una
circunstancia a otra, e en último término... de um género musical a otro
30
preserva a identidade de uma peça”
20
conclui Arom para em seguida citar novamente
Brailoiu:
Para manter-se na memória, a música popular tem que se utilizar de esquemas
inflexíveis, no entanto para ser uma música de todos, deve permitir a adaptação
destes esquemas, forçosamente simples, a uma infinidade de temperamentos
individuais: é a variação, que a escrita elimina. Por outro lado, a variação nos
permite compreender através de que meios a música popular extrai seus
grandes efeitos de meios relativamente reduzidos: seu uso intenso (...) é o que
produz sua riqueza.
21
(Brailoiu 1949 apud Arom 2001, p. 207).
No caso da música popular no Brasil, por conta de sua intensa circulação midiática,
existe um jogo de forças entre a tradição oral (o que se canta ou se toca nas rodas) e o material
gravado. A partir do momento que uma canção é fixada no disco, passamos a ter um ponto de
referência novo na construção de formas individuais de interpretar tal obra. Agora além da
prática que pode, ou não, ter forjado os maneirismos de determinado intérprete, este poderá
consultar uma forma “não efêmera” daquela obra.
Podemos encontrar dentre os vários projetos de regravação dos clássicos da MPB
alguns orientados para a prática e a vivência do samba, e outros claramente voltados para a
“releitura”, em que os intérpretes mergulham em gravações “originais”. No primeiro caso:
uma artista como Zezé Gonzaga sendo convidada a participar de nova gravação por exemplo
do repertório da era de ouro do rádio não necessitará informações complementares sobre letra
e música, ela possui toda a informação necessária devido à sua profunda imersão naquela
prática. “Velhos sambas, velhos bambas” é o título dado a uma pequena coleção de LP’s
lançada no final da década de 1980. Reunia alguns intérpretes egressos do rádio, alguns que já
não gravavam há décadas embora continuassem em plena atividade: Zezé Gonzaga,
Roberto Silva, Violeta Cavalcante, Ademilde Fonseca, entre outros. Todos profissionais
20
El modelo es precisamente lo que preserva la identidad de una pieza.
21
Para manterner-se en la memoria, la musica popular tiene que utilizar esquemas inflexibles; pero para ser una
arte “de todos”, debe permitir la adaptacion de esos esquemas, forzosamente simples, a una infinidad de
temperamentos individuales: es la variacion, que la escritura elimina. Por otro parte, la variacion nos permite
comprender a través de que medios la musica popular extrae sus grandes efectos de medios relativamente
reducidos: su intensa exploración o (...) es lo que produce su riqueza.
31
experientes debruçando-se sobre um repertório de clássicos do samba, provavelmente inserido
em suas práticas profissionais, ou pelo menos em sua convivência no meio de serestas e rodas.
A Zezé Gonzaga convidada para interpretar o grande sucesso de 1947 “Segredo” (Herivelto
Martins/Marino Pinto), o faz refletindo a sua imersão naquela tradição (ver faixa 11 do CD
em anexo). O mesmo fará Violenta Cavalcante ao recriar “Cansei de pedir” (Noel Rosa), um
sucesso de 1935 na voz de Araci de Almeida (ver faixa 12 do CD em anexo): profissional
experiente, não precisará de informações complementares, aquela canção faz parte do seu dia
a dia.
Por outro lado uma artista como Olívia Byington ao participar de um projeto de
gravação de um tributo a Araci de Almeida (“A Dama do Encantado” de 1997), forçosamente
terá que se debruçar sobre gravações, o que de alguma forma irá se refletir em sua forma de
dizer o texto, como na mesma canção “Cansei de pedir” (ver faixa 13 do CD anexo). Neste
caso a ação da tradição pode ter sido a de preparar a intérprete através de um repertório
semelhante aproximando-a do universo do samba, mas a Olívia muito provavelmente
necessitará de um mergulho mais profundo na obra gravada da Araci, uma aproximação direta
através de registros sonoros, o que invariavelmente irá se refletir sobre sua interpretação
22
.
Arom (2001) observa que os modelos na etnomusicologia devem representar a
realização mínima, mais simples – documentada ou não – de uma entidade musical: a
representação ao mesmo tempo global e simplificada desta entidade. O modelo se caracteriza
por condensar o conjunto de traços pertinentes, e somente estes, sempre tendo em mente que
tal configuração deve ser reconhecida pelos atores da tradição em que se insere. Observa
ainda que em músicas como a centro-africana, onde o princípio de funcionamento é
essencialmente o de repetição e variação, surge sempre a questão dos limites, de até onde
pode ir a transformação, sem que o resultado se desligue dos padrões daquela tradição. Em se
22
Não há nenhum julgamento de valor aqui, sou admirador confesso de todos citados.
32
tratando de uma música de tradição exclusivamente oral, o autor observa que se faz necessário
que esteja presente na mente do músico uma forma simplificada que constitua a essência
daquela manifestação, uma vez que é impossível memorizar todas as variações possíveis. Esta
forma depurada atua como um esqueleto em relação ao conjunto das variações possíveis, é a
partir dele que elas brotam. Se na riqueza dos procedimentos em foco entram em jogo a
criatividade e memória e/ou experiência pessoal do músico, por outro lado a fórmula mínima
de cada peça está gravada na memória coletiva da comunidade, permitindo sua transmissão, e
desta forma, sua perenidade.
Do ponto de vista dos portadores daquela tradição, o conjunto de variações, incluindo
aí a materialização eventual do modelo, são tratados pelos músicos como uma coisa só,
portanto culturalmente equivalentes. Arom apresenta uma série de variações que seriam
consideradas bastantes diferentes sob um olhar ocidental, mas que são percebidas como a
mesma coisa pelos músicos centro-africanos.
Quando refletimos sobre a canção brasileira, temos dois pontos a observar sobre um
possível modelo e suas variações. Primeiro a presença da letra exerce um suporte firme para
as relações de semelhança com o modelo: mantendo uma referência constante ao original ou
modelo, o texto permite pequenos deslocamentos tanto rítmicos quanto melódicos
(elaborações ou ornamentações), sem que estes sejam percebidos como desvios. De certa
forma o esquema rítmico da letra se configura como um esqueleto de um modelo provável da
canção em foco.
Em segundo lugar percebemos que no nosso caso a relação modelo/variação se dá no
sentido de deslocamentos temporais, e não por alteração de valores, como são os exemplos
citados por Arom. Ou, colocando de outra forma, o modelo não seria uma simplificação
temporal dos agrupamentos, mas um rearranjo dos ataques.
33
Quando comparamos o objeto de estudo de Arom com o nosso verificamos que nas
manifestações centro-africanas, vai-se das variações ao modelo no sentido da simplificação de
valores da figuração rítmica. Dessa forma um fragmento rítmico como:
Exemplo musical 6 – Uma variação.
Teve seu modelo detectado como:
Exemplo musical 7 – Um modelo.
No caso da divisão na canção brasileira, a modelização trabalha no sentido do
deslocamento ou da quantização da variação, operando uma adequação da prosódia e, na
maioria das vezes, pequenos ajustes rítmicos no sentido de uma frase mais regular. Como
exemplo poderíamos tomar o verso inicial da canção “Ai, Ioiô”. Ele pode ser articulado pelo
intérprete desta forma (é um exemplo real como veremos na análise das versões desta
canção):
Exemplo musical 8 – Uma interpretação real.
Entretanto o ouvinte não percebe, numa escuta superficial, a presença de qualquer
irregularidade prosódica porque o intérprete habilmente refaz a acentuação natural da melodia
– aqui o salto intervalar e o maior duração ajudam a intensificar a segunda sílaba de “Ioiô”.
O modelo neste caso seria representado desta forma:
34
Exemplo musical 9 – Uma simplificação.
Ou seja, com o acento tônico coincidindo com o tempo forte do compasso.
Embora a reflexão sobre modelo e improvisação aqui apresentada encontre paralelos
bastante óbvios com a nossa música popular, a opção nesta dissertação foi de buscar um
elemento de comparação, um “modelo” para análise das gravações, dentro da própria prática
da música popular, tentando estabelecer uma forma mais simples da canção a partir de suas
versões mais antigas, isolando elementos comuns entre elas, e na consulta a profissionais
ligados à tradição do samba, sobre o que seria o seu perfil tradicional.
Deslocando um pouco o foco de nossa reflexão, podemos encontrar semelhanças entre
esta forma estratificada que guia nossa escuta na música popular, e o papel exercido pelas
formas clássicas (o rondó, a sonata, a fuga, etc) na fruição do ouvinte de música erudita. Estas
formas, enquanto estrutura e organização, também trabalham para o músico ou ouvinte
treinado, como um roteiro para a percepção da obra. No momento em que é reconhecida como
sendo estruturada num daqueles padrões recorrentes, o tipo ideal passa a organizar a
expectativa do ouvinte. Nos pontos onde a obra se apresenta de forma irregular ou inesperada
em relação aos procedimentos idealizados, desperta-se no ouvinte uma fruição mais atenta, e a
necessidade de uma resposta estética efetiva. A quebra de expectativa exigirá uma reavaliação
do que foi escutado, e uma nova expectativa surgirá na espera de um retorno ao padrão
(Meyer, 1956).
Nesta obra, Emotion and meaning in music, Leonard Meyer faz uma reflexão
detalhada sobre a construção de significados no discurso musical através de um jogo contínuo
35
entre expectativas e a confirmação ou não destas. O ponto central de sua argumentação é que
a emoção ou o afeto é despertado quando, em uma situação musical, uma expectativa é
temporariamente inibida ou permanentemente bloqueada. Neste caso tanto o estímulo que
desperta tal expectativa como a sua resolução são elementos musicais. É a música, ela mesma,
que ativa as tendências, de algum modo as inibe, e vem a fornecer soluções significativas e
relevantes. O autor observa que tais relações de antecedência e conseqüência não são de
forma nenhuma inatas: são culturalmente construídas, de forma que um ouvinte já traz
crenças pré-definidas na força afetiva da música para o ato de fruição.
É importante notar que as “emoções e afetos despertados” não se traduzem por alegria,
tristeza, melancolia, etc, mas são partes de um processo dinâmico e inconsciente que capta a
atenção do ouvinte, conduzindo-o à avaliação estética da obra.
Culturalmente um estímulo musical, observa Meyer, carrega em si uma série de
desdobramentos possíveis, sendo alguns mais prováveis que outros: a dominante que aponta
para a tônica, mas que eventualmente tem uma cadência deceptiva; um salto melódico amplo
que aponta para a continuação em outra direção, etc. Portanto o conseqüente de alguma forma
está implícito na tendência estabelecida no estímulo inicial. Tais tendências são expectativas.
De maneira similar as grandes obras da música popular, aquelas que se sedimentaram
dentro do repertório, estabelecem no ouvinte expectativas que serão ou não confirmadas por
uma nova leitura proposta àquela canção. E é jogando com as expectativas do público que o
intérprete popular criará sua interpretação pessoal para uma canção – um novo ponto de
referência, um novo “original” – que poderá inclusive se tornar um novo clássico.
36
CAPÍTULO 2 - TEXTO E PERFORMANCE NA MÚSICA POPULAR
A musicologia surge no século XIX como disciplina orientada para o estudo da música
a partir do texto escrito, voltando-se para o acervo de uma tradição que por esta época já
acumulava séculos de história. O objeto principal desta disciplina era então os manuscritos e
as anotações dos grandes compositores, e a relação destes documentos com as várias edições
que neles tiveram origem.
Dentro da perspectiva de uma nova tendência na musicologia, o estudo da
performance tem deslocado o foco da partitura para o entendimento da música como
performance
23
, na busca do entendimento de como as diretrizes estabelecidas em um
documento (uma partitura) se materializaram num corpo sonoro (uma gravação) sob a ação de
um artesão (o intérprete). Embora se aponte para estudos isolados anteriores, é nas décadas
finais do século XX que a pesquisa empírica das performances começa a encontrar seu espaço
dentro da musicologia. Tal abordagem se tornou possível principalmente a partir do aumento
da capacidade de processamento e do barateamento dos computadores pessoais, ao mesmo
tempo em que a redução de custos do compact disc (CD), tanto do ponto de vista industrial
como de direitos autorais para o acervo das primeiras décadas do século XX, contribuiu com
uma pletora de relançamentos em formato digital de gravações antigas, disponíveis somente
até então padrões 78 rpm, fitas cassete e LP.
Dentro do acervo de gravações do repertório clássico-romântico, o crescimento do
estudo da performance como área de pesquisa tem focado sobre diferentes tradições de
interpretação, sobre a natureza destas interpretações e sua relação com a análise musical,
23
Existe um debate entre os estudiosos de música em relação ao termo performance, mas aqui o utilizamos no
sentido de interpretação, apresentação ou execução musical, gravada ou não.
37
colocando em evidência um legado imenso de gravações históricas e buscando o que este
legado pode nos informar sobre mudanças de estilo na abordagem de um mesmo material.
Cook (2003) observa esta mudança de paradigma na musicologia: a abordagem da
partitura como um roteiro ao invés de como um texto definitivo, procurando relações
horizontais entre várias realizações de uma mesma obra, ao invés de procurar no passado por
origens improváveis daquele texto. A busca maior aqui é pelo entendimento de uma
performance em relação à outra, ao invés dela em relação à partitura. O autor vai concluir que
“uma dada performance (...) vai construir seu significado a partir da relação entre esta e todo
um horizonte de expectativas estabelecido por outras performances” (p. 206). O ouvinte de
música clássica ao ouvir então uma nova versão da Quinta Sinfonia de Beethoven, construirá
sua avaliação a partir da expectativa criada por todo um conjunto de experiências auditivas
acumuladas em escutas anteriores daquela sinfonia. As nuances interpretativas se somam
dentro do acervo estético-histórico do ouvinte, e se estabelecem como elemento de
comparação para esta nova abordagem, sem perder de vista a possibilidade da comparação de
cada uma destas realizações com sua forma perenizada na partitura.
Em se tratando da música popular, dada a fragilidade do roteiro escrito, todo o
horizonte de expectativas se cria a partir somente do histórico auditivo-cultural do músico e
do ouvinte, isto tanto em relação à regravação de um clássico, quanto em relação a uma
canção inédita.
A musicologia tem se dedicado ao estudo da performance com o objetivo de
documentar o que ali se revela , além do proposto na partitura, na possibilidade de transformar
esta performance num objeto concreto de estudo, com a mesma tangibilidade que estava
anteriormente associada a partituras, manuscritos e rascunhos. As gravações, desnecessário
dizer, constituem um depósito de evidências enorme, um acervo que acumulou um repertório
38
imenso nesses mais de cem anos de som gravado, e para todos os efeitos representam os
dados sobre os quais esta musicologia da performance se debruça.
2.1 – Original e Originais
Na música erudita podemos comparar duas realizações de um quarteto de Beethoven e
verificar como cada “executante” realizou o “conjunto de instruções” estabelecidas pelo
compositor, podendo haver pequenas diferenças em termos da edição utilizada para cada uma
das execuções. Mas em geral, dada uma mesma edição como ponto de partida, as diferenças
apontadas serão em termos de agógica, da sonoridade específica de cada grupo (instrumentos
diferentes, sutilezas em termos de realização de articulações, etc) e dos planos sonoros
constituídos pela dinâmica interna de um grupo (uma viola, por exemplo, pode ganhar mais
relevo numa performance, trazendo para o primeiro plano uma linha melódica não aparente
em outra realização). Além, é claro, de elementos que surgem da interrelação dinâmica entre
os músicos, mantendo-se o corpo central de eventos determinados pela partitura.
Na música popular temos uma deficiência em termos de referência documental na
medida em que não existe o registro escrito de uma canção: a partitura – o “texto” – não
existe a priori ou não responde inteiramente por aquela performance, a canção se substancia
somente enquanto performance ao vivo ou gravada. A disponibilidade de material impresso é
ínfima e incipiente em termos de sua capacidade de recriar a obra, ao contrário do ambiente
“erudito” em que as performances têm como referência um documento comum, um “texto” já
estabelecido e consagrado pela tradição (é claro que nos referimos aqui ao material da
tradição clássica e romântica).
Dessa forma, na música popular, os registros sonoros são a própria obra constituída.
Cada registro representa ao mesmo tempo uma performance e um original para referências
39
posteriores, uma nova leitura desta obra baseada nesta performance irá se constituir numa
referência original/performance, e assim sucessivamente. Enquanto uma edição impressa de
um quarteto de Beethoven será material de referência para o estudo de cada uma das
performances da obra, na música popular cada um dos registros, de cada uma das canções, irá
constituir material de referência único. Mesmo a comparação entre as gravações de uma
mesma obra (digamos, “Carinhoso”) deve ser feita levando-se em conta que o que mantém o
parentesco entre elas são alguns elementos do primeiro plano da canção: a letra, a linha
melódica (esta podendo sofrer adaptações) e a harmonia (o terreno mais elástico em termos de
manipulação, principalmente a partir do advento da Bossa Nova). Elementos importantes
variam de maneira às vezes contundente de um registro para outro: o timbre, a agógica e a
articulação da voz principal (voz masculina / feminina, solista instrumental dos mais
variados), o acompanhamento (orquestras dos mais variados tamanhos, grupos “regionais”,
grupos de samba, etc), o andamento; etc.
Em seu trabalho sobre os primórdios do arranjo na música popular brasileira,
Aragão (2001) argumenta que enquanto na música clássica a visualização de uma “instância
de representação do original” é imediata, tal não acontece na música popular. “O que poderia
definí-la? Uma partitura? A primeira gravação de uma obra? A versão apresentada em uma
primeira execução?” reflete o autor, para depois concluir que o original em música popular é
um conceito “virtual”, que só materializa através de um arranjo, necessário à consumação de
uma gravação ou de uma apresentação da obra. O arranjador parte nos casos mais simples,
continua o autor, de uma melodia. Aragão reconhece que pelo menos em termos de músicas
ligadas à indústria do disco a melodia faz parte do original “virtual”, passando a refletir em
seguida sobre que outros elementos poderiam ser apontados como parte deste original: uma
harmonização, uma levada, etc.
40
Concordamos com o autor na existência do “original virtual” em música popular, mas
gostaríamos de levar a questão um pouco além: que melodia é essa que servirá de substrato ao
trabalho do arranjador? Dependendo de onde tal melodia foi captada (do compositor, de uma
roda, de uma gravação anterior) seu perfil rítmico-melódico terá nuances diferenciadas, e que
resultará numa nova construção a partir da leitura do intérprete a quem o arranjo se destina, e
a partir deste ponto uma nova referência, uma nova escuta, e portanto um novo histórico para
aquela canção.
Há um jogo intenso de forças na fixação de uma obra popular, assim como em
qualquer circunstância em que o homem trabalha em equipe. Imaginando uma sessão de
gravação – por exemplo nos primórdios da Casa Edison – o músico popular irá construir sua
performance através do equilíbrio entre elementos próprios daquela realização – a obra e o
estilo em questão, as condições técnicas, o processo de gravação, o grupo de músicos com
quem interage – e elementos externos, de sua própria história: a sua bagagem cultural, sua
intimidade com o gênero, e também sua facilidade para se adequar a uma situação artificial de
performance própria dos estúdios de gravação. Em épocas posteriores teremos ainda, nas
gravações ao vivo, a interação direta do artista com o público como elemento determinante.
Fica o registro sonoro, mas poucos documentos sobrevivem, ainda mais que uma
parcela significativa dos músicos populares trabalha “de ouvido”... Eventualmente consegue-
se localizar algum registro remanescente de determinada gravação. São, em geral, partituras
soltas com indicações da melodia e da harmonia, que adicionam pouca informação à própria
escuta.
Portanto, para a análise deste material é necessário primeiro re-construir estas
partituras, transcrever estas gravações, não com o intuito de estabelecer condições de recriá-
las, mas com a intenção de uma transcrição descritiva, com o objetivo de termos um material
de referência que registre de forma analisável a performance em questão, pelo menos no que
41
diz respeito ao elemento em foco - no nosso caso o desdobramento rítmico do canto. Isto
exige um trabalho intenso de escuta e análise, sendo muito comum a necessidade de intuir
algum elemento: são pequenos fragmentos de frases, são acordes difíceis de identificar devido
à formação de uma massa sonora bastante complexa nos canais de áudio, que não podemos
concluir com certeza do que se trata e, para que a representação não fique incompleta,
fazemos uma estimativa do que “poderia ser”.
2.2 - Por uma genealogia da canção popular
A música erudita sofre a ação de processos editoriais lentos mas contínuos na medida
em que novas evidências históricas apareçam - manuscritos descobertos, cartas inéditas do
autor, etc – jogando nova luz sobre um elemento ou outro da obra. O mesmo se dá com a
canção popular mas por ação de seu uso sistemático dentro da tradição. É evidente que este é
o caso somente daquelas com força suficiente para se incorporar ao repertório consagrado da
MPB, passando a circular em rodas, serestas, saraus, botequins e outras formas de reunião
próprias do gênero. Ao cair no gosto do público a canção passa a sofrer pequenos ajustes,
tendendo na maioria das vezes para a simplificação de seu contorno melódico ou de sua
projeção rítmica.
Com a canção popular flutuando entre a sua forma estática – a gravação – e sua forma
dinâmica – a sua inserção na tradição – podemos observar duas formas de evolução, uma
mudança contínua, gradual, ou uma mudança pontual. No caso da mudança contínua temos
uma obra que ao cair nas rodas de samba e choro
24
, estará se moldando sob um jogo de forças
intenso entre o solista – este tendendo para uma reformulação mais contundente do contorno
24
O exemplo aqui espelha minha experiência, podendo aplicar-se a qualquer outro gênero popular em se
tratando da ação da tradição.
42
melódico – e o coro – este tendendo para a simplificação. Elementos de uma ou outra
abordagem podem incorporar-se lentamente ao perfil melódico daquela canção. O caso
pontual acontece – por vezes com uma elaboração bastante profunda – quando o artista
retorna a um original já há tempos diluído na tradição com a determinação firme de recriar a
obra. Este é um momento delicado na história daquela canção: a nova versão apresentada
pode se estabelecer, dado o desconhecimento do público de uma tradição anterior, como o
ponto de partida de uma nova linha de evolução, completamente descolada da tradição que
conduziu a canção até aquele momento. Não estamos fazendo apologia ao continuísmo,
afirmando que só o que vem da tradição tem valor. Os choques estéticos são parte vital no
lento processo de transformação da música popular. Só argumentamos que o respeito e o
cuidado deveriam nortear tais práticas - mas não é o que se vê ...
Devemos, portanto, refletir sobre a genealogia das performances em música popular,
para verificar se é possível apontar as mudanças históricas por que passou.
O paradigma atual desta nova musicologia de base experimental aponta para
avaliações sincrônicas entre performances, estudando o processo de construção de
significados em cada uma delas (Cook, 2003). No caso da música popular, na falta de um
registro definitivo, a transformação da obra chega por vezes a ser bastante profunda: antes de
ser uma restrição, está é a própria razão de ser do popular. É a melodia que se transforma e
continua a mesma, que está sempre interagindo com os atores daquela tradição. No entanto,
apesar desta possível “disparidade” entre versões, sentimos a necessidade de um estudo mais
diacrônico, tentando estabelecer a ação da tradição sobre seus vários elementos. A idéia seria
estabelecermos um tipo de edição aberta
25
de uma determinada canção, não para engessarmos
a sua evolução, mas para entendermos a ação do meio e do tempo sobre ela.
25
Uma edição aberta incluiria, sob o ponto de vista estritamente musicológico, tanto as versões editadas como
aquelas que sofreram a ação da tradição sobre a obra (anotações de ensaio por exemplo). A tipologia das edições
musicológicas está descrita em Figueiredo (2004).
43
Aqui é interessante, dentro da musicologia tradicional, um paralelo com a onda de
edições práticas que dominou o mercado editorial no final do século XIX. Eram as chamadas
“edições comentadas” – e por vezes extremamente manipuladas – pelos grandes intérpretes
de então. Cada grande pianista ou regente daquela época se propunha a criar a sua edição da
obra dos grandes mestres, refazendo articulações, indicações de pedal, inclusive chegando ao
limite de alterar notas e até mesmo seções inteiras das obras em questão. Dadelsen (1991)
comenta a encruzilhada a que se chegou neste instante: “do momento em que o material é
flexível e sujeito às deformações, quase não se colocavam limites às interpretações e as
variações subjetivas; a imagem originária, sob tais re-elaborações, ameaçava cada vez mais
desaparecer” (p. 5).
A musicologia tradicional em grande parte orienta-se, na pesquisa de determinada
obra, na constituição do seu “stemma”, um termo tomado da filologia, significando a
genealogia de suas edições. O objetivo é estabelecer as origens do material editorial de
determinada obra, a partir de manuscritos, rascunhos e anotações do compositor.
Vamos comparar os caminhos da obra popular e clássica desde a sua concepção até o
seu registro sonoro, e avaliar a busca da musicologia em cada caso.
Como ponto de partida podemos imaginar o procedimento mais comum para um
compositor entre os períodos clássico e romântico. Terminada a obra (1º original) o
compositor enviava seu manuscrito para um copista “passar a limpo” o material original, o
que gerava uma nova partitura apelidada “bela cópia”, onde o compositor fazia uma primeira
revisão, eventualmente fazendo alguma alteração (2º original). Este material era enviado ao
editor que enviava de volta ao compositor uma primeira prova para avaliação, resultando em
nova revisão e possíveis alterações (3º original). Ao final deste processo tínhamos a edição 1.
Mais tarde o compositor decidia modificar mais alguma coisa, e a editora produzia a edição 2.
Tempos depois, em outro país, outra editora decide fazer sua edição, no entanto usa para isso
44
o material do segundo original (a bela cópia), sem as revisões subseqüentes, gerando a
edição 3. A figura abaixo resumiria estes caminhos
26
:
Figura 1 – Os vários caminhos editoriais de uma obra.
O que a musicologia histórica busca nesta genealogia é chegar a uma edição que reflita
as intenções do compositor, ou então, reunindo as versões mais confiáveis, deixar a cargo do
intérprete a decisão de que material utilizar.
Por outro lado a musicologia experimental vai tentar estabelecer relações entre várias
performances de uma mesma obra, cada uma delas baseada numa mesma edição, ou
eventualmente em mais de uma delas.
Por exemplo: uma orquestra grava uma obra usando a edição 1, mas também utiliza
alguns elementos da edição 2. Algum tempo depois outra orquestra grava baseando-se
somente na edição 2, e outra orquestra ainda monta a obra a partir da edição 3, menos
confiável, mas também recolhe informações da edição 1. Resumindo:
26
Esta reflexão sobre processos editoriais de uma obra musical foi construída a partir de anotações de aula na
classe de Musicologia do Profº Carlos Alberto Figueiredo, como parte do currículo regular do curso de mestrado
na UNIRIO, durante o primeiro semestre de 2005.
45
Figura 2 – As várias edições e as performances possíveis.
Caberá então à musicologia experimental avaliar cada uma destas performances em
relação ao seu original, e mais importante, compará-las para detectar como cada uma delas
criou uma identidade própria, pondo em relevo sonoridades diferenciadas e particularizando a
abordagem.
Aragão (2001) ao descrever o processo de produção da obra clássica, apresenta uma
simplificação deste nosso diagrama, apresentando uma conexão direta entre compositor, obra
original e obra gravada, agrupando as várias fases do original e suas edições sob a
denominação “obra original”. Não deixa de ter razão na medida em que cada uma delas é uma
partitura autônoma – capaz de representar a obra como tal – e todas guardam entre elas uma
afinidade total. Nossa representação teve como objetivo chamar a atenção ao fato de que
nuances interpretativas diferentes poderão ter origem em edições diferentes.
Voltando às nossas reflexões dentro de uma musicologia “popular”, verificamos que
na falta um documento de referência que dê suporte à prática, as performances terão uma
46
tendência a serem relacionadas umas às outras, existindo mesmo uma relação de paternidade
ou parentesco entre elas.
Uma exemplo: tendo Pixinguinha gravado sua valsa “Rosa”, teremos uma primeira
performance. Tempos depois Altamiro Carrilho baseia-se na versão de Pixinguinha e grava
sua versão (performance 2), o mesmo fazendo Jacob do Bandolim tempos depois
(performance 3). Passado algum tempo o Mauro Senise decide homenagear o Altamiro e faz
uma recriação de sua versão (performance 4). Por outro lado, o Hermeto Pascoal decide dar
sua versão, mas para isso baseia-se em sua experiência pessoal, sua vivência dentro da música
instrumental, sem se incomodar em referenciar quaisquer fontes anteriores. Não se argumenta
que nenhuma partitura faria parte destes projetos, mas quaisquer que fossem não seriam
significativas para nenhuma das performances resultantes. Resumindo:
Figura 3 – Uma genealogia possível para a gravação de uma canção de Pixinguinha.
47
Muitas vezes esta possível genealogia entre performances é facilmente detectada.
Como exemplo podemos citar as gravações de Jacob do Bandolim para “Ingênuo” e
“Lamentos” (ambas de Pixinguinha), que se tornaram referências nas rodas de choro, e
modelo para gravações posteriores apesar dos registros do próprio autor. Algumas vezes é
possível mesmo detectar se determinado músico (por exemplo um clarinetista) estudou
determinada obra (por exemplo “Serenata no Joá” de Radamés Gnattali) a partir de uma fonte
(Luís Americano) ou outra (Jacob do Bandolim). Jacob foi bastante representativo neste
aspecto: por conta da força expressiva de suas interpretações (e de uma rigidez férrea no
controle de seu regional), suas gravações passaram a representar modelos dentro do universo
do choro. Mas na maior parte das vezes tal familiaridade entre versões diferentes de uma
mesma canção não é tão evidente.
Dentro da mesma linha de pensamento citada anteriormente, Aragão (2001) apresenta
também uma conexão direta entre o compositor e a obra gravada no campo de produção
popular:
Quadro 2 – Gráfico de Aragão (2001) sobre a produção da obra popular.
1ª etapa:
composição
2ª etapa:
arranjo
3ª etapa:
execução
UNIVERSO
SONORO
DISPONÍVEL
agente:
compositor
OBRA
ORIGINAL
(original
VIRTUAL)
agente:
arranjador
OBRA
ARRANJADA
agente:
intérprete
OBRA
EXECUTADA
(gravada)
Faríamos apenas a ressalva de que dentro deste campo de produção há uma
realimentação no processo, na medida em que a obra executada (gravada) passa a ser um novo
elemento na composição do original virtual, os elementos musicais definidos nesta realização
passam a figurar dentro da “instância de representação do original” daquela obra.
48
Quadro 3 – Gráfico de Aragão (2001) sobre a produção da obra popular modificado.
A obra gravada reconfigura o conceito de original virtual.
1ª etapa:
composição
2ª etapa:
arranjo
3ª etapa:
execução
UNIVERSO
SONORO
DISPONÍVEL
agente:
compositor
OBRA
ORIGINAL
(original
VIRTUAL)
agente:
arranjador
OBRA
ARRANJADA
agente:
intérprete
OBRA
EXECUTADA
(gravada)
Voltamos a Cook (2003) quando observa que, apesar do trabalho editorial contínuo
ainda existente sobre as sinfonias de Beethoven, a identidade de uma obra como por exemplo
a 9ª Sinfonia é construída não só pela referência à partitura, mas também com relação a todo o
campo de suas performances (p. 207).
Por este caminho chegamos no popular a uma conclusão quase óbvia. Dada a falta do
texto de referência, uma canção como “Aquarela do Brasil” tem sua identidade formada
somente pelo campo de suas realizações. Toda a nossa expectativa em relação a recriações
futuras se fundamenta em nossa experiência com versões anteriores.
2.3 – A transcrição do popular
“Nada melhor que o disco para demonstrar o que é o timbre, a entoação, o caráter
vocal de nosso povo”. Mário de Andrade (1975, p. 127) já apontava para as possibilidades
advindas da análise da perfomance a partir de gravações. O autor fez uso intensivo delas para
análise de questões fonéticas no canto popular, inclusive transcrevendo algumas, apontando a
forte característica nasal dos intérpretes. Fez uma descrição sucinta de problemas de dicção e
prosódia em gravações de Sílvio Caldas e Carmem Miranda, para citar alguns. Neste texto o
49
autor somente aponta a versatilidade rítmica do intérprete popular, sem no entanto fazer uma
análise mais detalhada dos seus procedimentos. Em outra obra o autor concluirá que o
brasileiro “Fez do ritmo uma coisa mais variada, mais livre e sobretudo um elemento de
expressão racial” (Andrade, 1972, p. 32).
Apesar da orientação do mestre fica sempre um temor quando se cogita trabalhar com
transcrições da performance popular: todos respeitam o acervo, admiram as interpretações,
mas tornam-se receosos quanto aos riscos em grafá-lo. É sempre um dilema: até onde
devemos nos aprofundar na representação? Qual será o menor valor rítmico a ser
representado? A grafia resultante pode apresentar uma simplificação que não retrate com um
mínimo de veracidade o que está se desenrolando.
No caso do jazz a transcrição de solos e improvisos é uma tradição de longa data,
ainda hoje presente em revistas especializadas. O desenvolvimento da memória aural sempre
foi a forma principal de aprendizado dos músicos desta tradição: aprender algo em um
contexto – um acorde, uma escala, uma frase – para depois lançar mão deste material em uma
outra situação (uma prática bastante semelhante à dos nossos músicos “de ouvido”). Alguns
músicos encontraram na transcrição uma ponte entre a escuta e a performance: transcrevendo
o improviso, o músico podia entender o princípio da improvisação e a partir daí gerar
elementos originais. A transcrição figura nesta prática como ferramenta de análise e criação.
Este procedimento depois encontra eco no meio acadêmico, e a partir daí as transcrições
tornam-se mais elaboradas, pois enquanto o músico tende para uma transcrição mais orientada
para a performance, o acadêmico procura um nível de rigor e detalhes mais orientado para a
análise. Estas duas abordagens nos remetem às categorias propostas por Seeger (1958)
mencionadas anteriormente.
No nosso caso a transcrição tem como objetivo colher elementos que expliquem, ou
tentem explicar, os processos de elaboração rítmica que se desenvolvem no canto popular, em
50
especial no samba-canção. O objetivo então é colocar o foco num elemento principal – a
rítmica do canto, portanto um elemento em primeiro plano – e incluir outros (harmonia,
contracantos, etc) na medida em que sejam elementos característicos de determinada
gravação, ou que tenham importância direta no comportamento do canto.
Estaremos transcrevendo a partir de arquivos de áudio digital gerados a partir dos
velhos discos de 78 rpm. Em sendo assim é preciso observar que esta é uma operação que
demanda uma série de cuidados. Ao fazer uma breve descrição dos avanços recentes na
pesquisa de sons gravados, Leech-Wilkinson (2001) chama a atenção para os efeitos
colaterais que os processos de conversão dos antigos formatos para o digital pode gerar:
alterações de velocidade e altura, equalização final dependendo do gosto de quem os processa,
etc. Aponta que uma condição ideal seriam laboratórios em que estivessem disponíveis tanto a
versão digital como a versão original. Além destes problemas, Clarke (2004) chama a atenção
para uma certa artificialidade resultante dos processos de gravação (mais reduzida em
gravações ao vivo). Por exemplo, nos primórdios das gravações os músicos deveriam se
apertar na frente de um cone (na gravação mecânica) e depois na frente de um único
microfone (a partir da gravação elétrica) para registrar as canções. Tais procedimentos
estavam bem distantes da forma social de realização daquela música. Outra questão levantada
pelo autor é a manipulação intensa que começa a existir a partir das gravações em fita do
início da década de 1950. Relata que no tempo dos antigos discos de vinil (LP), a fita master
de um projeto de 50 minutos poderia ser o resultado da colagem de até 150 pedaços (o
chamado processo de corte e edição).
Os procedimentos hoje em dia são ainda mais invasivos. Com os novos recursos
digitais, um engenheiro de gravação pode corrigir ataques e afinação, de forma que o mais
desastrado dos cantores soe pelo menos minimamente “correto”. De qualquer maneira,
embora as gravações não sejam resultado de performances reais, elas representam uma das
51
formas mais importantes na qual a música foi consumida em todo o século XX, e por um
público sempre crescente.
Vivemos uma carência muito grande de material impresso, mesmo em termos simples
de melodia e cifra, que dê conta pelo menos de uma primeira noção da obra, assombrados
entre edições práticas facilitadas (como as de Mário Mascarenhas) e edições como os
“84 chorinhos famosos” (Irmãos Vitale), conhecida no meio chorão como “84 chorinhos
errados” (sem perdermos de vista que, em se tratando de música popular, o documento de
referência de uma obra é sempre sua versão gravada). Soma-se a isto o fato de o músico
popular ser reconhecidamente deficiente no que diz respeito à leitura de partituras (mas isto
está mudando...).
Vivemos então numa “sinuca de bico”: não existe material confiável, ao mesmo tempo
não podemos aprofundar e detalhar a representação, sob pena de tornar o material ininteligível
para o músico médio ... Mas precisamos dar um passo adiante. Só nos aproximaremos do
“suingue” – esta entidade quase sobrenatural da música popular – se tentarmos detalhar cada
uma das forças envolvidas no processo. Se nos debruçarmos sobre a obra, por exemplo, de um
Cyro Monteiro, decifrando e registrando todas as suas nuances interpretativas, estaremos nos
aproximando de uma compreensão mais profunda da música popular.
Estamos cientes que ao estudar as gravações, estaremos nos defrontando com imagens
estáticas de uma prática que desde então já se transformou, pois na dinâmica da música
popular é na performance que se agregam seus elementos mais significativos, é no exato
momento da realização que se cria o sentido e o valor da obra. Jacob do Bandolim escreve na
contracapa de seu LP “Primas e Bordões” (RCA Victor, 1962) sobre as pequenas incorreções
que ocorrem na prática do choro:
Ou alguém já viu, numa roda de choro, qualquer interrupção para acertar um
detalhe de uma música executada? É raro, pois gostoso mesmo é o improviso e
o imprevisto durante o pretenso “ensaio”. E com espantosa facilidade, criam,
52
naquele instante, verdadeiras obras de arte popular sem que, por vezes, lhe dêm
o devido valor. Movidos por estranhos impulsos, em frases melódicas,
autênticas filigranas, exteriorizam sentimentos diversos que vão da brejeirice
de um chorinho dançante à dolência de uma saudosa valsa.
2.4 – As várias faces de uma mesma canção
Ao cantarmos despreocupadamente uma das canções mais tradicionais do repertório
de música popular no Brasil, “Carinhoso” (Pixinguinha / João de Barro), é provável que o
façamos muito próximo ao que está escrito abaixo:
Exemplo musical 10 – A primeira parte de “Carinhoso”.
27
(ver faixa 14 do CD em anexo)
Poderíamos até argumentar pela flexibilização de algumas das síncopes, transformá-
las em quiálteras, mas verificamos que esta grafia representa com bastante verossimilhança o
contorno da melodia consagrada. Apresenta perfil melódico bastante regular com construções
27
Fonte: O Melhor de Pixinguinha. São Paulo: Irmãos Vitale, 1997, p. 28.
53
paralelas dos seus incisos e a prosódia corretamente colocada em relação à métrica
tradicional.
Grafamos agora uma performance da Elizeth Cardoso:
Exemplo musical 11 – A versão de Elizeth Cardoso para a primeira parte do “Carinhoso”.
28
(ver faixa 15 do CD em anexo)
Se analisarmos somente do ponto de vista da estrutura métrica detectamos logo de
início um possível erro de prosódia na acentuação de “coração” (a sílaba átona da palavra
oxítona sendo executada no primeiro tempo do compasso), o que provavelmente nos teria
dificultado a compreensão do texto. O mesmo acontece com praticamente todos os incisos
subseqüentes. A interpretação poderia nos soar desconfortável, com a mensagem perturbada
por uma prosódia deficiente, mas não é o que acontece, pois reconhecemos de imediato a
canção, sem necessariamente apontar nada de anormal nem com o texto nem com o perfil
melódico, no máximo reconhecendo certa “liberdade de interpretação”. Isto acontece por
28
Fonte: LP “A Enluarada Elizeth”. Copacabana CLP 11706/7, 1967.
54
conta, em primeiro lugar, da maestria da intérprete em dizer o texto com sua acentuação
natural deslocada da estrutura métrica do compasso: a performance da Elizeth acentua por
outros meios – no caso pela duração – as sílabas tônicas da canção. Em segundo lugar, por
que os versos e o contorno geral da melodia nos remetem a realizações anteriores desta
canção – quase podemos cantar junto!
Estas observações nos remetem ao conceito de modelo detectado por Arom (2001) em
seus estudos da música centro-africana. Por conta de sua presença marcante na tradição da
música popular, o perfil melódico de uma canção se sedimenta, e passa a servir de modelo
para “variações” subseqüentes, sendo, é claro, que devemos entender variação aqui como as
interpretações posteriores. Do mesmo modo que no caso dos músicos da tradição centro-
africana, aqui podemos também “detectar erros”, o que neste caso seria indicar a “liberdade
de interpretação”; a variação também permanece no âmbito do reconhecimento da peça;
dentro do ponto de vista da música popular, modelo e variação são culturalmente
equivalentes.
O que a prática nos mostra é que em alguns momentos podemos detectar a existência
de um modelo que se consolida na forma de um contorno ritmo-melódico para uma dada
canção. É provável que este contorno tenha nuances pouco diferentes para cada um de nós,
dependendo da intimidade com o repertório, com as práticas musicais onde ele surge e com o
acervo gravado daquela peça em particular. Não tem forma definitiva, pois pode sofrer a
incorporação de elementos não “originais” enquanto sobrevive dentro do repertório popular,
mas podemos detectar alguns elementos que permanecem entre uma performance e outra, e
outros, que variando de uma versão para outra, serão objeto de “ajuste” na tradição.
Este contorno é o que fica na memória, por exemplo, depois de ouvirmos uma melodia
popular que nos cativa, e que de alguma forma nos encontramos cantarolando mais tarde.
Também é articulado quando nas rodas de samba todos cantamos em coro:
55
“Se um dia... meu coração for consultado...” (Foi um rio que passou em minha vida de
Paulinho da Viola). O coro, dentro da tradição do samba, sempre direciona a melodia para um
perfil mais regular.
Este contorno pode ser identificado também quando a melodia é apresentada naquelas
interferências instrumentais da melodia depois do solista (nas cordas, nos metais, etc). É
também como normalmente encontramos as melodias em álbuns e songbooks.
Nos álbuns de carnaval antigos, os sambas e marchas vinham registrados em sua
forma mais simples: o exemplo a seguir foi editado no álbum do carnaval de 1986. O samba
“Emília” (Wilson Baptista / Haroldo Lobo) teve sua primeira gravação em 1941, tornando-se
o sucesso do carnaval daquele ano, e permanecendo dentro do repertório popular até hoje em
bandas de carnaval. A grafia pode ser entendida como um contorno padrão para este samba,
sendo bem representativa “de como se canta” nas rodas.
56
Exemplo musical 12 – Um sucesso de carnaval.
29
Os sambas gravados nas décadas de 1920 e 1930 também podem ser considerados
padrão na forma em que foram registrados, uma vez que por aqueles tempos de consolidação
do gênero, os cantores não arriscavam tanto em suas interpretações.
29
Fonte: “55 anos de sucessos do carnaval brasileiro: sambas e marchas de 1930 a 1986” – Mangione &
Filhos, 1986. Esta é uma partitura típica para bailes de carnaval. As claves e armaduras duplas se explicam: dois
instrumentos podem utilizá-la: o trombone lê na clave de fá, com a armadura de Lá bemol maior, e o sax alto lê
na clave de sol com armadura de Fá maior. As alterações são ajustadas individualmente. Por exemplo no 5º
sistema, 2º compasso, o que está indicado bequadro para o trombone deverá ser lido sustenido pelo sax alto.
57
No caso da canção foco de nossa investigação, na busca por um perfil que pudesse ser
utilizado como elemento de comparação, solicitamos a três grandes arranjadores – Cristovão
Bastos, Leonardo Bruno e Rildo Hora
30
– que anotassem a linha melódica do “Ai, Ioiô” da
forma como se lembravam, sem referência ou consulta a gravações e partituras quaisquer que
fossem, simplesmente puxando por suas memórias. O resultado está nos anexos 1, 2 e 3. No
anexo 4 as três versões estão agrupadas, reduzidas a uma mesma tonalidade para fins de
comparação.
Alguns fatos podemos observar:
• Por toda a melodia sobressai a diferença de escrita entre quiáltera e síncope. Bastos
optou por uma escrita toda em síncopes, enquanto entre Bruno e Hora a escrita
alterna-se entre uma e outra representação. Os arranjadores são conscientes de que o
músico provavelmente executará algo entre estas duas fórmulas rítmicas, e dessa
forma dentro do ponto de vista da prática popular as duas grafias praticamente se
equivalem.
30
Cristovão da Silva Bastos Filho. Tecladista, arranjador e compositor. Assinou arranjos para shows e discos de
seus parceiros Chico Buarque, Paulo César Pinheiro, Paulinho da Viola, Élton Medeiros, Aldir Blanc e Abel
Silva, além de Nana Caymmi, Edu Lobo e Gal Costa. Foi contemplado, como arranjador, com o Prêmio Sharp
pelos discos "Paulinho da Viola" e "Parceria", de João Nogueira e Paulo César Pinheiro, na categoria Melhor
Arranjo de Samba; "Disfarça e chora", de Zé Nogueira, na categoria Melhor Arranjo Instrumental; "Tantos
caminhos", de Carmen Costa, e "Resposta ao tempo", de Nana Caymmi, na categoria Melhor Arranjo de MPB; e
"Agnaldo Rayol", na categoria Melhor Arranjo de Canção Popular". Constam da relação dos intérpretes de suas
canções Paulinho da Viola, Alaíde Costa, Nana Caymmi, Zé Nogueira, João Nogueira, Demônios da Garoa,
Raphael Rabello, Simone, Chico Buarque, Ney Matogrosso e Zezé Gonzaga, entre outros. Leonardo Bruno
Ferreira. Maestro, compositor, arranjador, violonista. Graduado em regência na UFRJ. Filho do clarinetista Abel
Ferreira. Estudou com Iberê Gomes Grosso, José Vieira Brandão, José Siqueira, entre outros. Freqüentou as
aulas de Olivier Messiaen e Roger Boutry no Conservatório de Paris. Na Alemanha recebeu orientação musical
de Cláudio Santoro. Maestro de Beth Carvalho, Alcione, Martinho da Vila, Agostinho dos Santos, Antônio
Carlos e Jocafi, Clara Nunes, Moacir Franco e Maria Creuza, foi detentor de vários prêmios publicitários.
Atividade como regente de grandes orquestras: Orquestra Sinfônica Estadual do Espírito Santo, Orquestra do
Teatro Nacional Cláudio Santoro, Orquestra Sinfônica Jovem de Brasília, Orquestra Sinfônica da Paraíba, entre
outras. Rildo Alexandre Barreto da Hora. Gaitista, violonista, cantor, compositor, arranjador e produtor.
Estudou composição com o maestro Guerra Peixe. Acompanhou as grandes estrelas da MPB até se tornar um
produtor de nomes como João Bosco, Martinho da Vila, Beth Carvalho, Fundo de Quintal, Zeca Pagodinho,
entre outros. Discos em parceria com Romero Lubambo, Sivuca, Maria Teresa Madeira. Ganhou o Grammy-
latino na categoria "Melhor Álbum de Samba" como produtor do disco "Água da minha sede", de Zeca
Pagodinho. Em 2003, entre muitos discos, produziu o CD "Zeca Pagodinho Acústico MTV". (fonte: Dicionário
Cravo Albim da Música Brasileira, disponível em <
www.dicionariompb.com.br> consulta em 18/06/2007).
58
Exemplo musical 13 – Grafias de um mesmo fragmento flutuando entre síncope e quiáltera.
• Os pontos de apoio são sempre os mesmos. Os incisos são ancorados nos mesmos
tempos fortes, de acordo com o que seria esperado para uma prosódia correta. Não é
só a melodia que se articula de memória, a letra também conduz de alguma forma a
escrita. Podemos imaginar que enquanto anotavam a melodia, lembravam da letra e a
cantarolavam.
Exemplo musical 14 – Incisos com prosódia correta.
• Entre os compassos 6 e 7 há uma pequena diferenciação, embora as três versões
continuem com o apoio correto na última sílaba. Bastos talvez tenha separado demais
“o-lhi-nhos” – o arranjador aqui parece ter se despreocupado com a letra. Hora
antecipa a última sílaba.
59
Exemplo musical 15 – Pequenas antecipações diferenciadas
• Os três grafam uma passagem cromática no compasso 14 (“eu não sei porque”), que
não aparece de forma clara senão a partir da 4ª versão, a instrumental da Orquestra
Pan American, como veremos no próximo capítulo.
Exemplo musical 16 – Passagem cromática.
• As versões apresentam, nos parece, uma semelhança muito grande, embora num ou
noutro ponto se encontre pequenas diferenças. Por exemplo Bruno no compasso 29
atrasa um pouco enquanto Bastos adianta um pouco no compasso 30. Quando aqui
falamos em atrasar ou adiantar, estamos nos referindo a uma comparação com os
outros dois:
60
Exemplo musical 17 – Perfil rítmico pouco diferenciado.
• Nos finais das partes parece ter havido certa confusão quanto ao tempo de espera: para
Bastos na primeira e Bruno na segunda houve o encurtamento de um compasso. (ver
anexo 4).
• É curiosa a grafia na anacruse da segunda parte: Bastos seguiu com sua concepção em
quiálteras (devemos observar que a letra não consta da grafia de nenhum deles, foi
colocada posteriormente por mim para referência); Bruno aproximou a anacruse em
direção ao primeiro tempo, acomodando melhor a letra (“toda noite”); Hora optou por
uma grafia em quiálteras, sendo necessário um ligado para acomodar a letra (“pen-se-
ei”):
Exemplo musical 18 – A anacruse da segunda parte.
61
• Na repetição desta parte, enquanto Bastos permanece com a mesma grafia, Bruno e
Hora se permitem alguma variação.
Exemplo musical 19 – A anacruse na repetição.
Em se tratando da mesma canção não seria óbvio esperar tais coincidências? Grafias
com prosódia correta, com perfis de alturas praticamente os mesmos e rítmicas com
diferenciações muito discretas não seria o normal em se tratando de imagens de uma mesma
canção?
Com certeza sim. Enquanto imersos na prática popular estes agentes estão refletindo
uma imagem que se fixou desta canção, e será exatamente esta imagem simplificada que
servirá de referência para nossas reflexões no próximo capítulo. O interessante é que a
qualquer um deles que se perguntasse: - “Quem canta assim?” A resposta seria: - “Ninguém!”
A canção se tornaria muito monótona se cantada estritamente regular como grafada a seguir.
Parece que esta seria uma primeira abordagem a partir da qual se poderia construir
interpretações posteriores. Não é uma grafia definitiva mas será tomada como ponto de
partida para a discussão que se segue.
62
Exemplo musical 20 – Um ponto de partida
63
CAPÍTULO 3 - SOBRE OS PROCEDIMENTOS DE TRANSCRIÇÃO
31
A partir de um interesse relativamente recente pela performance musical gravada, a
musicologia tem avançado no desenvolvimento de ferramentas para a análise de fonogramas,
uma extensa fonte documental primária para o que está sendo chamado de história da música
aural (Leech-Wilkinson, 2001), ou história da música através das performances gravadas.
Entre estas novas ferramentas figuram novos programas de computador, poderosos e
versáteis, que embora não tenham sido desenvolvidos para este fim, auxiliam muito na escuta
minuciosa do material gravado: a música pode ser escutada mais lenta sem alteração de altura,
fragmentos podem ser isolados e comparados com precisão, filtros podem ser utilizados para
dar relevo a determinadas freqüências, etc. Tudo isto com a rapidez e a facilidade antes só
disponível nos grandes estúdios e centros de pesquisa.
Neste capítulo descrevemos a metodologia adotada na transcrição das várias versões
de nosso samba-canção alvo, enquanto discutimos procedimentos similares em outras
pesquisas e justificamos os limites adotados para a grafia do nosso material. Os
procedimentos de escuta, análise e transcrição do material gravado foram realizados com o
auxílio de um programa editor de áudio
32
e um programa de gravação multipista
33
. Os
recursos utilizados em cada um destes programas são os mais simples, na maioria das vezes
disponíveis nas versões livres (freeware) de diversos programas na internet.
31
Os procedimentos aqui descritos foram apresentados no X Colóquio PPGM em Outubro de 2005 sob o título
Amor até o fim: em busca de uma metodologia para a análise da performance musical gravada, a comunicação
está editada na edição 2007 do Cadernos do Colóquio (ver Lopes e Ulhôa, 2007, p. 107-117)
32
Editores de áudio são programas que trabalham diretamente sobre um arquivo de áudio digital. São
ferramentas que permitem modificar andamentos, alterar freqüências, filtrar, equalizar, etc. Trabalham com o
som da mesma forma que trabalhamos com um editor de texto, selecionando, cortando e colando fragmentos.
Com eles podemos marcar nosso arquivo com bastante precisão, anotando o ponto onde o canto articula suas
notas.
33
Programas de gravação multipista são as ferramentas primordiais dos estúdios de gravação modernos.
Simulam os velhos gravadores multipista em fita magnética. São capazes de gerar um número virtualmente
infinito de pistas individuais, onde se registra cada um dos instrumentos de um arranjo, e que depois são
misturados (“mixados”) num arquivo estéreo padrão.
64
Os arquivos de áudio utilizados foram captados a partir do sítio do Instituto Moreira
Sales (www.ims.com.br), tendo origem na Coleção Franchesci ou na Coleção Tinhorão, que
se incorporaram ao acervo daquela instituição. Os discos em 78 rpm daquelas coleções foram
digitalizados e estão disponíveis para escuta on line.
Como primeiro passo ajustamos os arquivos para que ficassem todos dentro de uma
mesma afinação. O editor de áudio permite “afinar” os arquivos – ajustar a altura padrão – em
semitons ou percentuais destes. A orientação adotada foi de fazer ajustes os menores
possíveis, para que as gravações ficassem dentro de um padrão (Lá3 = 440 Hz)
34
. O processo
foi de tentativa e erro, ajustando o arquivo até que chegassem à afinação normal, sempre com
valores inferiores a um semitom.
Isto resultou, por exemplo, para as primeiras quatro versões do “Ai, Ioiô” a situação
apresentada no quadro 4:
Quadro 4 – Tonalidades das primeiras gravações de “Ai, Ioiô”
Versão (todas de 1929) Tonalidade
Vicente Celestino Lá bemol maior
Francisco Alves Sol maior
Araci Cortes Sol maior
Orquestra Pan American Sol maior
Teriam sido, de fato, gravadas nestas tonalidades? Uma vez que registros foram
realizados num espaço de tempo inferior a seis meses, e provavelmente pelo mesmo grupo de
músicos – o elenco da Casa Edison – será que não teriam sido arranjadas numa mesma
tonalidade, sendo o arranjo de alguma forma reaproveitado para os registros seguintes? É
34
Até chegar em sua forma digital, os registros e reproduções sonoras sempre envolveram uma série de ações
mecânicas (polias, engrenagens, dispositivos à corda, etc), que com o tempo se desgastavam e alteravam a altura
final da canção. Particularmente já observei registros em LP que estavam até um tom e meio acima do que
deveria, isto porque conhecia a prática envolvendo aquela canção, e sabia em que tonalidade o intérprete a
executava. No sistema digital moderno tal deformação é minimizada, principalmente nos projetos em que os
procedimentos são digitais desde a captação dos instrumentos: nestes casos as fases de gravação, mixagem e
masterização são digitais.
65
claro que os solistas possuem extensões e timbres bastante diferentes, mas a proximidade das
tonalidades resultantes nos deixa curiosos. Uma análise mais cuidadosa diretamente nos
velhos discos 78 rpm talvez pudesse nos dar uma resposta definitiva, e por conseguinte um
ajuste mais correto da tonalidade do nosso arquivo, o que nos propiciaria uma audição um
pouco mais real de cada um dos timbres individuais
35
.
Tendo “afinado” nosso arquivo, partimos então para a transcrição. O programa editor
de áudio mostra em sua tela principal um gráfico representando as amplitudes da onda sonora
em relação ao tempo, e nele podemos marcar os ataques das notas do canto com certa
facilidade, porque a melodia é elemento de primeiro plano no panorama sonoro montado. Se
pudéssemos ter graficamente as marcas de início e fim de compasso marcadas no áudio,
poderíamos escrever nossa partitura verificando em que ponto tal ataque se deu: no meio do
tempo (uma colcheia), a um quarto da distância entre os tempos (uma semicolcheia), e assim
sucessivamente.
A nossa idéia central então foi gravar sobre o áudio original uma trilha que
representasse os “tempos” da canção, como se estivéssemos batucando sobre a mesa os
tempos e compassos enquanto escutamos a canção. Dessa forma estes pulsos gravados e bem
ajustados ao áudio passam a funcionar graficamente como balizas para a representação do
tempo no editor de áudio.
Há procedimentos similares relatados na literatura.
Clarke (2004) descreve o estudo das nuances de andamento na Nona Sinfonia de
Beethoven. Neste experimento as batidas do tempo eram registradas através do teclado
alfanumérico do computador em arquivo separado, num procedimento denominado “tap
along” ou “tapping”. O arquivo resultante foi utilizado para estudar as flutuações de
andamento das gravações estudadas, revelando como este ou aquele regente trabalhava as
35
Aqueles registros escritos remanescentes da gravação, fragmentos de melodia, uma cifra, etc, embora não
capazes de responder por aquela gravação como já discutimos no capítulo anterior, aqui nos levariam a uma
melhor escuta e compreensão do material gravado.
66
indicações de andamento e agógica expressas na partitura. O autor lembra que tal método
apresenta um erro não cumulativo na faixa de 60 milissegundos (ms) , resultante tanto da
resposta mecânica de quem executa como da circulação do sinal no sistema.
Este processo de “bater o tempo” (tap along) foi também adotado no Projeto Mazurka
(www.mazurka.org.uk), dirigido pelo Prof. Nicholas Cook, e patrocinado pelo CHARM -
Centre for the Histoy and Analisys of Recorded Music (www.charm.rhul.ac.uk). Aqui o
objetivo é a análise de todo o conjunto das mazurkas de Chopin, através das gravações pelos
intérpretes mais variados. Faz uso intensivo do tapping como forma de obter um primeiro
grupo de dados para o perfil do andamento naquelas gravações, através do registro dos
ataques (onsets) dos tempos, tanto para a mão direita como a para mão esquerda do pianista.
Estes dados depois sofrem um ajuste fino através de uma operação manual dentro de um
programa editor de áudio.
No nosso caso tentamos minimizar este erro, apontado por Clarke e ajustado
manualmente nas mazurcas, através de um processo contínuo de escuta do pulso gravado com
o áudio original. Como veremos a seguir o nosso tapping pode ser continuamente corrigido
até que esteja suficientemente ajustado ao áudio, mas, não obstante, o erro é parte do
processo.
Para que a nossa representação ficasse ainda mais clara montamos o panorama sonoro
de forma que o áudio original tocasse somente no lado esquerdo do espectro e o pulso no lado
direito (isto ficará mais claro nos gráficos a seguir).
Tomemos como exemplo os trinta segundos iniciais da versão da Elizeth Cardoso para
“Carinhoso” (Pixinguinha / João de Barro)
36
. Para este fragmento o editor de áudio exibe a
janela mostrada na figura 4, onde marcamos alguns pontos importantes: os sopros começam a
36
Esta versão foi abordada no capítulo 2. O trecho da figura 4 corresponde à primeira linha do exemplo
musical 11 (p. 53).
67
introdução na primeira região assinalada, a seguir entra a percussão. As duas entradas
principais da voz neste trecho também estão assinaladas.
Figura 4 – Os primeiros trinta segundos de “Carinhoso” (ver faixa 16 do CD em anexo).
Para gravar o nosso pulso sobre este fragmento de áudio, utilizamos um outro
programa, o gravador multipista. Neste programa colocamos o áudio original sobre uma pista
única, e, no nosso caso, utilizaremos uma outra pista MIDI para gravarmos o pulso a partir de
um teclado musical. Tirando partido do sistema multipistas podemos gravar várias tomadas de
nossa “batucada” até que ela esteja bem ajustada ao andamento da gravação. O programa
permite cortar e colar as várias tomadas, deslocar ataques, etc, de forma que o resultado final
seja bem preciso (no caso do nosso exemplo só gravamos o pulso após a estabilização do
andamento que se dá com a entrada da percussão). A figura 5 mostra uma janela do gravador
com uma pista para o nosso áudio original e outra com os pulsos gravados:
68
Figura 5 – Áudio original e pulsos gravados.
O próximo passo foi mixar este material, mas de uma forma particular
37
: para a trilha 1
(o áudio original) jogamos o controle de panorama
38
todo para a esquerda, e, para a trilha 2 (o
pulso), todo para a direita. Levamos o arquivo resultante de novo para o programa editor de
áudio, e agora temos ajustados num mesmo gráfico a onda original e a série de pulsos
gravada, separadas espacialmente: se escutamos este novo arquivo teremos a música tocando
no lado esquerdo e nossas batidas tocando do lado direito. A figura 6 mostra a janela do editor
com o nosso novo arquivo.
37
Neste procedimento um arquivo estéreo seria transformado em mono, mas como o objetivo aqui é focar na
melodia, a espacialização não é fator importante. De fato, no recorte temporal desta dissertação todos as
gravações são em canal simples (mono).
38
O controle de panorama determina onde se colocará aquele canal dentro do nosso campo de audição. No
sistema estéreo a distribuição das várias fontes sonoras com diferentes controles de panorama – desde a extrema
esquerda até a extrema direita – nos dará a impressão de que estamos escutando os instrumentos vindo de
diversos pontos, quando na realidade estarão sendo gerados por somente dois pontos.
69
Figura 6 – Janela do editor: áudio original e pulsos, gravados e marcados.
(ver faixa 17 do CD em anexo)
Agora podemos marcar os tempos no nosso fragmento de áudio, o que foi feito com a
linha tracejada na figura 6 (a numeração dos segmentos foi colocada para referência).
Cada uma destes segmentos corresponde, no nosso caso, a um tempo, a uma semínima
se tomamos como base um compasso 2/4. O programa possibilita a seleção de cada um destes
segmentos (do mesmo jeito que se seleciona uma palavra num editor de texto), fornecendo-
nos a duração (em segundos) de cada um. Aqui já podemos ter nossa primeira observação: a
partir da duração de cada segmento podemos calcular a freqüência de nosso metrônomo
naquele ponto. Com uma regra de três simples chegamos à fórmula MM = 60 / T(s), onde
MM é o nº número de batidas por minuto (marca metronômica), e T(s) é a duração de nosso
pulso em segundos
39
. Por exemplo para a “fatia” de tempo de número 04 no gráfico, o editor
nos fornece uma duração de T = 1,134s , o que nos daria então (MM = 60 ÷ 1,134) uma
pulsação de aproximadamente MM = 53 naquele ponto.
Na tabela a seguir listamos as durações fornecidas pelo programa para cada um dos
segmentos explicitados por nosso “pulso” e o valor da marca metronômica resultante para
cada um deles. O valor médio no trecho seria MM = 52. A flutuação entre 49 e 54 se explica
39
Sendo MM nossa marca metronômica, temos um total de MM batidas em 60 segundos, se 1 pulso dura t(s)
teremos: “MM está para 60 assim como 1 (pulso) está para t(em segundos)”. Ou seja: MM / 60 = 1 / t(s).
70
em parte pela imprecisão do nosso processo, mas também aponta para um acellerando bem
discreto, que uma escuta mais atenta poderia apontar no final do trecho
40
.
Tabela 1 – Flutuação do andamento no trecho selecionado
Segmento Duração
T(segundos)
Marca Metronômica
MM
01 1,23 49
02 1,20 50
03 1,13 53
04 1,13 53
05 1,17 51
06 1,20 50
07 1,19 50
08 1,17 51
09 1,19 50
10 1,11 54
11 1,17 51
12 1,15 52
13 1,17 51
14 1,13 53
15 1,18 51
16 1,14 53
17 1,15 52
18 1,09 55
19 1,14 53
20 1,15 52
21 1,11 54
22 1,10 54
23 1,15 52
Tendo marcado e analisado os “tempos” de nossa gravação podemos agora detectar os
pontos onde o canto se articula e comparar com as nossas balizas temporais. A figura 7
analisa o primeiro inciso da canção. Na linha horizontal contínua pouco acima do pentagrama
representamos os pulsos com traços verticais curtos, e os ataques do canto com traços mais
longos, acima da linha. Nos dois tempos em que se desenvolve o inciso marcamos também
uma subdivisão do segmento em quatro partes, cada um representaria a duração de uma
semicolcheia.
40
Estes resultados devem ser sempre analisados por seu aspecto comparativo, uma vez que os valores absolutos
de tempo fornecidos neste texto, em segundos (s) ou milissegundos (ms), carregam sempre uma deformação por
conta dos processos de conversão para o sistema digital. Pelo menos com relação ao tempo estas deformações
tendem a ser proporcionais em todos os segmentos, validando o aspecto comparativo destes dados.
71
Figura 7 – “Meu coração”
Verificamos que as duas sílabas iniciais caem com um afastamento de sua posição
quantizada. O programa nos fornece os valores destas diferenças: 76 ms e 48 ms,
respectivamente entre o início dos segmentos 06 e 07, e a posição articulada pelo canto apara
as sílabas “meu” e “co-“. No andamento médio que estamos, de 52 batidas por minuto, uma
fusa teria a duração aproximada de 144 ms, uma semifusa de 72 ms. Então os deslocamentos
temporais que estamos desprezando em nossa representação são aproximadamente iguais ou
inferiores a uma semifusa (apesar deste erro inerente ao processo, podemos verificar que a
intérprete realmente articula a cabeça destes dois tempos um pouco atrasada). As
aproximações também são necessárias nas duas sílabas seguintes, mas em valores bem
inferiores. Esta diferença embora fundamental na expressão do canto acaba por ser desprezada
em nossa quantização.
O que buscamos nesta dissertação são, de fato, os deslocamentos mais amplos, como o
que terminou por colocar uma sílaba átona (“co-”) numa posição de apoio, de tempo forte, o
72
que poderia gerar um desconforto em relação à prosódia mas que é habilmente disfarçado pela
intérprete.
Quanto à construção das partituras é evidente que são necessárias aproximações, mas é
interessante notar como o canto se articula livremente dentro das prováveis subdivisões do
tempo.
Na figura 8 estudamos o segundo inciso.
Figura 8 – “Não sei porque”
Aqui as duas primeiras sílabas estão bastante próximas da quantização em
semicolcheias, e para o ataque quantizado na cabeça do compasso há um “erro” de 37 ms –
um “atraso” bastante estilístico nesta intérprete. Para o último ataque (“quê”), uma
representação em tercinas talvez fosse mais acertada. Repare-se na escala que divide o tempo
em três partes: o ataque real (traço vertical longo) está mais próximo do que seria a primeira
colcheia da quiáltera. O erro para a representação em semicolcheia (como está grafada) será
73
de 69 ms, enquanto uma representação em quiálteras o erro seria de 29 ms. Embora menor
neste último caso, o erro da representação adotada ainda é inferior a uma semifusa (72 ms).
Por esta razão é que a orientação adotada nesta dissertação é de que estas duas representações
são intercambiáveis, com o valor real sempre flutuando entre eles, com um erro desprezível
em relação à sua forma quantizada
41
.
Esta flutuação parece permear toda a música brasileira: as reflexões de Lucas (2002)
sobre o congado mineiro corroboram esta postura. A autora ao transcrever os padrões rítmicos
daquela manifestação tradicional observa uma margem de variabilidade grande entre a
expressão ternária e binária, vendo-se sempre na necessidade de enquadrar execuções reais
num destes dois extremos (p. 112). Estudando, também através de programas de computador,
a formação de categorias rítmicas, a autora observa os casos em que fica em aberto a
representação entre a síncope (25%, 50% e 25% do pulso) e a quiáltera (33%, 33% e 33%)
(p. 116).
Observa que a síncope exata não foi observada nos excertos analisados, ficando, nos
casos em que se justificou tal grafia, seu valor médio na faixa 29%, 41% e 30%. O extremo
ternário apareceria em valores mais próximos àquele teórico principalmente nos casos em que
um percussionista executa como uma passagem solo (repique) destacando-se do conjunto: a
sensação auditiva é realmente de três contra dois. Neste caso, observa autora, é comum o
repique evoluir gradativamente de uma síncope (29%, 42% e 29%) para uma quiáltera quase
regular (32%, 36% e 32%) (Lucas, 2002, p. 116-118).
Voltando ao nosso fragmento do “Carinhoso”, analisamos agora o inciso “Bate feliz”.
41
Krumhansl (2006) observa que “a pesquisa sobre o ritmo tende a concentrar-se em durações na faixa entre
100 milissegundos e 5 segundos porque este é o intervalo no qual os eventos temporais são percebidos com
organizados” (p. 48). Dessa forma estas diferenças de ataque (onsets) inferiores a 100 milissegundos não serão
percebidas como categorias rítmicas, mas vão se incorporar à percepção na forma de “Discrepâncias
Participatórias”, uma expressão cunhada por Charles Keil para designar as micro elaborações que são partes
vitais da rítmica do jazz e outros gêneros (Keil apud Butterfield, 2006, grifo meu).
74
Figura 9 – “Bate feliz”
Na figura 9 verificamos que sílaba final cai com relativa precisão sobre o tempo, mas a
grafia em semicolcheias parece não representar corretamente a anacruse: os traços longos do
canto parecem estar bem distantes de uma quantização em semicolcheias. A escala dividindo
o segmento em cinco partes parece se ajustar melhor, mas a representação em quiálteras de
cinco não é de leitura fácil, o que também poderia deslocar o foco desta dissertação. Podemos
aqui optar por uma grafia em sesquiálteras, fatiando nosso segmento em seis partes. Teremos
de optar por uma das grafias apresentadas a seguir:
Exemplo musical 21 – “Bate feliz”: outras possibilidades de grafia.
75
Observamos que para os sambas de andamento mais lento, como é o caso, a
representação mais detalhada da linha melódica pede por esta diminuição do menor valor a
ser representado. É evidente que na medida em que o andamento médio da canção cai,
aumenta a extensão do segmento que representa o tempo, e serão necessários mais pontos
internos para definir com uma precisão mínima a melodia.
Observamos também que nesta faixa de andamento há toda uma corrente de
arranjadores – e editores – que preferem anotar o samba em quatro. Por exemplo na bossa
nova é comum anotar um samba em 4/4, usando a colcheia como valor mínimo, enquanto o
mesmo samba seria grafado numa tradição mais ligada ao samba em 2/4, tendo a semicolcheia
como valor mínimo. Radamés Gnattali encontrou um meio termo, pois costumava anotar para
estes casos um compasso 4/8. É o caso por exemplo do Iº Movimento da Suíte Retratos, um
choro lento, e que tem como indicação: Lento, colcheia =104.
A título de ilustração apresentamos no quadro 3.2 os valores mínimos adotados, em
termos de figuras de valor, nas transcrições das versões do samba-canção “Ai, Ioiô”, e suas
respectivas durações (em milissegundos).
Quadro 5 – Valores mínimos representados.
Gravação Vicente
Celestino
Francisco
Alves
Araci
Cortes
Pan
American
Isaura
Garcia
Araci
Cortes
Zezé
Gonzaga
Elizeth
Cardoso
Ângela
Maria
Ano 1929 1929 1929 1929 1944 1953 1954 1955 1956
Andamento
MM
60 76 75 85 65 57 55 52 50
Figura
mínima
(ms)
s
250
s
197
s
200
s
176
p
s
153
p
s
175
p
s
182
p
s
192
p
s
200
76
CAPÍTULO 4 – VÁRIAS VERSÕES DE UM SAMBA-CANÇÃO PIONEIRO
4.1 – Histórico
O samba-canção é uma forma de samba de andamento lento, caráter mais contido e
melodia romântica e sentimental. Teria surgido inicialmente no teatro de revista, passando a
interessar os compositores a partir do sucesso do “Ai Ioiô”. Como comentado anteriormente,
eram genericamente conhecidos como sambas de meio de ano, por serem lançados fora do
período carnavalesco, onde até então os lançamentos se concentravam,.
“Ai Ioiô” entra para a história como a primeira obra da música popular a receber a
denominação “samba-canção”, atingindo um sucesso estrondoso. Com uma história inicial
atribulada, a canção de Henrique Vogeler
42
tem a sua primeira versão lançada em Agosto de
1928, na comédia “A verdade do meio-dia” por Dulce Almeida, com versos de Cândido Costa
e com o título “Linda Flor”.
Esta primeira versão viria a ser gravada por Vicente Celestino, com lançamento em
Março de 1929 pelo selo Odeon (10.338-A).
Linda Flor
Música: Henrique Vogeler
Letra: Cândido Costa
Gravação: Vicente Celestino
Linda flor
Tu não sabes talvez
Quanto é puro o amor que me inspira,
não crês
Nem sobre mim teu olhar
Veio um dia pousar
‘inda aumenta a minha dor
com cruel desdém
42
Henrique Vogeler foi compositor, pianista e regente. Não era um “pianeiro” típico que circulava pelo meio
musical de então. Tinha uma sólida formação acadêmica: formou-se pelo Conservatório Nacional de Música.
Participou ativamente do teatro musical a partir da década de 1920, chegando a diretor artístico das gravadoras
Brunswick e Odeon na década de 1930. A sua formação diferenciada pode ser caracterizada pelo fato de ter se
tornado auxiliar direto de Villa-Lobos no Conservatório Nacional de Canto Orfeônico na década de 1940.
77
Teu amor
tu por fim me darás
E o grande fervor
com que te amo verás
Sim, teu escravo serei
a teus pés, cairei
ao te ver minha enfim
Felizes então minha flor
verás a extensão deste amor
ditosos os dois reunidos enfim
teremos depois só venturas sem fim
(ver faixa 1 do CD em anexo e a transcrição no anexo 5)
Em poucos meses a melodia receberia uma segunda versão da letra, com versos de
Freire Jr., sendo gravada por Francisco Alves com o título “Meiga Flor” em disco Parlophon
(12.909-A), lançado em Janeiro de 1929. Esta versão parece não ter tido ligação específica
com o teatro de revista, demonstrando a preocupação do Vogeler em encontrar uma
formulação mais coloquial para a canção. Os novos versos são em muito semelhantes aos
anteriores.
Meiga Flor
Música: Henrique Vogeler
Letra: Freire Jr.
Gravação: Francisco Alves
Meiga flor
Não te lembras talvez
das promessas de amor que te fiz
Já não crês
E queres me abandonar
procurando negar
que juraste a mim também
minha ser, meu bem
Meu amor
Por que negas , Oh! Flor
Sempre fui tão sincero
Eu te quis, eu te quero
Sei que sem ti morrerei
És o meu ideal
Minha vida afinal
78
Se amas alguém meiga flor
Se mais te convém outro amor
Eu quero partir para não mais te ver
Eu quero fugir e bem longe morrer
(ver faixa 2 do CD em anexo e a transcrição no anexo 6)
Antes de findar aquele ano de 1928 a canção viria a ser colocada em uma nova peça no
teatro de revista: “Miss Brasil”. A estrela desta nova produção, que estrearia em Dezembro
daquele ano, era Araci Cortes, uma artista que por essa época já despertava a atenção da
maioria dos compositores. Tendo se tornado uma grande diva do teatro de revistas, qualquer
canção embalada por sua voz estava predestinada ao sucesso. Acontece que em relação a esta
canção, nenhuma das duas versões anteriores agradaram a grande diva, e como a canção
estava no roteiro da peça, o libretista Luís Peixoto teve que criar os novos versos rapidamente,
segundo conta a história, durante o intervalo de um ensaio, no palco do Teatro Recreio
(Severiano & Mello, 2002). Sobre a denominação samba-canção, estes pesquisadores citam a
Revista Phonoarte (nº16 de Março de 1929) para apontar o uso consolidado desta expressão
de gênero: “Yayá (Linda Flor), o samba-canção que todos conhecem e que, no último
carnaval, foi um dos seus mais ruidosos sucessos, acha-se impresso pela Casa Vieira
Machado” (Revista Phonoarte apud Severiano & Mello, 2002, p. 93).
A Araci Cortes também levaria esta canção ao disco sob o título ”Iaiá”, com o selo
Parlophon (12.929-A), lançado em Março de 1929.
Iaiá
Música: Henrique Vogeler
Letra: Luis Peixoto / Marques Porto
Gravação: Araci Cortes
Ai, Ioiô
Eu nasci prá sofrer
Fui olhar prá você
Meus olhinhos fechou
E, quando os olhos eu abri
Quis gritar, quis fugir
79
Mas você, eu não sei porque,
Você me chamou
Ai, Ioiô
Tenha pena de mim
Meu Senhor do Bonfim
Pode inté, se zangar
Se ele um dia souber
Que você é que é
O Ioiô de Iaiá
Chorei toda noite, pensei
Nos beijos de amor que eu te dei
Ioiô, meu benzinho, do meu coração
Me leva prá casa, me deixa mais não
(ver faixa 3 do CD em anexo e a transcrição no anexo 7)
Podemos verificar que, entre Agosto de 1928 e Março de 1929, a composição do
Vogeler experimentou três versões diferentes para seus versos, foi interpretada por três
cantores diferentes, e chegou ao disco em três fonogramas diferentes. Em apenas oito meses...
A canção parecia exercer bastante atração tanto por seu sucesso de público no teatro de revista
e no carnaval do ano seguinte, como a revista Phonoarte testemunha, como pela pressa em
registrá-la em disco: a versão de Francisco Alves, mesmo não testada pelo público do teatro
chegaria ao disco em Janeiro de 1929
43
, antes das versões “avalizadas” pelas revistas musicais
interpretadas por Vicente Celestino e Araci Cortes, que ao que consta tiveram lançamento em
Março daquele ano.
Um outro fato curioso a ser observado neste processo é esta proximidade entre o teatro
de revista e a indústria fonográfica nascente: em poucos meses as versões foram
disponibilizadas nos disco, empurradas pelo sucesso obtido nos palcos. Num mercado tão
restrito, qual teria sido a argumentação para lançar três versões de uma mesma canção?
43
Estas datas de lançamento são especificamente dos registros da Coleção Tinhorão do Instituto Moreira Sales
<www.ims.com.br>. Os registros da Coleção Franceschi para os mesmos fonogramas não especificam o mês de
lançamento.
80
Poucos meses depois ainda chegaria ao disco uma versão instrumental da canção do
Vogeler executada pela Orquestra Pan American, em disco Odeon (10.378-A), lançado em
Maio de 1929.
(ver faixa 4 do CD em anexo e a transcrição no anexo 8)
Ficou também uma confusão curiosa em relação ao título da música em gravações
posteriores. Encontramos entre os registros até a década de 1950, além das três versões
iniciais, os seguintes títulos: “Iaiá (Linda Flor)”, “Ai Ioiô” e “Linda Flor (Ai Ioiô)”. Na tabela
a seguir temos um resumo dos dados relativos às várias gravações do “Ai Ioiô” até a década
de 50.
Quadro 6 – Gravações do “Ai Ioiô” – Títulos e descrições de gênero.
44
Título Intérprete Gênero Lançamento
Linda Flor
Vicente Celestino s.canção Mar/1929
Meiga Flor
Francisco Alves s.canção Jan/1929
Iaiá
Araci Cortes canção Mar/1929
Iaiá (Linda Flor)
Orquestra Pan American s.canção Mai/1929
Linda Flor – Ai Ioiô
Isaura Garcia samba canção Jun/1944
Linda Flor
Carioca e sua orquestra samba Nov/1949
Linda Flor
Muraro com grande orquestra samba Abr/1950
Ai Ioiô **
Odete Amaral s.canção Abr/1952
Linda Flor **
Radamés Gnattali e sua orquestra s.canção Out/1953
Ai Ioiô
Araci Cortes s.canção Nov/1953
Linda Flor (Ai Ioiô)
Zezé Gonzaga não identificada
Nov/1956
Linda Flor
Elizeth Cardoso samba canção Dez/1956
Linda Flor (Ai Ioiô)
Ângela Maria s.canção 1956
** Estas gravações não foram localizadas.
44
Dados levantados nos sítios: Instituto Moreira Salles <www.ims.com.br>, Fundação Joaquim Nabuco
<http://www.fundaj.gov.br/isis/disco.html>, e CliqueMusic <www.cliquemusic.uol.com.br>. Consulta em
12/01/2006. Há uma certa confusão também com relação à designação de gênero entre estes bancos de dados
para o mesmo fonograma. No caso do Instituto Moreira Salles as diferenças existem inclusive entre os registros
da Coleção Franceschi e da Coleção Tinhorão. A identificação de gênero listada é a que consta na Fundação
Joaquim Nabuco.
81
Embora por vezes se utilize o título da primeira versão, todas as gravações
subseqüentes trabalham com o texto da terceira versão, com os versos de Luiz Peixoto e
Marques Porto. Repare-se que o título original neste caso era “Iaiá”.
Podemos conjecturar sobre o desconforto da Araci Cortes em relação aos versos das
duas primeiras versões: versos de linguagem rebuscada, num ponto de vista masculino,
descrevendo a disjunção amorosa e o anseio pelo amor da “Linda Flor” ou da “Meiga Flor”.
Mulher à frente de seu tempo, Araci Cortes sempre desafiava preconceitos, escorando sua
reputação na beleza física e na graça com que se apresentava no teatro de revista. Gostava de
canções que dessem vazão à sua teatralidade, à sua performance de vedete. Os versos das duas
primeiras versões, deve ter percebido tal fato, não lhe propiciariam tal abordagem. Com os
novos versos, temos ainda a mesma disjunção amorosa, mas agora de um ponto de vista
feminino: a amante que viveu seus momentos de uma paixão proibida, e que agora anseia
viver próximo ao seu Ioiô. E isto numa linguagem coloquial bem ao gosto do teatro de revista.
Esta procura do compositor Henrique Vogeler por versos que traduzissem de forma
mais envolvida as nuances de sua melodia é analisada em Tatit (2004). Observa que às
vésperas da era de ouro da canção no rádio, o tipo de linguagem rebuscada utilizada
inicialmente por Cândido Costa começava a produzir um tipo de reação contrária à desejada
pelos autores: versos como estes eram de compreensão difícil para o ouvinte nestes tempos de
comunicação direta via teatro de revista. “A linguagem coloquial apresentava-se agora como
fator de credibilidade na comunicação” (p. 128). Esta só seria alcançada na versão, diga-se de
passagem feita às pressas, de Luiz Peixoto e Marques Porto, por um capricho da Araci Cortes.
Tatit (2004) reflete sobre a mudança de título de “Iaiá” para “Ai Ioiô”, que à primeira
vista remete a prática com origem nas modinhas de batizar a obra com os versos iniciais, mas
concluirá por uma correção feita por ação da tradição na compreensão inicial do texto.
Observa a existência de um triângulo amoroso entre a protagonista, o Ioiô e a Iaiá. Tratando
82
de uma relação proibida entre a protagonista e o seu Ioiô, não faria o título da música remeter-
se a um personagem secundário – a Iaiá - que só representa um impedimento para a
consumação final do amor.
Tatit faz um estudo da projeção melódica e de sua relação com os versos da versão
final, e conclui que a estreita simbiose foi resultante da capacidade destes em reproduzir
lingüisticamente os gestos sonoros da melodia. E conjectura sobre os caminhos da canção
brasileira naquele momento:
O esforço para se chegar a um resultado aceitável deixava à vista o anseio por
obter uma compatibilidade mais refinada entre os componentes da canção,
assim como as mencionadas confusões existentes em torno do seu título não
conseguiam disfarçar as dificuldades existentes tanto no trato como na
compreensão das letras mais sutis.
Essa verdadeira luta para se atingir a canção ideal ultrapassa em muito a
questão do pioneirismo deste samba-canção. O que estava em jogo não era a
espécie, mas sim o gênero. Era a canção do século XX que estava se
consolidando definitivamente para inaugurar a era de ouro do rádio consagrada
no decênio de 1930. (Tatit, 2004, p. 141)
4.2 – Refletindo sobre as gravações de 1929
Os grupos orquestrais participantes destas gravações, embora pertencentes a duas
gravadoras diferentes, eram ambos dirigidos por Simon Bountman, que já em 1926 passara a
dirigir as gravações para a Odeon, a convite do próprio Fred Figner. É provável que também
fosse exatamente o mesmo grupo de músicos que constituísse tanto a Orquestra
Pan Americana na Odeon, quanto a Simão Nacional Orquestra na Parlophon. Estes grupos
apresentavam a mesma formação instrumental e exibiam uma mesma concepção de arranjo
(Aragão, 2001, p. 63). Este autor observa ainda que o padrão rítmico amaxixado dos
acompanhamentos era uma constante no período, fossem concebidos para composições de
Sinhô ou de Ismael Silva, ou realizados por uma ou outra orquestra (p. 59).
83
Em se tratando de música popular, as gravações em estudo apresentam uma
configuração típica da música homofônica: são melodias acompanhadas, com alguns poucos
elementos de contraponto – ou contracanto para usar o termo da prática. A extratificação dos
arranjos é simples, com planos sonoros definidos entre melodia e base rítmico-harmônica,
com o baixo em relevo, e um instrumento solista ou outro utilizado para apresentar parte da
melodia (solo instrumental). A melodia se desenvolve sobre pulsos isócronos, ou pelo menos
sobre flutuações na maior parte das vezes desprezíveis (nas transcrições além do valor médio
da marca metronômica, anotamos também os valores mínimo e máximo, avaliado em quatro
pontos diferentes do arquivo de áudio). As variações explícitas de andamento são reservadas
para rallentandos curtos no final das peças, quando existem.
Na maior parte das vezes a notação da síncope pressupõe a sua elaboração comum na
música brasileira. A indicação de quiálteras ficou reservada para os casos em que se detecta
uma igualdade bem explícita nos ataques. De qualquer forma, como já observado, dentro da
proposta deste trabalho estas duas categorias são intercambiáveis.
A peça tem forma clara: uma primeira parte na tônica, dividida em duas seções de 16
compassos (A1 e A2); a 2ª parte modula para uma região de dominante, sendo uma única
seção de 8 compassos que se repete com os mesmos versos (B1 e B2), mas com uma pequena
inflexão diferenciada ao final de cada uma.
As quatro primeiras versões trabalham praticamente o mesmo arranjo, o que não é de
estranhar na medida em que foram gravadas num intervalo inferior a oito meses pela mesma
gravadora, embora em selos diferentes. A introdução é a mesma, só variando entre uma e
outra o trecho que recebe a entrada instrumental.
As versões de Francisco Alves, Araci Cortes e da Orquestra Pan American estão em
Sol maior, enquanto a do Vicente Celestino se encontra em Lá bemol maior. Como já
observado, podem ter sido gravado assim, ou isto pode indicar alguma deformação do áudio
84
em alguma fase da conversão do 78 rpm até o formato digital, mas do ponto de vista de nossa
análise este é um dado irrelevante.
Em termos da forma, temos:
Versão Vicente Celestino
(Láb maior)
Versão Francisco Alves
(Sol maior)
Introdução
A1 A2 B1 B2
introdução
A1 instrumental
A2
Introdução
A1 A2 B1 B2
introdução
A1 A2
B1 e B2 instrumentais
coda (introdução)
Versão Araci Cortes
(Sol maior)
Introdução
A1 A2 B1 B2
A1 A2
B1 instrumental
B2
coda (introdução)
A versão da Orquestra Pan American tem uma forma mais regular, com a repetição
simples de toda a canção:
Orquestra Pan American
(Sol maior)
Introdução
A1 A2 B1 B2
(Intro)
A1 A2 B1 B2
coda (introdução)
Na versão de Vicente Celestino, o caráter lírico e empostado do cantor reforça o tom
solene e formal dos versos, mas mesmo nesta versão pioneira podemos apontar algumas
85
elaborações rítmicas que se estratificam em relação ao que configuramos como modelo de
comparação no capítulo dois (exemplo musical 20, página 62). A anacruse inicial diferenciada
parece ser mais o caso de indecisão do intérprete, com a orquestra aguardando a chegada do
cantor no tempo forte (“flor”).
Exemplo musical 22 – Vicente Celestino – compassos 4 e 5
A articulação da frase “Tu não sabes talvez” (A1, compassos 6 e 7) é bem
característica de uma transformação conduzida pelo discurso, pela necessidade de declamação
do verso. O apoio tético da última sílaba é atrasado, mas o pequeno salto e a nota mais longa
ajudam a intensificá-la, disfarçando a irregularidade da prosódia. Curioso é que logo a seguir
Celestino antecipa a chegada do apoio do verso “Quando é puro o amor”, num procedimento
que por esta época começava a se tornar freqüente: síncopes e contratempos atravessando a
barra de compasso.
Exemplo musical 23 – Vicente Celestino – compassos 6 a 9
86
A interpretação de Vicente Celestino tende, como de maneira geral ocorre com a
maioria dos intérpretes, para uma padronização na medida em que nas duas vezes em que faz
a anacruse para a seção A2, o faz atrasando também o apoio do verso “teu amor”.
Exemplo musical 24 – Vicente Celestino – compassos 20 e 21
Antecipações aparecem em vários pontos, em transformações semelhantes ao dos
compassos 8 e 9 (exemplo musical 23) , sendo antecipados os apoios do 1º e 2º tempos:
Srg dtg\e
transformando-se em :
Sdfg-dffg-\e
Exemplo musical 25 – Vicente Celestino – compassos 40 a 42
A intervenção instrumental é ritmicamente bem comportada, havendo uma definição
clara entre síncope e quiálteras na parte solista. Já surge nesta seção uma pequena inflexão
cromática que não se detecta em nenhuma das versões cantadas entre estas duas primeiras,
mas que claramente se estratifica como parte integrante daquela linha em versões posteriores.
87
É o cromatismo do trecho instrumental no compasso 70 que corresponderia ao compasso 18
da parte solista.
Exemplo musical 26 – Vicente Celestino – compassos 17 a 20
Poderíamos supor que tenha faltado ao intérprete um pouco mais de intimidade com a
obra, mas neste ponto desta versão, a letra parece não se ajustar muito bem à melodia. O
cromatismo que parece ser parte da composição do Vogeler levaria a um cacofonismo “au-
men-ta___a mi-nha dor”. A solução do Celestino foi acertada.
A versão do Francisco Alves (anexo 6), “puxando para frente” o andamento da versão
anterior, tem um caráter ainda mais amaxixado. A voz também é empostada, mas aqui o
intérprete tem um timbre mais brilhante, o caráter é menos solene, mais alegre, com as
síncopes bem mais definidas que na versão anterior.
Há um começo também parecendo deslocar o apoio do desenho, mas aqui podemos
também imaginar um ajuste inicial entre canto e acompanhamento, uma vez que na anacruse
para a parte A2, assim como quando retoma a melodia após a intervenção instrumental, o
intérprete volta à forma original da anacruse.
O cromatismo citado anteriormente também não aparece na frase “também minha ser”,
mas a orquestra nesta versão não passa por este trecho quando faz o seu solo, de forma que
fica faltando uma referência para avaliarmos a postura do cantor. No segundo tempo do
compasso 18, Francisco Alves “inventa” uma outra passagem cromática.
88
Exemplo musical 27 – Francisco Alves – compassos 18 a 20
Em alguns outros trechos o artista também esteve em dúvidas em relação à melodia
correta, e de alguma forma recriou o desenho, não sabemos se por orientação do autor ou por
uma ação deliberada num momento de indecisão. A apresentação do final das seções paralelas
B1 (compassos 40 a 44) e B2 (compassos 48 a 52) têm o mesmo perfil pelo intérprete, mas
bastante diferente do articulado pelo instrumental. Ele canta as duas vezes da mesma forma
somente variando o final, mas bastante distante do que apresenta a orquestra, que articula um
perfil próximo do nosso modelo.
Exemplo musical 28 – Francisco Alves – compassos 40 a 44
Francisco Alves canta os versos iniciais desta segunda parte de forma bem sincopada.
Na primeira vez (B1) o desenho é idêntico ao que irá apresentar a orquestra, na segunda vez
(B2) o cantor se permite uma antecipação:
89
Exemplo musical 29 – Francisco Alves – compassos 36 a 39
Araci Cortes (anexo 7) surge com uma versão bem articulada ritmicamente, ficando no
ar um certo ar de irreverência, em que pese a postura lírica da colocação da voz. A versão
desta grande diva parece ter sido mais cuidadosamente trabalhada, tanto do ponto de vista da
construção de sua interpretação, como da relação dela com o conjunto.
Podemos conjecturar sobre o desconforto de Vogeler em relação às “reinvenções”
melódicas resultantes das versões anteriores, e a partir disto a procura de um maior rigor neste
novo registro. Se o autor se esmerou na busca de versos adequados à sua canção, podemos
imaginá-lo buscando um melhor acabamento na realização de sua melodia, músico
experimentado que era.
O cuidado com esta versão fica patente por alguns pontos:
• A intérprete sempre que repete uma parte, o faz articulando a mesma rítmica:
as repetições das partes A1, A2 e B2 são praticamente literais.
• A realização de trechos similares melodicamente como os versos “eu nasci prá
sofrer” (A1, compassos 6 e 7) e “tenha pena de mim” (A2, compassos 22 e 23)
são diferenciados pela intérprete para dar relevo ao conteúdo do texto, mas são
articulados da mesma forma diferenciada nas duas vezes em que canta estes
fragmentos.
90
• O desenho cromático do final de A1 finalmente aparece na voz (compasso 18).
Na primeira vez ainda soa um pouco indeciso, mas na repetição está bastante
claro.
• A intervenção instrumental em B1 parece ter sido construída respeitando a
intenção da intérprete. Embora com algumas diferenças nos incisos iniciais, a
frase final (compassos 60 a 62) remete diretamente à forma como a Araci
Cortes cantou o trecho “me leva prá casa, me deixa mais não” da primeira vez
(compassos 42 a 44). Veremos mais à frente que este desenho é praticamente o
mesmo que será articulado pela Orquestra Pan Americana, o que mais uma vez
nos remete a uma possível ingerência de Vogeler no acabamento da canção.
Fugindo a uma rítmica absolutamente mecânica, a interpretação da Araci Cortes é rica
em antecipações:
Exemplo musical 30 – Araci Cortes – compassos 36 a 41
É curiosa a elaboração do verso “Meus olhinhos fechou” , o canto antecipa um pouco
a anacruse do compasso 11, incrementando o efeito do salto descendente que se segue, e com
isso possibilitando uma dramaticidade do discurso maior: quase conseguimos visualizar a
artista teatralizando este gesto, fechando os olhos enquanto canta, baixando a cabeça, etc.
91
Exemplo musical 31 – Araci Cortes – compassos 9 a 11
Entre as antecipações articuladas pela cantora, uma se torna bastante comum
posteriormente: o ponto culminante da seção A1 “Se ele um dia souber”.
Exemplo musical 32 – Araci Cortes – compassos 28 a 31
Devido ao grande sucesso, historicamente comprovado, alcançado por esta versão,
podemos supor a entrada desta canção na tradição, na prática de um repertório popular – em
rodas, saraus, etc – tendo a interpretação da Araci Cortes como referência.
De andamento mais movido que as anteriores, a versão da Orquestra Pan Americana é
a que revela o caráter mais fortemente amaxixado, com síncopes bem definidas e
praticamente nenhuma antecipação (somente no final de A1, entre os compassos 19 e 20),
mesmo nos trechos com solistas individuais (um trompete, um violino e um trombone se
alternam nesta função).
Podemos comparar esta versão com as partes instrumentais das versões anteriores, isto
é, com as seções A1 de Vicente Celestino, B1 e B2 de Francisco Alves e B1 de Araci Cortes.
Colocamos também, para verificar a sua validade, a nossa versão modelo construída pela
consulta aos arranjadores de música popular no capítulo dois. Esta montagem é apresentada
no anexo 9.
92
Apontamos alguma diferença somente em pequenas antecipações na parte B1
instrumental da versão da Araci, no mais todas apresentam praticamente o mesmo perfil
melódico, descontando-se algumas síncopes que podem ter sido flexibilizadas no momento da
gravação em uma ou outra versão.
Esta comparação é importante porque nos mostra que no caso desta canção havia uma
formulação anterior detalhadamente grafada, nas mãos do autor e possivelmente nas mãos do
arranjador, que gradativamente encontrou seu caminho correto. É claro que sob a ação de
personagens como Vogeler e Bountman, interlocutores letrados que eram, a concepção
“original” da melodia deve ter sido um objetivo, sendo as “deformações” resultantes de
acidentes de percurso.
O ajuste perfeito dos versos na terceira versão também exerceu um papel definitivo na
fixação do perfil melódico de Vogeler. Este perfil teve força suficiente para ainda projetar-se
com bastante precisão na memória dos arranjadores consultados.
Podemos então resumir que a canção de Vogeler gradativamente encontra seu
caminho nas versões de Vicente Celestino e Francisco Alves, se consolida na versão da Araci
Cortes e se confirma com a versão da Orquestra Pan American – não tão gradativo, o processo
de fato ocorreu em poucos meses ...
Em alguns pontos nosso modelo proposto se diferencia deste modelo histórico
representado pela versão da Orquestra Pan American. São pequenos fragmentos cromáticos
com notas internas diferentes ou antecipações. A passagem do compasso 10 para 11 em nosso
modelo, embora pouco diferente da versão Pan Americana, é o desenho cantado pela Araci
Cortes.
93
Exemplo musical 33 – Orquestra Pan Americana – vários trechos
4.3 – A mesma canção muitos anos depois
A próxima versão é realizada quinze anos depois, em 1944, pela Isaura Garcia.
(ver faixa 5 do CD em anexo e a transcrição no anexo 10)
Esta versão já se apresenta praticamente dentro do estilo do samba-canção que se
consolidará como padrão a partir da década de 1940, mas principalmente na década de 1950.
A melodia é conduzida com bastante liberdade principalmente no seu aspecto rítmico, mas
também em alguns pontos redesenhando bastante a melodia.
Encontramos aqui ainda um procedimento comum na década de 1930 que aos poucos
caía em desuso: a exposição instrumental de toda uma seção da canção
45
. A orquestra sola
toda a primeira parte (A1 e A2) em Fá maior e com uma rápida modulação prepara a entrada
da cantora em Si bemol maior.
45
Nestes novos tempos da década de 40, com as apresentações ao vivo nos programas de rádio, esta prática
encontrava dois obstáculos principais. Por um lado, num programa de auditório, o público ia para venerar seus
ídolos em ação, e estes eventualmente se sentiam desconfortáveis durante longas intervenções instrumentais: a
orquestra por uns instantes lhes roubava a cena. Por outro, se este procedimento tinha sido necessário para
completar o tempo de uma face de um disco de 78 rpm, agora se tornara dispendioso por ocupar inutilmente um
espaço que poderia ser destinado à propaganda.
94
A melodia é apresentada de forma contínua (A1, A2, B1 e B2), e após um breve
interlúdio musical que remete à introdução original das gravações de 1929, há uma
reexposição do A2, onde a intérprete faz uma rítmica levemente diferenciada no início, mas
basicamente dentro do que já apresentara na primeira vez. Para termos uma idéia da rítmica
realizada pela Isaura Garcia, isolamos a sua parte e apresentamos no anexo 11 para
comparação que o nosso modelo. Sobre este anexo refletimos a seguir.
Verificamos que há um deslocamento quase sistemático dos fragmentos melódicos
para a direita, em direção ao “atraso” . Num único ponto a melodia está antecipada: no início
verso “e quando os olhos eu abri”. Mas é um ponto que já fora articulado desta forma em
versões anteriores. Foi como por exemplo cantou Francisco Alves e Araci Cortes.
Exemplo musical 34 – Isaura Garcia – compassos 5 a 10
Os pontos onde a Isaura Garcia se aproxima de um contorno mais regular como o
nosso parecem ser mais a exceção do que a regra. Os deslocamentos são bastante expressivos.
Por exemplo a última sílaba do verso “chorei toda noite pensei” da seção B2 (compasso 42 do
anexo 11) está deslocada uma semínima inteira: a cantora começa variando a linha e termina
por deslocar o apoio do verso um tempo inteiro.
95
Exemplo musical 35 – Isaura Garcia – compassos 40 a 42
Como apontado no exemplo anterior, a intérprete se permite redesenhar a melodia em
alguns pontos, mas repara-se que mesmo nestes casos a tendência é empurrar o discurso para
a direita.
Exemplo musical 36 – Isaura Garcia – compassos 10 e 11
Este deslocamento quase sistemático, em direção ao atraso, acabaria por se tornar uma
característica do samba canção na década seguinte. Provavelmente é contra este estilo de
cantar que Almirante estabelece sua cruzada estética. Com ele o canto realmente se torna
menos rítmico – deixa de exprimir as qualidades rítmicas intrínsecas do samba como apontava
o radialista – para, através desta acomodação, dar vazão ao conteúdo cada vez mais dramático
dos versos do samba-canção. Esta intensificação caminhava a passos largos em direção ao
chamado estilo “dor de cotovelo” no final da década de 1950.
96
Nove anos depois, em 1953, teremos mais uma regravação: de novo Araci Cortes.
(ver faixa 6 do CD em anexo e a transcrição no anexo 12)
A diva do teatro de revistas passara quase vinte anos sem gravar – seu último registro
havia sido em 1935 – quando retorna ao disco (ainda no formato 78 rpm). Entre as canções
gravadas surge de novo o seu grande sucesso de quase vinte cinco anos atrás.
Não tão jovem, a artista adota uma tonalidade mais grave – do Sol maior de 1929 para
Mi maior nesta nova abordagem – embora a Araci não se furte a usar os extremos da voz
quando constrói um contracanto à intervenção do coro. Não só a tonalidade mudou. Caiu
também o andamento (de 75 para 57); o maxixe deu lugar a um samba-canção. A
interpretação perdeu seu ar irreverente para se tornar mais séria, introspectiva.
Algumas coisas permaneceram: a introdução, por exemplo, é uma clara referência à
introdução original.
Um ponto mais importante diz respeito à rítmica: se por um lado as antecipações se
intensificaram principalmente nos apoios internos da melodia (no 2º tempo):
Exemplo musical 37 – Araci Cortes 1929 e 1953 – compassos 14 a 18
Por outro podemos observar uma similaridade muito grande com a versão anterior, na
forma como distribuiu as antecipações.
97
Exemplo musical 38 – Araci Cortes 1929 e 1953 – compassos 36 a 39
A intérprete manteve a mesma forma de cantar o final do verso “meus olhinhos
fechou” como foi observado na primeira versão.
Exemplo musical 39 – Araci Cortes 1929 e 1953 – compassos 9 a 11
E a forma de antecipar o clímax da primeira parte.
Exemplo musical 40 – Araci Cortes 1929 e 1953 – compassos 28 a 31
Araci Cortes agora se permite algumas variações melódicas, afinal, após quase vinte e
cinco anos interpretando este sucesso, é de se imaginar que algumas modificações fossem se
98
incorporando à sua abordagem (ver também exemplo musical 38, e todo o contracanto entre
os compassos 53 e 67 do anexo 12).
Exemplo musical 41 – Araci Cortes 1929 e 1953 – compassos 20 a 21
Especificamente no que diz respeito ao aspecto rítmico, esta interpretação da Araci
Cortes nos revela uma intensificação de seus procedimentos anteriores. Reflete um estilo de
cantar anterior ao que estava em voga na década de 1950, anterior ao estilo que a Isaura
Garcia nos apontou e que será confirmado na discussão a seguir.
Zezé Gonzaga havia lançado alguns discos ainda no formato 78 rpm, quando em 1956
lança o seu primeiro Long Playing. O disco foi considerado o melhor disco do ano, e entre as
canções interpretadas estava “Linda Flor (Ai, Ioiô)”, que passou a ser considerada uma de
suas grandes interpretações.
(ver faixa 7 do CD em anexo e a transcrição no anexo 13)
Esta versão da Zezé Gonzaga é bastante representativa no que diz respeito aos
procedimentos rítmicos que se estabeleceram como praxe na interpretação do samba-canção.
Consolida a tendência apresentada pela versão da Isaura Garcia, por isso optamos por refletir
sobre toda a apresentação da primeira e segunda parte (A1, A2, B1 e B2) na primeira vez que
a intérprete passa por estas seções. A comparação destas seções com o modelo é apresentada
na íntegra no anexo 14, inclusive para a reexposição das partes A1 e A2 (compassos 49 a 79
do anexo 13).
99
A Zezé Gonzaga começa de forma bem comportada, com um atraso discreto no
segundo inciso.
Exemplo musical 42 – Zezé Gonzaga – compassos 1 a 3
Na seqüência começa apoiando “fui olhar prá você” da forma esperada, mas em
seguida atrasa significativamente a conclusão “meus olhinhos fechou”. A forma de articular
“fe-chou” é similar àquela da Araci Cortes, mas a Zezé o faz com um atraso de uma
semínima.
Exemplo musical 43 – Zezé Gonzaga – compassos 4 a 8
O verso seguinte é articulado de maneira regular.
100
Exemplo musical 44 – Zezé Gonzaga – compassos 9 a 11
Para em seguida manter o canto atrasado, num valor médio de uma colcheia, por seis
compassos.
Exemplo musical 45 – Zezé Gonzaga – compassos 12 a 17
No verso “tenha pena de mim” aparece um dos poucos momentos em que o apoio é
antecipado. Mas chamamos a atenção que esta já foi uma formulação usada pela Araci Cortes
na versão de 29 para o mesmo verso.
Exemplo musical 46 – Zezé Gonzaga – compassos 18 a 19
101
Segue um trecho similar ao procedimento entre os compassos 4 e 8. A intérprete
evolui de uma leitura mais regular para deslocamentos bem amplos. No compasso 23 o apoio
de “zangar” está deslocado quase um tempo e meio.
Exemplo musical 47 – Zezé Gonzaga – compassos 20 a 24
Os deslocamentos prosseguem. No ponto culminante da melodia (compasso 25), todas
as versões analisadas articularam este verso de forma tética ou anacrústica. Aqui o inciso se
tornou acéfalo.
Exemplo musical 48 – Zezé Gonzaga – compassos 25 a 30
As seções paralelas B1 e B2 acabam por ter construções rítmicas bem distintas. B1
começa com deslocamentos mais discretos.
102
Exemplo musical 49 – Zezé Gonzaga – compassos 31 a 35
Depois evolui para um fraseado mais próximo de nossa rítmica “quadrada”.
Exemplo musical 50 – Zezé Gonzaga – compassos 36 a 40
B2 começa com um pequeno atraso, logo evoluindo para a regularidade.
Exemplo musical 51 – Zezé Gonzaga – compassos 41 a 43
Para em seguida apresentar outros dois pontos de antecipação. Estes pontos também
podem ser identificados na performance da Araci Cortes.
103
Exemplo musical 52 – Zezé Gonzaga – compassos 44 a 48
Resumindo nossas observações em relação à versão da Zezé Gonzaga:
• Existem antecipações, mas são escassas, e no caso específico desta canção podemos
remetê-las a uma performance anterior.
• A realização do perfil rítmico seu deu na maior parte das vezes deslocando ou
deformando os incisos para a direita em nossa representação gráfica, no sentido do
atraso em relação à nossa expectativa.
Curiosa a força desta canção. Depois dos lançamentos múltiplos de 1929 de sabor
amaxixado que resultaram na sedimentação dos versos de Luis Peixoto e Marques Porto, o
ano de 1956 assiste o lançamento, além desta versão da Zezé Gonzaga, das interpretações de
Elizeth Cardoso e Ângela Maria, já dentro do novo estilo completamente sedimentado do
samba-canção. Em que pese a falta de uma ordem exata destes lançamentos (os registros dos
bancos de dados por vezes são conflitantes), o importante é observar procedimentos comuns
na rítmica destas versões.
A “Divina” , como posteriormente Elizeth Cardoso seria apelidada, trouxe ao disco
sua versão do nosso clássico ainda no velho formato 78 rpm.
(ver faixa 8 do CD em anexo)
Estávamos numa época de muita efervescência na música popular, com o samba-
canção já devidamente incorporado à produção de nossos compositores, e já exibindo
exageros na interpretação e na concepção grandiosa dos arranjos, elementos contra os quais a
104
bossa-nova se rebelaria, em poucos anos. Curioso é que Elizeth Cardoso ao mesmo tempo em
que representa uma referência ímpar na interpretação do samba-canção, será considerada
também pioneira da nova bossa que surge, com seu LP de 1958 “Canção do amor demais”.
O desdobramento rítmico apresentado na versão da Elizeth Cardoso
46
para “Ai, Ioiô”
se assemelha em muito à abordagem discutida na versão da Zezé Gonzaga. Começa de forma
bastante regular, somente deslocando o apoio final.
Exemplo musical 53 – Elizeth Cardoso – compassos 1 a 3
Os dois versos que se seguem formam uma frase com a interpretação típica do samba-
canção, e em particular desta intérprete. Atrasa-se um pouco a saída , acelera-se em direção ao
ponto culminante da frase. A distensão é lenta e gradativa, deslocando os apoios para a
direita.
Exemplo musical 54 – Elizeth Cardoso – compassos 4 a 8
46
Optamos por apresentar a versão da Elizeth inserida no texto. Não há partitura em anexo para esta versão.
105
O verso a seguir articulado antecipado nas duas versões de Araci Cortes, agora se
torna acéfalo.
Exemplo musical 55 – Elizeth Cardoso – compassos 9 a 11
A antecipação de semicolcheia que se segue também poderia ser considerada parte da
canção – deveríamos inseri-la em nosso modelo – pois Araci Cortes cantou desta forma em
suas duas versões. Curiosa a articulação de “você me chamou”: deslocando seu início e
encurtando o fragmento, a intérprete dá relevo a um fato de que foi o Ioiô que tomou a
iniciativa desta relação amorosa conflituosa.
Exemplo musical 56 – Elizeth Cardoso – compassos 12 a 16
O início de A2 também se opera com uma transformação curiosa. O inciso “Ai, Ioiô”
desloca-se e torna-se acéfalo: o pedido de compaixão sentido torna-se mais um chamado à
reflexão. Assim como: - Ora! Ioiô, tenha pena de mim!
106
Exemplo musical 57 – Elizeth Cardoso – compassos 16 a 19
Na seqüência uma antecipação também já articulada pela Araci Cortes. É notável
como a Elizeth articula “se zangar”. Embora numa posição tética, a prosódia irregular não
transparece. O pequeno salto de quarta e a maior duração da última sílaba são valorizados,
preparando o clímax que se seguirá.
Exemplo musical 58 – Elizeth Cardoso – compassos 20 a 24
A intérprete articula o clímax desta primeira parte em sua posição regular, mas a
distensão que segue fica toda deslocada.
Exemplo musical 59 – Elizeth Cardoso – compassos 25 a 29
107
Elizeth conclui a primeira parte com uma construção bastante particular. A
intensificação da preposição “de” soa pouco estranho: o salto ascendente, a duração e a
antecipação lhe dão um relevo um pouco sem sentido.
Exemplo musical 60 – Elizeth Cardoso – compassos 29 a 31
Antecipa rapidamente a anacruse para o B1. Nos dois incisos os apoios são regulares,
mas a distensão é mais lenta que em nosso modelo.
Exemplo musical 61 – Elizeth Cardoso – compassos 32 a 35
Um trecho com certa regularidade: a antecipação pode ser referida à versão Araci
Cortes; os atrasos são discretos.
Exemplo musical 62 – Elizeth Cardoso – compassos 36 a 39
108
O início de B2 é muito semelhante a B1: as anacruses são encurtadas; os apoios são
regulares; as distensões são tranqüilas, deformando para a direita os incisos.
Exemplo musical 63 – Elizeth Cardoso – compassos 40 a 43
Na conclusão de B2 há uma variação que cria um traço melódico para detecção da
influência desta versão em outras posteriores. Muito provavelmente para variar B2 em relação
a B1, Elizeth faz uma variação cromática no desenho, o que conduz a harmonia a um quarto
grau menor.
Exemplo musical 64 – Elizeth Cardoso – compassos 44 a 46
Na conclusão de B1 a intérprete desloca sistematicamente o desenho, a ponto de
articular a volta a A1 de forma tética.
109
Exemplo musical 65 – Elizeth Cardoso – compassos 47 a 49
Uma observação. Ao tentar referir as antecipações a versões anteriores não estamos
querendo dizer que este ou aquele intérprete não usa este artifício livremente: vimos que a
Araci Cortes, por exemplo, intensificou este procedimento de uma versão para outra; a Elizeth
Cardoso também criou uma forma bem particular no exemplo musical 60. Em resumo, o que
estamos tentando é relacionar este procedimento com a tradição, com a escuta de uma fonte
anterior, com a inserção numa prática anterior.
Em termos de projeção rítmica do canto, a versão de Ângela Maria apresenta os
mesmos procedimentos já apontados nas versões de Zezé Gonzaga e Elizeth Cardoso.
Podemos reparar que a concepção do arranjo é grandiosa: uma orquestra completa dá apoio à
cantora. A interpretação é bastante dramática, já dentro da estética do exagero.
(ver faixa 9 do CD em anexo)
Foi um longo caminho desde o maxixe de 1929.
110
CONSIDERAÇÕES FINAIS
A canção de Vogeler nos permitiu observar as transformações lentas mas
sistemáticas pelas quais passou a interpretação do samba-canção principalmente no aspecto do
desdobramento rítmico do intérprete, desde a sua concepção amaxixada do final da década de
1920 até as dramáticas interpretações do final da década de 1950.
Nas versões iniciais de 1929 o que se revelou foi a procura de versos que melhor se
adequassem a esta nova tendência da canção popular nascida no teatro de revista. Até o
encontro dos versos definitivos de Luis Peixoto e Marques Porto detectamos também a
provável presença do compositor tentando refinar o contorno melódico, para que se chegasse
afinal àquele que realmente compusera. Neste sentido a versão da Araci Cortes é marcante
pelo acabamento e pela forma como a intérprete logrou permear sua expressão teatral mesmo
dentro do caráter amaxixado que caracterizava as gravações de então. Ao afirmar, já na
década de 1950, que “Araci criou Ai, Ioiô”, Ari Barroso aponta para a força desta
performance, imprimindo à canção uma identidade maior ainda que a projetada pelos
compositores, e que ainda hoje se reflete na expectativa da tradição, direta ou indiretamente.
Para estabelecer um ponto de partida construímos uma grafia modelo que
representasse a expectativa de músicos imersos na prática atual do samba. Tal modelo revelou
uma identificação muito grande com as versões da Araci Cortes e da Orquestra
Pan Americana.
Analisando as realizações de 1929 observamos que, no aspecto rítmico, as pequenas
diferenças em relação ao nosso modelo ocorreram :
• Por conta de ajustes entre canto e o acompanhamento, em momentos de
indecisão, como por exemplo na retomada do canto após uma introdução ou
intervenção instrumental.
111
• Por indecisão dos cantores, em trechos em que a melodia parecia não estar
totalmente apreendida.
• Por acomodações rítmicas próprias do samba. Como havíamos previamente
apontado, o canto naturalmente flutua sempre entre a representação em síncope
ou em quiáltera.
• uma outra característica do samba também se incorpora ao samba-canção: a
tendência natural de antecipar ataques, principalmente os do primeiro tempo.
Nas quase três décadas que se passaram entre as gravações abordadas houve uma
gradativa, mas significativa, redução do andamento, revelando uma tendência geral do samba-
canção. Versos de conteúdo cada vez mais intensos necessitavam de maior liberdade para
serem cantados, o que por um lado conduziu o samba-canção a andamentos menos movidos, e
por outro ao uso sistemático de um rubato melódico intenso, um rubato de características bem
particulares neste gênero. Conduzidos pela dramatização do conteúdo, os cantores passam a
operar elaborações temporais intensas no perfil da canção.
O que Almirante apontava como “gemente” em meados da década de 1940 era este
estilo que aos poucos se sedimentava, tornando-se traço marcante do gênero, e que ainda hoje
pode ser detectado nos grandes intérpretes do samba – aquele nosso seresteiro que entrava
atrasado estava exercitando um predicado básico para dizer-se como tal dentro daquela
prática.
E é evidente que se chegaria ao exagero: dramatizações exacerbadas, elaborações
rítmicas simplesmente para exibir domínio do metier, em concepções completamente
descoladas da intenção do texto, etc. Mas vamos encontrar intérpretes que souberam trabalhar
com equilíbrio dentro deste novo estilo, estabelecendo um padrão de elegância e clareza na
interpretação do samba-canção.
112
As versões finais se mostraram ricas em deslocamentos dos incisos em relação a uma
posição esperada representada no nosso modelo. Se os deslocamentos apontados não chegam
a perturbar a escuta é porque a prosódia é habilmente trabalhada. O intérprete redistribui a
acentuação interna do desenho de forma que mesmo que sílabas tônicas caiam fora de pontos
acentuados da estrutura métrica, o texto permanece claro.
Verificamos que na grande maioria das vezes os apoios dos incisos são deslocados à
direita na nossa representação, em direção ao atraso. As antecipações existem, é evidente, mas
podemos observar que:
• São muito menos freqüentes;
• Foram articuladas em pontos já antecipados em versões anteriores. Neste caso
o nosso modelo é que deveria ser corrigido para passar a conter aquela
antecipação, pois aquele procedimento se incorporou à prática. Estes pontos
também podem nos ajudar a indicar relações de “parentesco” entre versões,
apontando a probabilidade de um intérprete ter se baseado numa outra
performance para construir a sua, como tentamos correlacionar em nossas
análises.
• São elementos idiomáticos, como já apontamos. A característica sincopada do
samba tende a articular os tempos antecipadamente.
Um ponto importante é que enquanto as antecipações foram curtas, em geral da ordem
de uma semicolcheia, os deslocamentos à direita chegaram a atrasar fragmentos inteiros em
até uma semínima e meia. Tais deslocamentos transformaram um fragmento anacrústico
como “Ai, Ioiô” em tético, como por exemplo na versão da Elizeth Cardoso (compasso 49,
exemplo musical 65).
A busca da intensificação do conteúdo emocional observada no samba-canção
conduziu desta forma a um intenso rubato melódico, que por sua vez resultou na expansão dos
113
limites dos incisos, e por conseguinte da projeção deste material sobre os limites do
compasso. Tal observação se alinha com o conceito de “métrica derramada” proposto por
Ulhôa (1999). O que observamos no caso específico do samba canção é que o derramamento
parece bem mais intenso em direção ao atraso.
Tendo utilizado para detectar tais deslocamentos um modelo que acreditamos refletir
as expectativas de um músico ou ouvinte imerso na tradição do samba, temos consciência de
que para quem nunca escutou “eu nasci prá sofrê” , não há sentido em falar de elaboração,
deslocamento, etc. Pois é da relação entre expectativas e a resolução destas que surge a
intensificação do discurso no samba canção.
Como observa Meyer (1956) “o afeto ou emoção é despertado quando a expectativa
(...) ativada por um estímulo musical tem sua conclusão inibida ou temporariamente
bloqueada”
47
. A articulação atrasada dos versos desperta a atenção, ativa a curiosidade. Por
instantes muito curtos (da ordem de milissegundos) a impressão é de que a falta de sincronia
poderá levar a performance ao colapso. Esta ansiedade de parte de quem escuta intensifica a
percepção do conteúdo dramático do samba-canção.
Um fato curioso é que está na própria designação “samba-canção” uma pista dos
processos de elaboração rítmica do gênero. Relacionamos as antecipações, pouco freqüentes,
com o aspecto “samba”, por serem na maioria das vezes resultado do ajuste do texto ao
caráter sincopado do gênero. Os atrasos dos incisos, ou as elaborações em direção ao atraso,
foram relacionados com o aspecto “canção”: através da tensão criada por expectativas
postergadas pela elaboração rítmica, o intérprete concentra a atenção do ouvinte no conteúdo
lírico.
47
Affect or emotion-felt is aroused when an expectation – a tendency to respond – activated by the musical
stimulus situation is temporarily inhibited or permanently blocked. (Meyer, 1956, p. 31)
114
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O PESSOAL DA VELHA GUARDA. Programa nº2 de 15/10/1947. Cópia particular a partir
de fitas cassete editadas pelo Selo Collectors.
• FONOGRAMAS ANALISADOS
Intérprete Gravadora Número Matriz Ano
Linda Flor Vicente Celestino Odeon 10338-A 2255 1929
Meiga Flor Francisco Alves Parlophon 12.909-A 2215 1929
Iaiá Araci Cortes Parlophon 12.926-A 2366 1929
Iaiá (Linda Flor) Orquestra Pan American
Odeon 10378-A 2388 1929
Linda Flor – Ai Ioiô
Isaura Garcia RCA Victor
80.0178-B S-052917 1444
Ai Ioiô Araci Cortes Odeon 13.535-A 9850 1953
Linda Flor (Ai Ioiô)
Zezé Gonzaga Columbia CB10300-A CBO 848 1956
Linda Flor Elizete Cardoso Continental 17.354-B C-3902 1956
Linda Flor (Ai Ioiô) Ângela Maria
Copacabana
5.900-B M-2198 1956
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"Yoyo de Yayá"
Henrique Vogeler / Luiz Peixoto / Marques Porto
Garfia: Leonardo Bruno
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: Acho bonito, elegante e lógico
as apoggiaturas não resolverem
na exposição de B ... em B' , sim.
Leonardo Bruno
26/01/07
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119
Yoyo de Yayá / Grafia: Leonardo Bruno / 2
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Linda Flor ( Ai Ioiô )
Henrique Vogeler / Luiz Peixoto / Marques Porto
Grafia: Rildo Hora
Anexo 3
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Ai Ioiô / Grafia: Ridlo Hora
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Cristovão Bastos
Leonardo Bruno
Rildo Hora
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122
Ai Ioiô
Henrique Vogeler / Luiz Peixoto / Marques Porto
Comparando versões
Anexo 4
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As versões de Bastos e Hora
colocaram 1 compasso a mais de espera
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Esta versão com a quadratura correta !
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Ai, Io
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- - -
123
Ai Ioiô /
Comaparando versões
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4
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Linda Flor
Henrique Vogeler / Cândido Costa
Gravação: Vicente Celestino (1929)
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~ 60 (57-66) / Láb Maior
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Iaiá ( Ai Ioiô )
Henrique Vogeler / Luiz Peixoto / Marques Porto
Gravação: Araci Cortes (1929)
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~ 75 (74-76) / Sol Maior
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Iaiá ( Ai Ioiô) /
versão: Araci Cortes 1929
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Iaiá ( Linda Flor )
Henrique Vogeler / Luiz Peixoto / Marques Porto
Gravação: Orquestra Pan American (1929)
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~ 85 (84-87) / Sol Maior
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131
Iaiá ( Ai Ioiô) /
versão: Orquestra Pan American
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132
Ai Ioiô
Henrique Vogeler / Cândido Costa
Comparando as partes instrumentais,
a versão da Orquestra Pan American
e o modelo construído no capítulo 2
Anexo 9
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Instrumental : versão Francisco Alves
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ca sa, me dei xa mais
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não- - - - - - - -
133
Ai Ioiô /
Partes instrumentais, Pan American & modelo/ 2
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ORQUESTRA (dentro do tema)
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Linda Flor - Ai Ioiô
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Linda Flor - Ai Ioiô
Deslocamentos dos apoios dos incisos
na versão Isaura Garcia (1944)
Anexo 11
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139
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Henrique Vogeler / Luiz Peixoto / Marques Porto
Gravação: Araci Cortes (1953)
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Gravação: Zezé Gonzaga (1956)
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IIª vez
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Iª vez
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146
Linda Flor ( Ai Ioiô )
Anexo 14
Deslocamentos dos apoios dos incisos
na versão Zezé Gonzaga (1956)
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Iª vez
Modelo
IIª vez
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Ai Ioiô /
Deslocamentos de incisos/ versão: Zezé Gonzaga
147
LISTA DAS GRAVAÇÕES DO CD EM ANEXO
Intérprete Ano
Obs
01
Linda Flor
(Henrique Vogeler/Cândido Costa)
Vicente Celestino 1929
02
Meiga Flor
(Henrique Vogeler/Freire Jr.)
Francisco Alves 1929
03
Iaiá
(Henrique Vogeler/Luis Peixoto /Marques Porto)
Araci Cortes 1929
04
Iaiá (Linda Flor)
(Henrique Vogeler/Luis Peixoto /Marques Porto)
Orquestra Pan
American
1929
05
Linda Flor - Ai Ioiô
(Henrique Vogeler/Luis Peixoto /Marques Porto)
Isaura Garcia 1444
06
Ai Ioiô
(Henrique Vogeler/Luis Peixoto /Marques Porto)
Araci Cortes 1953
07
Linda Flor (Ai Ioiô)
(Henrique Vogeler/Luis Peixoto /Marques Porto)
Zezé Gonzaga 1956
08
Linda Flor
(Henrique Vogeler/Luis Peixoto /Marques Porto)
Elizeth Cardoso 1956
09
Linda Flor (Ai Ioiô)
(Henrique Vogeler/Luis Peixoto /Marques Porto)
Ângela Maria
1956
10
Programa O Pessoal da Velha Guarda
Programa nº2 de 15/10/1947
1947
Introdução do
programa com a
narração de Almirante
11
Segredo
(Herivelto Martins/Marino Pinto)
Zezé Gonzaga 1985
12
Cansei de Pedir
(Noel Rosa)
Violeta Cavalcante
1985
13
Cansei de Pedir
(Noel Rosa)
Olívia Byington
1997
14
Carinhoso
(Pixinguinha/João de Barro)
Orquestra Típica
Pixinguinha- Donga
1928
15
Carinhoso
(Pixinguinha/João de Barro)
Elizeth Cardoso 1967
16
Carinhoso
Elizeth Cardoso
30 segundos iniciais
17
Carinhoso
Elizeth Cardoso
30s + metrônomo
148
Livros Grátis
( http://www.livrosgratis.com.br )
Milhares de Livros para Download:
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