( PDF ) A dimensão do silêncio no cinema de Valerio Zurlini

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UNIVERSIDADE DE SÃO PAULO

ESCOLA DE COMUNICAÇÃO E ARTES

DEPARTAMENTO DE CIÊNCIAS DA COMUNICAÇÃO

CELIA REGINA CAVALHEIRO

A Dimensão do Silêncio no Cinema de Valerio Zurlini

SÃO PAULO - 2008 -

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CELIA REGINA CAVALHEIRO

A DIMENSÃO DO SILÊNCIO NO CINEMA DE VALERIO ZURLINI

Tese apresentada ao Programa de

Pós-Graduação em Ciências da

Comunicação, Área de Estudo dos

Meios e da Produção Midiática,

Linha de pesquisa Sistemas de

Significação em Imagem e Som, da

Escola de Comunicação e Artes da

Universidade de São Paulo, como

exigência para obtenção do Título

de Doutor em Ciências da

Comunicação, sob a orientação da

Prof. Dra. Mariarosaria Fabris.

SÃO PAULO – 2008 -

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Cavalheiro, Celia Regina.

A Dimensão do Silêncio no Cinema de Valério Zurlini /

Celia Regina Cavalheiro – São Paulo: C.R.Cavalheiro,

2008.

143 p.

Tese (Doutorado) – Departamento de Ciências da

Comunicação / USP. 03/04/2008.

Orientador: Mariarosaria Fabris.

Bibliografia:

1- Cinema Italiano. 2- Comunicação. 3 – Existencialismo

no Cinema. 4 – Pós – Neo-Realismo. 5 – Fabris,

Mariarosaria. II. Título.

CDD 21.ed.302

COMISSÃO JULGADORA

Agradecimentos

Agradeço especialmente à Profa. Dra. Mariarosaria Fabris que, desde o

mestrado, vem me dedicando sua atenção, seu tempo, boa vontade e paciência;

e a Ismail Xavier, Rubens Machado, Afrânio Catani e Eduardo Morettin, pela

acolhida sempre tão gentil.

Meus agradecimentos eternos:

ao Rubens, ‘companheiro inevitável’, poeta preferido e ouvinte dedicado;

ao meu querido Rafael, incrível memória cinematográfica, carinho e disposição;

à Cida, Maria Alice e Carol (a do meio), constância, carinho e olhos atentos;

ao Nivaldo, indispensável apoio técnico;

à Maria Socorro, amiga elegante, de boa terra e leitora interessada;

ao Chico, pela infinita correspondência e sinceridade;

ao Pachi, desde o ‘dia em que eu nasci’.

Esta tese é dedicada ao meu amigo ‘Bárbaro’, Samuel Leon, idéias sem fim;

e à minha filha linda Marcela, pelo prazer de re-ler e re-ver, tudo, sempre.

Resumo

Análise do que entendemos ser a questão central no cinema de Valerio Zurlini, a

dimensão do silêncio, e como isto é pontuado através de pausas, elipses e silêncios entre as

imagens. Por uma ótica proporcionada pelo filtro estilístico do próprio diretor, dois de seus

oito longas-metragens ganham destaque: Dois Destinos e A Primeira Noite de Tranqüilidade.

O tom das recordações, a diferenciação do uso da memória e o sentimento – que é

sempre um sentimento de morte que aparece muito mais como linguagem metafórica, ou corte

para uma linguagem suplementar, outra margem a ser seguida – regendo as ações dos

personagens, que, desta maneira, constituem uma atmosfera existencialista, condizente com a

época mas também com a herança cultural e religiosa de Zurlini.

Uma proposta, portanto, de inserir a originalidade fílmica deste diretor e a sua

relevância no cenário cinematográfico europeu.

Palavras-chave:

Cinema Italiano; Valerio Zurlini; Dois Destinos; Existencialismo; A Primeira Noite de

Tranqüilidade; Silêncio; Memória; Pausa.

Abstract

This is an analysis of what we understand to be the main issue in Valerio Zurlini's

cinema, the measure of silence, and how this is pontuacted in the form of pauses, ellipses and

silences among the images. Trought the esthetic filter that the director himself provide to us

two of his works come forward: Cronaca Familiare (1962) and La Prima Notte di Quiete

(1972).

The tone of reminiscence, the difference in the use of memory and emotion - that is

presented as sense death as a metaphor, or juxtaposed to a supplementary language, yet

another line to be pursuit - dictating the characters actions in a existentialist manner, in touch

to his time but, also, with Zurlini's cultural and religious heritage.

A proposal, therefore, to contextualise the original work and the importance of this

film director inside the european cinematographic scene.

Key Words:

Italian Cinema; Valerio Zurlini; Cronaca Familiare; Existencialism; La Prima Notte Di

Quiete; Silence; Reminiscence; Pause.

Sumário

Introdução-------------------------------------------------------------------------------------- 8

A Dimensão do Silêncio.

Uma apresentação de Valerio Zurlini-----------------------------------------------------17

Sobre O Deserto dos Tártaros----------------------------------------------------------------41

A Dimensão do Silêncio-----------------------------------------------------------------------47

O Desenho da Ausência:

“Cronaca Familiare – Dois Destinos”

O Filme------------------------------------------------------------------------------------------57

As elipses narrativas--------------------------------------------------------------------------70

O Tempo dos personagens-------------------------------------------------------------------80

À Margem do Silêncio de Deus:

A Primeira Noite de Tranqüilidade

A noção existencialista-----------------------------------------------------------------------99

Uma palavra sobre a ausência de Deus-------------------------------------------------123

Conclusão-------------------------------------------------------------------------------------132

Filmografia-----------------------------------------------------------------------------------137

Ficha técnica---------------------------------------------------------------------------------138

Bibliografia-----------------------------------------------------------------------------------140

Introdução

“Fugiste, gesto? A vida, essa, totalmente fora de mim.

Alheia como vistas na tela. Cinema dos outros. Uma moça

que me quer bem. Pois bem. A ela, eu diria: cenas que

comovem, vistas e revistas, são sempre. Até a emoção é

cena. A inspiração, que é uma forma de respirar e deixar

passar o ar. Pela boca, também. E o ar saindo,

metodicamente entrecortado de silêncios, vai formando o

que se chama voz – e parece dizer algo. A presença se

adensa. Pérolas, vôos de pássaro sem pássaro, pouso de

plumas, diretamente, no mesmo ar. Laços, pequenas

liberdades, abstratas no espaço disponível. Cena, cena.

Dedos articulando solidões e seus espaços. Refinada

química dos afetos, cristalizações de um fluxo sem nome.

Imagens. Intensidades mentais. A cena estaria completa.

Resta um fio de voz, buscando rumo para o contorno. E é

dele que se trata, súbito.”

plano-seqüência

Rubens Rodrigues Torres Filho.

O interesse em escrever uma tese sobre Valerio Zurlini surgiu, antes de tudo, do

impacto com o filme La Prima Notte di Quiete (A Primeira Noite de Tranqüilidade, 1972).

Numa primeira impressão, estava ali de forma imagética, ao alcance dos olhos, portanto, todo

o posicionamento existencialista sendo traduzido em expressões, emoções contidas, ambientes

embaçados, paisagem inóspita e, principalmente, pouca fala. As comparações com os

personagens de romances como A Náusea, de Jean-Paul Sartre, ou O Estrangeiro, de Albert

Camus, com o taciturno professor que passa a vida tentando se familiarizar com a morte, até

encontrá-la de fato, eram inevitáveis, apesar de não diretas, mas ainda assim, dados não

suficientes para formalizar uma teoria sobre o diretor. Sendo que a partir de Cronaca

Familiare (Dois Destinos, 1962), filme da década anterior, marcado por uma estética diversa

mas que já continha o cerne das questões que se acirrariam depois – a intimidade dos

sentimentos; a perda; a sensação de inutilidade do homem perante a vida –, formalizou-se,

através de uma sugestão feita por minha orientadora, a intenção de trabalhar uma análise

comparativa entre o romance Cronaca Familiare, de Vasco Pratolini e Dois Destinos, o filme.

Ao conhecer seus outros longas-metragens mais uma vez a impressão inicial ganha

uma nova forma; percebe-se, com a visão do conjunto, que a questão existencialista é a tônica

de toda sua obra: sua herança religiosa, sua formação cultural – quase autodidata, apesar dos

cursos em artes –, o período em que passaria sua juventude e o posicionamento político e

social que aconteceria com o pós-guerra, firmariam um constante questionamento perante a

existência, o sentido dela, e as condições para expressar essas dúvidas e novas atitudes.

Juntando-se a isto um modo de ser próprio do diretor que, por temperamento ou vocação,

encarava de maneira não muito otimista as relações humanas, chegando mesmo a afirmar, à

propósito de sua adaptação do romance de Dino Buzzati, que: “Viver a vida não tem outra

finalidade a não ser deixá-la passar e a morte é a única justificativa. (...) A validade de um

sentimento não existe, a validade de uma ilusão não existe, não há idealismo que se sustente,

não há nada que esteja fora da amarga sobrevivência. (...) É inútil amar porque amar

implica infelicidade, é inútil acreditar em alguém, porque nos desiludiremos.”

(1)

pessimismo e desilusão condizentes com a maneira de apresentar seus personagens, com o

modo de apresentar o conteúdo de suas histórias, mas não na maneira de expressar sua arte, de

conduzir, com requinte, a plasticidade de seus filmes. Esta controvérsia – feliz – do diretor

italiano acabou por despertar o interesse pela observação da linha em que conduziu o trabalho

de seus oito longas-metragens.

Característica de uma época ou não, na obra de Zurlini – tanto a realizada como em

seus projetos inacabados – não se encontra nenhuma preocupação com modismos ou

necessidade de se agregar a alguma corrente. Contemporâneo de Michelangelo Antonioni,

Federico Fellini, Pier Paolo Pasolini e Ingmar Bergman (para citar uma mesma tendência

existencial nos anos sessenta e setenta), o diretor se preservou num estilo próprio, mantendo-

se fiel a algumas buscas pessoais e, também, a questões que se consolidaram de maneira

quase obsessiva, como a idéia da transitoriedade das emoções

(2)

e ao tratamento dado à

noção de finitude, encontrando no relato da morte o único exemplo de redenção possível. Ao

analisar seus longas-metragens (não houve acesso, infelizmente, a seus curtas-metragens)

pôde-se perceber, se não uma evolução temática, uma linha estilística que se enquadra à

medida que o tema se adensa. Da comédia inocente de seu primeiro filme Le Ragazze di San

Frediano (Quando o Amor é Mentira, 1954) – onde já se encontra o drama das relações na

dificuldade daqueles jovens em se adaptar à vida adulta e na dualidade entre o certo e o errado

– à reflexão mais profunda sobre o vazio da existência, estampada no rosto do oficial Drogo,

em Il Deserto dei Tartari (O Deserto dos Tártaros, 1976), a preocupação está centrada no ser

humano, em sua fragilidade, em sua plenitude sempre ameaçada. E, mais importante do que

os próprios temas, a assinatura de Zurlini se encontra na recorrência das imagens que evocam

estes temas – as paisagens desertas, o mar de inverno, as estações, as longas angulações de

ruas vazias – e na pontuação aguda provocada pelo som incisivo do solo de instrumentos

musicais (principalmente o trompete) que recorta o silêncio das paisagens.

E Zurlini é mesmo o cineasta da paisagem, mas também do ‘estado de alma’ de seus

personagens, paisagem interna que ele consegue transpor para as fotografias dos seus filmes.

Seu interesse primeiro está nas nuances do comportamento, no tipo de sentimento e nas

reações provocadas por esses sentimentos que regem as ações humanas. Daí a preocupação

com o entorno, a mansidão com a qual a sua câmera apresenta o cenário natural antes do

personagem fazer parte dele, como uma espécie de anunciação desse ser e da sua história;

ampliando a função da paisagem no espaço diegético, e possibilitando uma harmonia entre o

que se conta e o que está apenas suposto, internamente. Como as longas tomadas pelo porto

de Rimini, em A Primeira Noite de Tranqüilidade, com a água batendo nas pedras do cais, o

mar agitado, o ambiente inóspito e frio preparando o close no rosto do protagonista, este

também distante e solitário como aquele porto. O diretor vai retratando, compondo, com

extrema delicadeza, o desenho não só do que está fora, a paisagem de fato, como também as

lembranças vão sendo, desta maneira, recompostas, principalmente a condição de

interioridade e subjetividade do personagem, e a sua integração lenta e gradual com a história.

Esta a leitura que nos chama a atenção. E para acolher o processo de significativa

maduração desses temas, focalizados, principalmente, ao representar a solidão do homem

perante a imensidão da qual ele se dá conta, como vazio, como ausência irremediável e de si

mesmo, optamos pelo recorte em dois de seus filmes – Dois Destinos e A Primeira Noite de

Tranqüilidade – os mais comprometidos com esta via. Neste sentido, começar a reflexão por

um esboço um pouco mais apurado do último de seus filmes, O Deserto dos Tártaros, onde

está explícita a tendência humana à conformação desta solidão – sempre através de uma lenta

compreensão advinda do sofrimento – serve para um olhar retrospectivo, apontando para a

realização de um enunciado, coerência proporcionada, em parte, pelo número limitado de

obras deixadas pelo diretor que, talvez também em nome desta coerência, tenha se restringido

a tão poucas realizações. Mas o mais importante é destacar que nestes três filmes, além do

aspecto da ‘salvação’, busca constante de seus personagens, forma-se um retrato do

irreparável, da impossibilidade, enfim, da dimensão do não dito como uma concretização do

destino. Isto inserido num contexto que advém da literatura, no estilo contido da literatura

existencialista, estilo que marca a pontuação que nos interessa na cinematografia de Valerio

Zurlini. Trata-se de uma tendência que mobiliza esse novo olhar para o questionamento

humano, que vai situar o cinema de Zurlini, caracterizando a influência de importantes

diretores, como já foi dito acima. Pois, do final dos anos 50 em diante, surgiram filmes como

Europa 51 (Europa 51, 1952), Viaggio in Italia (Viagem à Itália, 1953), La Paura (1954) de

Roberto Rosselini; Le Amiche (As Amigas, 1955), L’Eclissi (O Eclipse, 1961), La Notte (A

Noite, 1960), de Antonioni; La Strada (A Estrada da Vida, 1954) La Dolce Vita (A Doce

Vida, 1960), Giulietta degli Spiriti (Julieta dos Espíritos, 1965) de Fellini; e os três filmes

feitos em seqüência por Bergman que, ao tratar do questionamento sobre a fé (já iniciado com

Le Journal d’un curé de campagne (Diário de um Padre, de Robert Bresson, em 1950),

realiza, acima de tudo, um fecundo diálogo sobre as questões existenciais: Saason I em Spegel

(Através de um Espelho, 1961), Nattvardsgasterna (Luz de Inverno, 1962) e Tystnaden (O

Silêncio, 1962) – filmes comentados no terceiro capítulo desta tese. E, se influência direta ou

não, o que marca o cinema de Zurlini é, portanto, essa maneira econômica, silenciosa,

respeitosa nos espaços e tempos adequados ao filmar, que é uma modo peculiar de retratar a

condição humana.

Pode ser atribuído a Zurlini, a característica de transmitir a desilusão intrínseca ao ser

humano, sem no entanto, uma ostentação exacerbada do sofrimento; seus personagens

percorrem uma eterna viagem para dentro e, se não se constata uma grande revolução, há, ao

menos, o movimento, uma rejeição ao sentimento morno e a re-afirmação do ser livre, que

acaba por encontrar o seu lugar no mundo, através da memória e da identificação. O que, em

termos de literatura, nos remeteria ao mesmo posicionamento encontrado em Sartre, em

relação à sua capacidade de fazer com que seus personagens encontrem um modo de

continuidade e re-significação – apesar da constatação do senso de fracasso existencial –

dando ao homem uma possibilidade de salvação. Assim, como no romance já citado A

Náusea, o seu herói encontra na escrita, ao final, depois de todo mal estar concreto com as

coisas, um modo de libertação, também nos personagens zurlinianos podemos observar estes

momentos nos quais eles são conduzidos a um ponto onde conseguem se agarrar em algo e

continuar. Seja a própria memória – que possibilita a re-construção de suas histórias –, seja a

identificação com o grande sentimento, a fusão no outro, o amor. Mas o interessante nesta

comparação é notar que isto tem um fim, é só um respiro, como um momento de melhora

súbita antes da visita fatal; o que faz com que tenhamos sempre que reconsiderar as

influências do diretor. Em livro recém-publicado sobre a relação entre Sartre e Camus,

encontramos o seguinte comentário bastante apropriado para a nossa análise:

“O brilhante jovem filósofo tomou o absurdo como seu ponto de partida e, lentamente,

nos cinco anos entre ‘A Náusea’ e ‘O ser e o nada’, explorou como a atividade humana

constitui um mundo significativo a partir da existência bruta e sem sentido. O romancista

filosófico (Camus) construiu toda uma visão de mundo seguindo a noção de que o absurdo é

um dado intransponível da experiência humana.”

(3)

Diferença que corrobora a intenção aqui presente de não classificar o diretor, mas

inseri-lo num contexto onde ele tenha se servido de teorias, idéias, tendências para conformar

a sua própria visão da condição humana, muitas vezes mais pessimista do que qualquer destas

filosofias.

E no universo em que circula Zurlini, também nestes três filmes há este tipo de

diferencial no modo de ver o homem, uma desilusão marcada pela esperança quando há o

enfrentamento dos sentimentos; seus personagens geralmente têm um momento de fuga, de

esquecimento, uma quase alegria dentro de uma vida já condenada. O soldado de O Deserto

dos Tártaros que, acima de tudo, olha para aquele deserto, para aquele Forte, em muitos

momentos, como sendo a sua casa; o deixar-se apaixonar, componente sem dúvida, de maior

esperança, do personagem do professor em A Primeira Noite de Tranqüilidade; e o irmão

frágil, doente, em Dois Destinos, que assim mesmo consegue resgatar o outro, e formar

novamente a memória da família. Sendo que isto acaba se transformando numa maneira

peculiar do diretor, de retratar a vida que passa.

Após lançar a possibilidade de um olhar retrospectivo em seus temas através de um

esboço de seu último filme, optamos por destacar uma problemática mais específica a cada

um dos outros dois filmes escolhidos. No primeiro, a pontuação diferenciada na narrativa,

proporcionada pelas pausas e pelo silêncio que permeiam as dolorosas lembranças do irmão

ao procurar entender, ele mesmo, o não comprometimento com seu passado, compondo, desta

maneira, um modo de se salvar. Para isto destacamos na narrativa em flashback várias

possibilidades de recompor este passado: uma linear, introduzida no começo do filme com a

notícia da morte do irmão, quando, após participar da dor estampada no rosto do protagonista,

o espectador pode mergulhar na sua memória e ir conhecendo os fatos precedentes; outra, a

descoberta de uma história afeita a diferentes interpretações que vão se complementando, uma

vez que, à medida em que o protagonista mergulha em suas recordações ele vai se dando

conta de coisas, sentimentos que estiveram à margem de sua vida por um tempo bastante

significativo, podendo, através do sofrimento, compreendê-las; e ainda a possibilidade de

reconstruir este universo que vai se descortinando, tanto para o narrador quanto para o

espectador, através de uma nova linguagem, constituída pelo silêncio, pelo não dito, por tudo

aquilo que vai sendo elipsado naturalmente no relato de tantos anos. Dado que o silêncio

implica em ordem, harmonia e campo para a perfeição do estado das coisas, em oposição

explícita ao caos das ações rápidas que constituem o presente, observamos, no modo de

Zurlini transpor este relato para a tela, que tudo que se forma como expressão, pausa,

fotografias, surge para compor uma espécie de organização das idéias, muito mais do que o

simples rememorar da infância ou as perdas pelo caminho. Um tempo re-inaugurado,

portanto, não pela simples rememoração das coisas, mas pela compreensão delas. O silêncio

provocado pelo diretor no relato dos dois irmãos recorre a uma necessidade de posicionar o

homem como um ser que, em algum momento, percebe poder dispor de si mesmo e decide

recuperar, através das lembranças, um conforto – até mesmo físico, uma trégua para a dor –

para seu estado atual. Como encontramos na teoria bergsoniana acerca da percepção e da

memória e a relação com a matéria:

“A verdade é que a memória não consiste, em absoluto, numa regressão do presente

ao passado, mas, pelo contrário, num progresso do passado ao presente. É no passado que

nos colocamos de saída. Partimos de um ‘estado virtual’, que conduzimos pouco a pouco,

através de uma série de ‘planos de consciência’ diferentes, até o termo em que ele se

materializa numa percepção atual, isto é, até o ponto em que ele se torna um estado presente

e atuante, ou seja, enfim, até esse plano extremo de nossa consciência em que se desenha

nosso corpo. Nesse estado virtual consiste a lembrança pura.”

(4)

Se, em Dois Destinos, já encontramos esta atitude de posicionar o homem como

responsável solitário de sua colocação no mundo e em busca de alívio para suas angústias,

seja através dos mecanismos da memória ou da exata consciência da responsabilidade de seus

atos, no outro filme, a questão explícita do vazio da existência, da busca de um sentido num

tempo já inadequado para isto, ultrapassa, de alguma maneira, a discussão filosófica pura para

desembarcar num contexto onde algumas outras preocupações se impõem. Afinal, nesta

história, a discussão ao redor do desconforto do homem vem acompanhada de uma atitude

diferenciada do indivíduo perante uma sociedade em decadência, mas que ainda se impõe a

ponto de anulá-lo. Não que no filme anterior não haja a controvérsia de um novo mundo que

se descortina com o pós-guerra, e a obrigatória reavaliação de valores; mas, em A Primeira

Noite de Tranqüilidade, a trajetória do professor, com seu passado irrecuperável e sem

sentido, marca a demolição de um conceito de sociedade, inclusive de um ilusório pedestal

em que estaria colocada a classe intelectual. Aqui, em todos os posicionamentos e referências

culturais, há uma volta ao discurso mítico, ao passado arquetípico e ao paradoxo do

sentimento eterno. Por isto nos valemos da discussão existencialista e de alguma comparação

com os anti-heróis desta literatura. E, também por este motivo, não nos posicionamos acerca

desta ou daquela teoria, mas mantivemos o não acabamento, próprio de Valerio Zurlini,

acerca das proposições imperativas em sua época.

Ao pensar numa apresentação de Valerio Zurlini, é fácil se dar conta que seus títulos

possuem pouca abrangência no mercado nacional, ocupando lugar apenas na lembrança de

cultivadores do cinema europeu dentro ou fora da academia, fato que se repete mesmo em seu

país de origem, apesar da tese, que muito colaborou para nossa pesquisa, de Gianluca Minotti,

mencionada em notas e na bibliografia. Daí o primeiro capítulo ser dedicado a uma pequena

apresentação do diretor e se valer, extensamente, de alguns aspectos de uma relevante

entrevista gentilmente fornecida por ele ao crítico Jean Gili, dado que, frente à pouca fortuna

crítica

(5)

, faz com que suas idéias alcancem relevância ainda maior. No mais, o interesse

principal, é o da análise das peculiaridades fílmicas de Zurlini, no sentido do embasamento

filosófico e pessoal que ele sempre dedicou à sua obra.

Notas:

1- Declaração feita em entrevista concedida a Jean Gili, reunida posteriormente em

volume organizado por Martini, Giacomo. Una regione piena di cinema – Valerio

Zurlini. Roma: Cinecittà Holding, 2000.

2- Cf. Minotti, Gianluca. Valerio Zurlini. Milano: Il Castoro, 2001.

3- Aronson, Ronald. Camus e Sartre – O polêmico fim de uma amizade no pós-guerra.

Rio de Janeiro: Nova Fronteira, 2007, p. 35.

4- Bergson, Henri. Matéria e Memória. São Paulo: Martins Fontes, 2005, p. 280.

5- O crítico de cinema Bruno Torri, em depoimento recolhido nos extras do DVD, A

moça com a valise (em cópia restaurada lançado pela Versátil Vídeos, 2007),

afirma: “Após a sua morte os filmes de Zurlini foram objeto de uma reavaliação pela

crítica italiana, mas não esqueçamos que a crítica francesa, ao contrário, o havia

apreciado muito, ainda em vida, sobretudo as revistas especializadas de cinema.” E,

de fato, nos anos 60 e 70 foram publicados artigos e resenhas nas revistas “Positif”,

“Etudes Cinématographiques”, Cahiers du cinema”, “La Revue du Cinema” e

“Lectures” . Conforme consta na bibliografia de Minotti, Gianluca, op. cit.

* * *

A DIMENSÃO DO SILÊNCIO

A – Uma Apresentação de Valerio Zurlini

“Percebo muito bem, meu amigo, é preciso

genialidade para tudo, inclusive para o martírio.”

Goethe

Valerio Zurlini nasceu em Bolonha, no dia 19 de março de 1926. Morreu em Veneza,

aos 56 anos, no dia 27 de outubro de 1982. De família tradicional italiana, teve como

formação uma educação cristã acirrada pelo colégio jesuíta Massimo, em Roma, para onde se

mudou ainda pequeno. Concomitante aos seus estudos de Direito, Zurlini freqüenta, ainda

bem jovem, o Centro Universitário de Teatro e um curso sobre História da Arte, de onde viria

seu interesse pelas artes e pela pintura(i). Além das leituras paralelas que costumava fazer de

grandes nomes da literatura, principalmente Tolstoi, Stendhal, Flaubert, Manzoni, Thomas

Mann, entre outros nomes da filosofia: Descartes, Santo Agostinho, Pascal...

Zurlini se interessou pelo cinema também muito cedo mas, apesar dos mais de trinta

anos dedicados a ele, realizou apenas oito longas-metragens. Porém, antes de estrear com

Quando o Amor é Mentira (Le Ragazze di San Frediano), em 1954, ele já havia realizado 12

documentários, que constituem seu aprendizado cinematográfico. Nesses documentários,

concebe assuntos que vão desde a luta cotidiana de boxeadores, à jornada de músicos

ambulantes de pianola; ou simplesmente o desfile dos tipos que circulam pela estação de trem,

na capital italiana. A câmera que percorre a cidade, construindo um ‘registro da realidade’, vai

dar corpo ao mundo ficcional de seus filmes posteriores, embora em seu quarto longa-

metragem, Dois Destinos, (Cronaca Familiare), de 1962, o olhar do diretor venha se valer

principalmente da influência da pintura (mais diretamente dos pintores italianos Ottoni Rosai,

Giorgio Morandi e Carlo Carrá), temática já inserida também em seus primeiros

documentários.

Essa atitude de percorrer a cidade e seus tipos formam as primeiras experiências do

diretor, apurando seu olhar na observação do mundo e definindo uma maneira de filmar seus

principais objetos e temas de interesse. Ideais que seriam definidos não tanto por sua

formação intelectual, mas principalmente por sua juventude ter sido passada nos anos mais

significativos da recente história da Itália (e do mundo), a Segunda Guerra Mundial.

Reunindo-se em 1943 ao Corpo Italiano de Liberação, passou dois anos em contato com as

pessoas simples do povo, em diversos lugares, ocasião em que teve a oportunidade de

conhecer intimamente o seu país.

Daí um sentimento sempre presente da constatação da tragédia, num processo onde o

ser humano – ou cada personagem seu – vai percebendo a sua situação diante da vida, que é

uma situação limítrofe perante os esforços de transformação, porque justamente

acompanhados da consciência de impotência diante dos fatos. Sentimentos, sensações,

experiências de vida afinados por um embasamento intelectual, coerente com a análise e

aprofundamento da problemática de seu tempo: o final da Segunda Guerra Mundial e o

reflexo político e social que se estenderia até o final dos anos 70. Época que se caracterizaria

pela idéia de uma revolução sempre em andamento, forçosamente recomposta, manifesta na

contemporaneidade dos movimentos artísticos e, principalmente, numa renovação da

linguagem cinematográfica européia que, ao se distanciar do cinema clássico americano, vai

se firmar como representante de uma nova imagem do ser humano: falível, desajeitado, nem

sempre herói, nem sempre disposto a uma reconstrução de seu país, concentrado em suas

angústias e em seus afazeres cotidianos; ou seja, na realidade. E Valerio Zurlini está inserido

neste quadro de maneira a surpreender também esta nova maneira de exposição do homem na

sociedade, dando um tratamento mais íntimo e profundo a seus ‘heróis’, como atesta Jean

Gili, no final de seu ensaio sobre o diretor:

“No realismo cinematográfico italiano, Zurlini ocupa uma posição bastante

particular: isto é, a que procura filmar a realidade interior. O cineasta pertence a uma

espécie de geração perdida, solitária e distante frente a um mundo sem qualidade, dilacerado

por contradições que o impelem num único movimento em direção à exaltação romântica e

em direção à vontade de auto-destruição.”

(2)

Esta diferenciação, ainda que parcialmente possa ser comparada com o tratamento

dado por Antonioni a seus personagens, impõe uma marca na curta cinematografia de

Zurlini. E é na coerência da escolha de seus temas, muitas vezes comprometidos com uma

tradição literária, que se pode destacar a trajetória do diretor.

* * *

Não existem muitos depoimentos de Valerio Zurlini, apesar dele manter a escrita

como uma complementação de sua obra cinematográfica, sendo que seu último registro Gli

anni delle immagini perdute, foi publicado postumamente em 1983. Decidimos, para

apresentar seus longas-metragens, pela tradução parcial da entrevista concedida ao crítico

francês Jean Gili, já citado acima, entre 1976 e 1977

(3)

– talvez sua entrevista mais longa e

detalhada – onde o diretor fala de toda a sua produção, dos problemas que enfrentou e de seus

projetos inacabados, fazendo uso de trechos que serão intercalados aos comentários de seus

filmes, para um melhor enfrentamento das questões aqui apresentadas. Começando com a

resposta às primeiras questões propostas pelo entrevistador, que se referem à sua formação e

às suas primeiras decisões profissionais:

“O Direito é um ofício completamente casual: estudei para contentar meu pai. Depois

da formatura, estudei por muitos anos Letras e História da Arte. O caminho que me levou ao

cinema passa pela História da Arte, uma história vista de modo muito particular. A partir

dela realizei documentários sobre Arte. Quando era estudante me ocupava do teatro

universitário de Roma: ao redor daquela sala, destruída pelos bombardeios e reconstruída

depois da guerra, nasceu o Centro Universitário de Teatro que, junto à Academia de Arte

Dramática, constituiu o mais importante centro de convivência das jovens comunidades

teatrais italianas. Do teatro universitário surgem atores como Marcello Mastroianni,

Giulietta Massina, Gabriele Ferzetti; até Anna Proclemer passou por ali nos anos 39-40.

Depois do teatro universitário de Roma fui para Milão, onde fiz por um ano assistência de

direção. Naquele período fiz minha primeira experiência cinematográfica como cenógrafo e

figurinista para filmes publicitários, para os quais também escrevi pequenos textos: era um

modo de ganhar algum dinheiro e reparar um pouco a minha miséria. Um dia, para

substituir Mario Landi – que mais tarde se tornou um célebre diretor televisivo – rodei o

primeiro enquadramento cinematográfico para um filme publicitário: e fazendo este trabalho

descobri que havia em mim qualquer coisa pré-existente, era dotado pela possibilidade de me

exprimir através da linguagem cinematográfica. De qualquer modo, nunca mais fiz estudos

teóricos fora da historiografia do cinema e também não fui assistente de nenhum outro

diretor. A despeito disto, desde o primeiro documentário ou do meu primeiro longa-

metragem, nunca mais tive problemas com montagem: a montagem dos filmes acontecia

espontaneamente dentro de mim. O que significa que estávamos filmando com uma

linguagem precisa. Provavelmente, graças à freqüência assídua nas salas de cinema, havia

assimilado uma espécie de formação que me consentia perceber o corte do enquadramento, a

lógica da seqüência, a exatidão de uma montagem. Tudo aquilo que concerne à formação

plástica me vinha, portanto, da história da arte e da freqüência contínua aos objetos visíveis.

Quanto à formação de roteirista, que, no fundo, todo diretor deve ter, boa ou má que seja, me

acontecia pelo fato que, na época, eu lia muito, ainda que de maneira desordenada. As

fronteiras acabavam de se abrir e chegavam à Itália novos movimentos e idéias de toda parte

do mundo: tentava-se mesmo modernizar um certo provincianismo da cultura italiana. Para

mim, até um certo ponto, a arte clássica prevaleceu sobre a arte contemporânea, os clássicos

obtiveram vitória sobre autores avidamente assimilados no curso daqueles anos. Mas esta,

mais que a história da minha formação, é a história do meu futuro.”

E, também, quanto ao início da realização dos seus curtas-metragens:

“Não se tratava de um trabalho por encomenda, mas de um filme feito com a idéia de

que fazer-se notar com um documentário pode ser um cartão de visita para nos introduzir

no mundo do cinema. Este primeiro documentário eu o fiz – como, no fundo, acontece a

muitos jovens de hoje – vendendo a prataria, os livros raros e juntando um pouco de

dinheiro para começar a rodar.Bem ou mal cheguei, desta maneira, ao fim desta empresa –

tratava-se de um documentário sobre pugilistas diletantes, intitulado ‘Pugilatori’ – e eu

também o montei: Pietro Germi viu o filme e achou muito bonito, recomendando-o à LUX

que era então a mais importante casa de produção italiana. A LUX comprou o filme e me deu

alguns meses para finalizá-lo, isto é, sonorizá-lo. Com a LUX fiz outros dois documentários

e foi também a LUX que me permitiu a realização do meu primeiro longa-metragem,

‘Quando o Amor é Mentira’ .”

Nestes documentários

(4)

, existe uma forte relação entre o cinema documental e o

cinema ficcional, de influência literária, a que o cineasta se dedicaria a seguir, sendo esta

preocupação com o registro dos fatos e o foco no indivíduo comum determinante para suas

realizações posteriores, marcadas por uma cinematografia poética mas de cunho realista,

muitas vezes baseada nas memórias do diretor. Mas as adaptações literárias marcariam

definitivamente seus longas-metragens, escolhidas, muitas vezes, pela coincidência dos temas

de sua preferência. Seu filme, Le Ragazze di San Frediano (Quando o Amor é Mentira),

lançado em 1954, é a primeira incursão de Zurlini no longa-metragem, inaugurando um

itinerário ainda não completamente definido, mas já bastante autoral na liberdade com a qual

o diretor dá tratamento ao roteiro, feito sobre o romance homônimo de Vasco Pratolini:

“Depois do meu terceiro documentário, ‘Vinte e oito toneladas’, o engenheiro Gatti,

que dirigia a LUX, me chama e diz: “Comece a pensar num projeto para um longa-

metragem, porque a LUX produzirá seu primeiro filme”. Passaram-se dois anos dessas

palavras à realização de ‘Quando o Amor é Mentira’. Eu apresentei ao menos vinte projetos,

todos falidos porque muito ambiciosos ou muito pessoais ou muito caros. A LUX continuava

sua política de fazer nascer um diretor através da experiência que lhe revelasse a qualidade

profissional. E assim me ofereceram adaptar ‘Le Ragazze di San Frediano’, publicado em

1951. Mas devo dizer que, não obstante minha enorme admiração por Vasco Pratolini, este é

seu único livro que nunca me agradou. Por isto estava um pouco na dúvida sobre qual

resposta devia dar à LUX, por outro lado era evidente que se tratava de começar o primeiro

filme entrando pela porta principal, não como tantos outros cineastas que começam com um

melodrama de amor ou com a estória do cavaleiro de não sei onde; ao invés disso pude

entrar no cinema com a contribuição da cultura literária, mesmo que esse caminho não me

parecesse muito natural. Antes de dar uma resposta definitiva, encontrei Pratolini, lhe expus

minhas dúvidas e minha escassa adesão aos personagens. Pratolini me tranqüilizou e disse:

‘Eu escrevi um livro, você deve fazer um filme, portanto está absolutamente livre para fazer o

que quiser’. Assim, aceitei preparar ‘Quando o Amor é Mentira’”.

Neste filme, de fato, Valerio Zurlini aceitou o aval do escritor e emprestou um tom

entre o dramático e o já quase existencial – em suas próprias palavras: “uma comédia mais

melancólica, fazia rir, mas só até certo ponto” – às ações daqueles jovens que começavam,

atabalhoadamente, a provar sua independência. Mas numa chave ainda muito tímida o que

resta das ações destes personagens é a questão, moralizante, do enganador que termina

desmascarado e só. Analisando a obra do diretor retrospectivamente, pode-se perceber alguns

sinais neste filme que, mesmo amortizados pela comédia, fariam, mais tarde, a assinatura do

cineasta no tratamento de alguns temas que, em toda a sua cinematografia, e mesmo em seus

escritos, lhe foram caros, como: o fim dos sentimentos, ou o natural desgaste deles; o

indivíduo na dúvida da formação de seu caráter – entregar-se ou não ao desejo, aos afetos

efêmeros, seguir ou não o caminho reto de uma formação cristã –; a sociedade como

formadora da ordem, mas também como constante inquiridora dos deveres cumpridos.

Iniciando esta adaptação da obra literária de Pratolini com uma dedicatória (espécie de

marca do diretor que faria uso deste recurso em ao menos mais dois de seus principais

filmes): “...Este filme é dedicado a esses pobres rapazes, vítimas inocentes da própria

formosura”, Zurlini introduz a história fazendo, a um só tempo, um resumo do que vai se

passar, e também uma crítica, não à sociedade, aos costumes, ou à moral, mas uma crítica –

crítica aqui no sentido de leitura particular – às fraquezas humanas que, desafortunadamente,

têm início em plena juventude. A história é o tradicional mote que serve para a desventura

proposta na dedicatória: um jovem e belo rapaz, rodeado por também belas jovens (algumas

nem tão jovens assim) no bairro San Frediano, de Florença, assume sem nenhum problema de

consciência, as façanhas de um dom Juan pobretão. Trata-se de um mecânico que mora com a

família, alimentado pela mãe com grandes sanduíches que descem por um baldinho pela

janela – enquanto as vizinhas discutem sobre a culpa da fuga das galinhas – que, neste cenário

simples e cotidiano, dá início a uma série de namoros, alguns sem conseqüências, provando

a boa índole do rapaz, outros já nem tanto. Quando suas mentiras começam a se embaraçar,

causando uma série de desencontros amorosos – incluindo um noivado forçado por uma

ameaça de suicídio, em seguida desfeito por uma outra acusação de virgindade ultrajada –

ele ainda tenta fugir com uma de suas amantes, mas é pego na estação de trem e obrigado a

voltar para casa sob os socos e pontapés do irmão mais velho. Ao que o narrador, que surge

no final numa voz que evidencia a continuação da dedicatória, avisa que o castigo foi bem

empregado e que as jovens, envolvidas e apaixonadas, em muito pouco tempo nem se

lembrariam mais dele.

Concebendo o todo de sua obra, parece impossível que Valerio Zurlini pudesse se

comprometer com semelhante projeto, mas, para além das chances inicias que não podia –

nem devia – recusar, surge, neste primeiro filme, um modo de filmar que caracterizava uma

tendência pós-neo-realista, ao menos na escolha de alguns diálogos e, principalmente, na

escolha de atores principiantes (alguns, como Rossana Podestá e Giovanna Ralli, fizeram

carreira, além do ator principal Antonio Cifariello, cuja vida real era bem parecida com a de

seu personagem, sendo especialmente cuidado por todas as mulheres da família e que

morreria, prematuramente, nos anos sessenta, de um acidente de avião). Além disso, as cenas

seqüenciais são montadas, em todo o filme, valorizando um certo ambiente artístico/cultural

e, embora faça parte da história original o fato do pai de uma das ‘namoradas’ pertencer à

classe teatral, é claro que Zurlini, nem tão principiante assim neste quesito, privilegia as

seqüências das manobras do protagonista, ao transitar de uma moça para outra, sempre

focalizando um palco, o trecho de um ensaio; ou seja, um certo ritmo cultural que denota a

opção artística daqueles jovens e, o mais interessante, a moça que talvez mais desperte o amor

sincero deste dom Juan atrapalhado, é a que, justamente para poder abandoná-lo, abraça de

vez a carreira de bailarina de musicais.

Outro detalhe que insinua, embora ainda timidamente, toda a preocupação plástica e o

cuidado coreográfico do diretor é a seqüência em que Bob, como é apelidado o protagonista

(por se parecer com o ator Robert Taylor) está num clube noturno com a amante mais velha,

sempre ocupada com muitos planos e amigos, e vê entrar a aspirante à bailarina, que o

cumprimenta nervosa pois está esperando o pretendente também mais velho que, ao tirá-la

para dançar, passa a ser figurante numa dança de olhares do qual ele mesmo não participa, até

culminar com a fuga da moça por não suportar as lembranças com o tal Bob. Seqüência que

será felizmente amadurecida mais tarde e retomada em A Primeira Noite de Tranqüilidade,

filme de 1972.

* * *

O próximo filme de Zurlini, Verão Violento (Estate Violenta), de 1959, se sobrepõe a

um projeto pessoal do diretor que havia esbarrado em algumas dificuldades advindas de uma

certa inocência, agora sim de principiante, inexperiências que, na verdade, nunca foram muito

bem digeridas por ele, chegando mesmo a passar os últimos anos de sua vida na elaboração de

um livro que continha seus roteiros nunca filmados

(5)

. Neste hiato meio forçado, entre o

primeiro e segundo filmes, Zurlini acabou por concluir quase dois trabalhos ao mesmo tempo,

daí a curta diferença de tempo em que foram lançados, como veremos a seguir.

“Em 1955 estourou a primeira grande crise do cinema italiano. Eu esperava passar

pela malha fina com ‘Guendalina’, um roteiro que interessava a vários produtores. Mas a

propósito disto me aconteceu uma coisa antipática e desagradável: na minha total

ingenuidade deixei escapar o tema a Carlo Ponti que, tendo outros interesses, rodou o filme

depois, com um outro diretor. Havia assinado um contrato de cessão de direitos sem exigir

nenhuma garantia. O fato do meu roteiro ser filmado por um outro diretor, teve implicações

muito graves: difundiu-se, com efeito, a idéia que eu era um diretor difícil, muito exigente e

indeciso; nem eu mesmo sei tudo que foi dito (por aí). De qualquer modo, tudo isso me valeu

alguns anos de inatividade. Naquele período escrevi o roteiro de ‘A Moça com a Valise’.

Pelo filme se interessaram vários produtores, e ainda diversas atrizes como Sophia Loren e

Gina Lollobrigida. Durante as negociações para ‘A Moça com a Valise’, me pus a escrever

‘Verão Violento’ que, no final, pôde ser rodado antes do outro filme.”

“Digamos no entanto, espero ser perdoado pela falta de modéstia de tal comparação,

que lendo os clássicos entendi quanto é bela a fusão entre uma vida privada e os

acontecimentos históricos. A minha profunda formação tolstoiana se revela igualmente nesta

pequena equação: uma história privada é engrandecida, e se torna extraordinária, isto é,

necessária, se tiver como fundo um grande acontecimento histórico. Muitos me acusaram de

não ter conseguido operar a fusão entre o fato histórico e a vida privada; da minha parte,

posso dizer que Verão Violento foi feito em meio a muitas dificuldades. Teria que ser filmado

em oito semanas, não tive nem ao menos o uniforme dos soldados, fizemos isso com ‘quatro

tostões’, em condições de extrema miséria até a véspera da cena do bombardeio. Goffredo

Lombardo, o produtor, fez então uma escolha que mudou o destino do filme, decidindo

colocar naquela seqüência os meios de um filme normal, e ainda alguma coisa mais. A

seqüência foi filmada em onze dias com quatro câmeras e todos os recursos que poderia

haver na época. Naturalmente, no final, este ‘peso’ de aventura coletiva, se concentrou

simplesmente no bombardeio, mas colocado em cena com recursos quase americanos,

subverte a qualidade do filme, até então de natureza intimista, tudo no jogo dos atores, no

modo de ver, subentendido. Graças a essa fusão final, o filme obteve um sucesso

extraordinário quando lançado: éramos muitos a recordar daquele período – aqueles que

tinham vinte anos no início dos anos 40 – e se reconheceram no filme. Com o retrato do

ambiente analisado em ‘Verão Violento’ não havia procurado fazer uma análise crítica, mas

procurar me recordar de certas impressões visuais provadas no curso daquele verão de 1943.

Procurava encontrar o vazio que circundava a juventude daquele período, um vazio

intelectual, cultural, uma ausência de fé, uma ausência de expectativa com relação ao futuro.

Éramos assim, moços estranhos e um pouco estúpidos, frutos de uma educação que, no fundo,

os queria estúpidos, que não os queria inteligentes. O filme se desenvolve na boa burguesia

da época: naquele ambiente social, aquele que se interessasse por qualquer coisa era uma

exceção.”

E, com este filme, surge também a discussão em torno da tendência autobiográfica do

diretor ao realizar seus roteiros, impossível de ser inteiramente negada, embora, apesar dos

fortes traços da própria memória utilizados em várias seqüências, nunca fosse totalmente

admitida:

“Procuro sempre, e creio que com algum sucesso, não introduzir nunca em meus

filmes elementos autobiográficos. É claro que todo autor coloca a si mesmo nas coisas que

escreve. No que diz respeito a este filme, havia, além disto, a tentativa de me lembrar de

certa maneira de falar, de certas pessoas conhecidas, de uma certa mentalidade, de uma

moral... Trata-se de encontros que aconteceram em uma praia italiana em 1943, mesmo que

eu não tenha jamais vivido uma história do gênero, e jamais tenha tido as dúvidas que o

protagonista tem no final. Provavelmente não tive nem mesmo a sorte de encontrar, naqueles

anos, com Eleonora Rossi Drago.”

Verão Violento foi, com certeza, o primeiro grande filme do cineasta. Podemos

observar, no trato do enredo e no desenvolvimento das seqüências, as preocupações tanto

temáticas quanto estilísticas que marcariam seus outros longas-metragens. Na insólita história

de amor entre um jovem, filho de um oficial fascista (interpretado pelo iniciante Jean-Louis

Trintignant), que não acredita ‘nos horrores da guerra’, mas também nada faz para contribuir

com aquela realidade, isentando-se inclusive de alistar-se, ao se valer de um eterno – ou quase

– salvo-conduto; e uma mulher madura (Eleonora Rossi Drago), viúva de um herói,

comandante da marinha que morreu mantendo seus ideais, tudo se encaixa, por intermédio de

pequenos sinais, até o desenlace trágico – a separação sem esperança de volta – porém já

anunciado. Situando aspectos que foram bastante relevantes naquele ano de 1943, e que, não

só para o diretor, registraram transformações na história da Itália:

“Queria um filme situado naquele ano porque para mim 1943 foi muito importante,

foi um ano no qual amadureceram em mim grandes decisões. Percebi que a queda de

Mussolini, em 25 de julho, teria sido seguida do armistício de 8 de setembro e que isto teria

ocasionado a ocupação da Itália por parte dos alemães. Que naquele período, quem tivesse

dezessete ou dezoito anos deveria reagir. E eu decidi me opor aos alemães ainda antes deles

ocuparem o país. Mantive a decisão de modo coerente, servindo dois anos na guerra contra

os alemães. Portanto, retornei a 1943, porque aquele ano assinala para mim o início de uma

época extraordinária. De 1943 a 1945 aconteceu tudo na minha vida: a noção da morte, a

noção do risco, a noção da capacidade de tomar decisões, o fato de submeter à prova a

própria coragem, de sentir o próprio medo, de conhecer o próprio país – e eu o percorri a pé

de Cassino até a fronteira alemã – de conhecer os soldados, de conhecer o próprio povo. No

fundo sabia pouquíssimo do que era o contato real com o povo italiano; estava naquela

situação dourada que era típica dos privilegiados, reservada a um certo número de famílias

da alta burguesia e da alta aristocracia italiana. Foram naqueles anos que eu comecei a

amar o povo italiano com um amor ao mesmo tempo filial, fraternal e paterno. Portanto,

naqueles anos, tudo se condensa em mim. É evidente que o dia no qual eu pude começar a

contar esta história, retornavam na minha mente as minhas primeiras experiências, o estofo

inicial, que deveria me conduzir em seguida à grande decisão da minha vida e a todo aquele

esforço de conhecimento. Deveria percorrer de volta a minha vida e eu a percorri a partir do

momento no qual ela se tornou consciente.”

Os diálogos e a presença de informações que surgem pelo plano detalhe de uma revista

ou pela voz do radialista que pontualmente invade as cenas

(6)

, traçam, não só o perfil do

momento histórico, mas, principalmente, o caráter e destino de cada personagem. Através da

ambigüidade das situações percebe-se que o que se passa naquela cidade litorânea, em plena

época de temporada, não é exatamente a frivolidade de jovens em férias de verão, por mais

que eles sejam mostrados à margem dos compromissos político-sociais, na verdade, eles estão

sempre sendo pegos de surpresa e constrangidos em sua diversão. Logo no início do filme, na

seqüência do reencontro dos antigos amigos, além da presença de um soldado ferido de guerra

entre os jovens, num dado momento a euforia é cortada pelas notícias do rádio, anunciando:

“...uma nova linha defensiva sobre a estatal n. 14. Na planície de Catânia tropas italianas e

alemães defenderam com sucesso por todo o dia de ontem os repetidos ataques da 24ª.

Divisão canadense, aviões do Eixo...” Todos param, atentos e contrariados com a notícia,

mas o discurso emitido pelo rádio é interrompido pela expressão “Ufa!!” da personagem mais

jovem, que muda a estação à procura de uma música. Embora a alienação pareça impositiva

pela atitude da moça, todos aderem e dançam ao som de um tango, voltando à euforia do

momento.

Cenas que, sob este aspecto, merecem destaque são as seqüências na praia, quando o

avião de guerra faz um vôo rasante – assustando a menininha, filha de Roberta, a

protagonista, e proporcionando o encontro dos dois – quando, segundos antes, a conversa dos

jovens na areia girava entorno dos cuidados de não haver pais por perto, assim eles poderiam

fumar à vontade, e, metaforicamente, no lugar dos pais entra a força aérea, atrapalhando, por

assim dizer, a convivência inocente. Além das seguidas discrepâncias entre os fatos e a

natural idealização daqueles jovens de férias, na apresentação do casal principal, há um breve

reconhecimento do sobrenome de Carlo: ‘Caremoli’, que, desta forma, já introduz o pai,

reconhecidamente fascista; segue a pergunta de Roberta sobre como era possível ele não estar

servindo na guerra e a resposta do rapaz, entre marota e irresponsável, de que até agora havia

se valido da ‘isenção’. A próxima seqüência é quando se dá a conversa, ouvida atrás da

janela por Carlo, entre Roberta e o oficial que viera lhe prestar os pêsames pelo marido

heroicamente morto e, com seu breve porém incisivo discurso, prenuncia, de uma certa

maneira, a decisão final do jovem Caremoli, que vemos ouvir, reflexivo, a afirmação daquele

oficial, de como havia aprendido com seu comandante, que “é preciso honrar até o fim os

compromissos assumidos” e, por isto, não permaneceria na cidade, devendo assumir, de

imediato, o seu posto numa unidade combatente. Outra seqüência anunciadora da decisão

final do personagem é o passeio a San Marino, “um falso ambiente neutro anti-guerra, numa

falsa Idade Média”, sendo que, após esta definição do lugar onde ele tinha ‘alguma

influência’ com os comerciantes, conseguindo produtos racionados, Carlo começa a justificar

as atitudes do pai, “um ingênuo romântico que sempre fez a escolha errada...”, que, pelo

silêncio de sua interlocutora, e de seu próprio silêncio, ilustra sua reflexão e a decisão que

tomará mais tarde de, talvez , não fazer escolhas erradas.

Seguindo assim esta narrativa, toda recortada por uma espécie de invasão da realidade,

é como se o diretor/roteirista se indispusesse com a sua memória – a parte histórica, o verão

de 43, a queda de Mussolini – sobrepondo a ela os relacionamentos humanos, porém,

justificando-os. E, desta maneira, ele introduz aqui, a despeito ou mesmo a título de reforço da

situação histórica, dois elementos primordiais em sua obra: a música e a pintura.

Valerio Zurlini, o “poeta do desamparo”, segundo seu assistente de direção, Alfredo

Sternheim

(7)

, não pretendia, com seus filmes, ser fiel às características do cinema em voga

nem fazer um cinema de autor, mas passar os sentimentos, as aflições comuns ao ser humano.

Em Verão Violento, esses sentimentos, um misto de aflição generalizada pelo estado

permanente de guerra e a violência do amor malogrado, a moral estabelecida, a diferença

entre classes, é certamente representado em dois estilos musicais que tratam, cada um com

sua intensidade, o interior daqueles acontecimentos. A música inicial ( de Mario Nascimbene,

com direção musical de Franco Ferrara) e a que narra todos os momentos históricos, como

rasantes dos aviões de guerra, bombardeios, revolta popular nas ruas, trata do sentimento de

incerteza, medo e insegurança compartilhado por todos, mesmo em seus momentos de

distraída vida normal. Deixando de ser música de fundo para ser introduzida no espaço

diegético, alternada num certo momento do filme (como um divisor de águas, recurso

futuramente reincidente) pela força da canção romântica e popular que, quanto mais

reconhecível ao ouvido do espectador mais capacitada à paralisação, congelamento de alguns

momentos que proporcionam uma atmosfera teatral à seqüência. Sendo estes momentos de

sincronia entre música e ambiente, fundamentais ao desenvolvimento da trama sentimental,

que vai se esboçando no reconhecimento de desejos e frustrações comuns. O recurso musical

mobiliza a seqüência mais reveladora do filme, que, ao unir duas informações artísticas, a

pintura e a música, como representação do posicionamento humano, ainda aliado ao recurso

teatral

(8)

, explica e contextualiza não só a história do amor impossível como o momento

histórico. A seqüência que observamos é a seguinte:

Chegada na casa de Carlo, após uma noite no circo.

Corte para o interior da casa, escuro, Carlo abre a porta e todos vão entrando, aos

poucos. Exclamações como “Que medo!” “Não tem luz aqui?”, são seguidas pela afirmação

de Carlo: “Não sou responsável pela monstruosidade desta casa, defendo-me ficando o mais

longe possível.” “Que exagerado! Por mais estranho que seja este é o sofá mais confortável

que já vi”, responde uma das amigas rapidamente se adaptando ao conforto. Os jovens vão se

espalhando e observando tudo, a primeira coisa que chama a atenção é o quadro de Carlo

Carrá

(9)

, pintura de 1939, que tem uma presença ostensiva em cena, talvez para causar uma

certa dúvida no ambiente austero e também marcadamente repleto de privilégios burgueses

em tempos de guerra. Em seguida um deles repara na estante de livros: “nenhum divertido”! E

os discos, gravações originais de In the mood, Beguin the beguine e Temptation, vindos da

Suíça. A namorada de Carlo, Rosanna, pega um porta-retrato e pergunta se é o pai de Carlo,

ele responde que sim, “da guerra civil espanhola”. Mas o dono da casa (o filho do dono) está

interessado mesmo é com a impressão que aquele ambiente estaria causando na ‘senhora’

Roberta, que, ele sabia, não pertencia realmente àquele mundo, e se dirige discretamente a

ela: “Esta casa deve lhe dar nojo, não?”. O jogo de olhares entre os dois se intensifica (já

havia começado na seqüência do circo), ele está visivelmente incomodado, ela o tranqüiliza

dizendo que a casa não é desagradável. Começa a tocar Temptation

(10),

a namorada reclama

do calor e Carlo, sempre com o olhar em Roberta, pede para que apaguem todas as luzes, e

começa a abrir, lentamente, todas as portas que dão para o terraço. A luz de fora vai invadindo

a sala onde todos estão parados, como se esperassem por algum acontecimento, e isto

realmente acontece. No céu escuro uma luz desconhecida se aproxima, a princípio como um

fogo de artifício, um dos rapazes, que já estava lá fora chama os outros para que venham ver.

A câmera faz uma tomada no terraço registrando os jovens que vão saindo aos pares,

assumindo cada um, um lugar fixo, olhando, admirados e mudos, para o céu. A música

alcança um certo clímax em seu ritmo justamente quando todos estão olhando para aquela

aparição, a última a chegar é Roberta. Ouve-se algumas suposições: “É um avião de

reconhecimento.” “Talvez em Cesena”. Enquanto eles olham para o alto Carlo olha para

Roberta, a câmera passeia pelos casais até chegar ao último, Maddalena, a cunhada tímida

recém chegada na cidade, e o rapaz que a convida para dançar, para quem ela responde, de

costas, que não sabia porque há muito tempo não dançava. Os dois entram, seguidos dos

outros, cada um com seu par, Carlo com sua namorada, Roberta com um dos jovens, todos

vão dançando ainda hipnotizados pelo acontecimento luminoso no céu escuro, mas os recém

apaixonados trocam olhares por cima dos ombros de seus companheiros de dança. Ao final da

música o amigo mais animado chega com uma bandeja de uísque, quebrando o clima, começa

então a segunda música e Carlo tira Roberta para dançar. Ele disfarça, a princípio, mas

Roberta se estreita e eles dançam cada vez mais íntimos e abraçados.

A câmera focaliza só os dois, como se todo o resto, toda a reunião tivesse sumido, até

que Roberta não agüenta o envolvimento e se solta, indo para fora da sala. Carlo a segue –

todos os movimentos são lentos, pausados, teatrais, com paradas estratégicas diante da câmera

– ela vai para o jardim, ele olha para dentro, conferindo se todos estão dançando, absortos, e

desce as escadas atrás dela. Os dois não se contém mais e se beijam, a namorada de Carlo

surge na porta, no alto da sacada, a música pára. A moça desce a escada lentamente, Roberta,

a ‘senhora’, está de frente para a câmera, Carlo, de costas, espera a moça se aproximar, um

outro desce a escada procurando por Rosanna e estanca, percebendo a situação, a jovem traída

foge chorando. Neste momento entra uma música animada, quase circense, o rosto de Roberta

invade a tela e, o que poderia se constituir nos moldes de uma tragédia (grega) é diluído com

o som da música e o chamado do rapaz que atravessa a cena ao encalço da namorada do

amigo, mas, mesmo assim, o foco na exposição do detalhe nesta seqüência é clássico. Na

entrada da sala, de onde se dá o corte para o jardim, um outro personagem, Maddalena, a

cunhada representante da contensão e da moral, está parada num canto, vira-se e acompanha

com o olhar a inesperada movimentação, e percebe a situação, já provavelmente prevista por

ela. O cenário que compõe esta seqüência, além do rosto surpreso, porém contido de

Maddalena, é a cortina da janela da sacada que voa com o vento, ao meio, e, à direita, uma

estátua de mármore, um torso nu, em estilo grego mutilado pelo tempo, sobre uma mesa da

sala, o que confirma a intenção da composição da tragédia, ao menos no que se apresenta de

previsível e inevitável. Ao fundo aparece a sombra e depois a silhueta de um casal que dança

animadamente, até a entrada de Roberta, vinda do jardim, que pára e se deixa surpreender, por

alguns instantes pelo olhar da cunhada. Tudo está, silenciosamente, dito.

É neste ambiente, transformado numa espécie de mundo à parte, regado por bebidas e

músicas importadas, que acontece um momento de revelação, senão ainda de cunho

existencial, um vislumbre, ao menos, do que seria a vida daqueles jovens, se houvesse um

pouco de discernimento e reflexão sobre as coisas. Através do flagrante, ainda inocente, do

casal protagonista, pode-se adivinhar toda uma quebra de decoro naquele código de etiquetas,

que servia a um não envolvimento com a situação real. A questão ético-social, a questão

moral, a diferença entre classes e faixa etária, se presta como contraponto a um tipo de vida

que, até então, não era responsável, ou não se colocava esta questão, com o que estava

acontecendo no país e no mundo. Daí para frente, com a descoberta do envolvimento dos dois

e a exclusão parcial da cunhada pelo grupo, os acontecimento históricos tomam um outro

vulto, tanto para os personagens envolvidos quanto para o espectador e têm início, então, as

tomadas de rua, com a reconstrução dos acontecimentos históricos ocorridos naquele verão.

Para um diretor que valorizava os sentimentos e as relações humanas, este filme, com

roteiro dele mesmo e baseado em suas próprias lembranças – daquele verão quando, como

está dito na entrevista, ao tomar posição e se alistar para lutar contra os alemães, ele conheceu

finalmente seu povo –, marca uma liberdade de autoria que lhe renderia a fina realização de

seus outros filmes, mas também uma certa lentidão que lhe frustraria muitos projetos. Mas seu

próximo filme, La Rragazza con la Valigia (A Moça com a Valise), lhe permite outras

maneiras de expressar algumas ambições, sendo que a maioria delas era de foro íntimo, numa

tentativa dupla de explorar e ao mesmo tempo escamotear alguns sentimentos que, talvez, ele

ainda não administrasse muito bem. Temos alguns indícios disso na resposta seguinte sobre a

realização de seu terceiro filme:

“Depois da desventura de ‘Guendalina’

(11)

, prometi a mim mesmo nunca mais

abandonar os meus roteiros. Em todas as negociações com vários produtores interessados

em ‘A Moça com a Valise’, sempre se falou de mim como diretor. O único projeto que

abandonei foi ‘Il giardino dei Finzi Contini’

(12)

, mas me consola o fato de ter dado tanta

satisfação a Vittorio De Sica. É um filme que teria feito de muito boa vontade,

desafortunadamente aconteceu num momento no qual eu não tinha vontade de fazer nada:

tive a honestidade, para mim e para os outros, de reconhecer isto. Recusei-me, portanto, a

realizar o filme e quando Vittorio De Sica me telefonou, insistindo para que eu o fizesse,

antes mesmo de me pedir para filmá-lo, eu já estava contente por decidir abrir mão dele.

Naquele momento não queria nem ouvir falar, não digo daquele filme, mas de cinema em

geral.

‘A Moça com a Valise’ nasceu de um encontro. Um dia, em Milão – é necessário

remontar no tempo até 1948 ou 1949 – encontrei uma estranha pessoa, hoje muito célebre,

com a qual devia realizar um pequeno filme publicitário para uma marca de automóveis. Por

dois dias estivemos juntos para fazer o filme, e a moça, que na época era modelo, me contou

muitas coisas sobre sua vida: tratava-se realmente da personagem de Aida. Quando escrevi o

roteiro, não fiz outra coisa a não ser me lembrar das coisas que ela havia me contado, de

todas aquelas coisas tão ternas, comoventes, algumas vezes divertidas, e assim já me

encontrei com um personagem que vivia uma vida autônoma. Bastou acompanhá-la com um

rapaz recordando-me um pouco dos meus dezessete anos, depois, fazendo uma abstração de

mim e olhando o personagem masculino de fora, para obter aquele estranho casal que

começa subitamente a funcionar de maneira perfeita e continua a funcionar até o final do

filme. Eram dois personagens estranhamente combinados, pertencentes a mundos diferentes,

dois solitários que, ao se encontrarem, expressam a vontade de ajudarem-se,

reciprocamente.”

Agora, já quase como uma marca registrada, Zurlini vai novamente tratar da

impossibilidade amorosa, ou, ao menos, da impossibilidade da continuidade de uma relação.

A história fala da paixão adolescente de Lorenzo (Jacques Perrin, que faria mais dois

importantes filmes de Zurlini, amadurecendo junto com seus papéis) por uma cantora de

cabaré Aida (Claudia Cardinale) que fora abandonada e enganada pelo irmão do rapaz, paixão

esta que se constitui numa mistura de amor e sentimento de responsabilidade pelos atos

inconseqüentes do irmão playboy. O filme, em narrativa clássica, gira em torno das

desventuras desta moça solitária, cuja personalidade balança entre uma bondade maliciosa e

uma ambição inocente, e seu encontro com este rapaz jovem, bem intencionado e

absolutamente dedicado ao primeiro amor, marcando um antagonismo exterior aos

sentimentos e à própria relação.

Das características do diretor já vistas – como um olhar depurativo da câmera que

ronda os personagens no momento em que seus sentimentos são revelados; o uso da

linguagem musical e da significação pictórica no lugar da fala – destacaremos aqui uma

seqüência de A Moça com a Valise, onde essas escolhas, se mostram bastante elaboradas.

Lorenzo, já envolvido com a bela Aida, em uma de suas inúmeras tentativas de

ajudá-la, aproveita a ausência da tia e do irmão em sua casa e a leva para lá, para a tentativa

de alguns telefonemas. Ao perceber seu cansaço, ele lhe oferece um banho e vai aguardar no

andar de baixo do imenso casarão. Quando termina, de roupão e toalha nas mãos começa a

chamá-lo, do alto da escada, Lorenzo não responde, apenas olha para ela, do andar de baixo e

sorri, ligando a vitrola com a ópera Aida, de Verdi. Reparando na letra da ária “È a Vitória / É

o aplauso de Mênphis / É para ti, minha doce Aida / Voltar repleto de louros ...”, a moça

entra na brincadeira, prende a toalha nos cabelos e começa a descer os degraus vagarosa e

cheia de pompa. Ao vê-la descer daquela maneira, embalada na suavidade com a qual a

melodia anuncia: “Celeste Aida / Forma divina / Mística coroa de música e flores / Do meu

pensamento, tu és a rainha ...” , sua expressão se modifica, a brincadeira se transforma em

pura comoção e, naquele momento, a paixão dele está declarada. Aida, ao se dar conta, pára

antes dos últimos degraus olhando para ele, tira a toalha dos cabelos, os dois se aproximam,

close no rosto de cada um, em seguida, ela ajeita o roupão, mostrando pudor, e, naquele gesto,

a consciência do amor proibido. Corte seco para os dois na cozinha, fazendo uma refeição, de

volta a uma convivência prosaica.

Neste filme, ao usar este tipo de linguagem, na opinião de Carlos Reichenbach,

“Zurlini alcança a perfeita simbiose entre erudito e popular, transformando a música em

personagem integrante do enredo, especialmente nos excertos da canção ‘Celeste

Aída’...”

(13)

. Mas, se destacamos esta seqüência aqui, para além da plena concordância com

a análise do cineasta (inclusive em outros momentos citados por ele, como no solo do

trompete de Fausto Papetti, em outra magnífica seqüência), é para corroborar com nossa

questão acerca da força do não-dito no cinema de Zurlini. A forte expressão que há em seu

cinema na ausência da informação falada, como se o único universo viável para a convivência

amorosa fosse o da mímica, do silêncio, da esperança muda. A única linguagem de

entendimento possível, em suas narrativas, é a que vem de fora, expressa pela música que,

afinal, é a “harmonia perfeita que ronda as esferas” a qual, segundo o pensador grego

Pitágoras, nós não ouvimos porque “nunca fazemos silêncio”

(14)

, a presença da linguagem

com seus inúmeros códigos e sinais, instauraria a desordem e é justamente quando estes

casais zurlinianos tentam se explicar, se comunicar, que eles se perdem. Daí estes silêncios

persistentes, reveladores de uma situação irreversível, mas geralmente fadada ao insucesso.

* * *

Seu quarto filme foi Dois Destinos, nova adaptação de um romance de Vasco

Pratolini (tema de análise de nosso segundo capítulo), onde se configuram, definitivamente,

dois temas que seriam o mote de toda obra do diretor, inclusive de seus projetos inacabados.

O contraponto entre fé e uma objetividade existencial e, por conseqüência, a tendência em

situar o homem como um ser só e sem salvação perante o universo, constitui a principal

característica de seus personagens e do jogo emocional no qual se envolvem. Além disto, este

filme marca um ‘modo de filmar’, de Valerio Zurlini, que destacaria em importância e

singularidade até sua última obra. Na entrevista que estamos acompanhando, ele nos fala de

algumas transformações ocorridas com esta realização, e de sua disposição em realizar um

filme onde a história pessoal se sobrepujasse aos acontecimentos puramente factuais:

“’Dois Destinos’ deveria ter sido meu primeiro filme. Fui procurar Pratolini para

conhecê-lo depois de ter lido ‘Cronaca Familiare’, um livro que me havia atingido de

maneira inacreditável. Assim começou a amizade com Pratolini e nasceu uma idéia um pouco

louca – estávamos em 1952 – de filmar ‘Dois Destinos’ em cores. Se o filme fosse feito na

época, estaríamos na posição de total vanguarda. Quando me propuseram retomar o

projeto, vários anos depois, aceitei porque era evidente que ‘Dois Destinos’ não havia

envelhecido. Me sentia muito tranqüilo com a idéia de adaptar o livro. Quando me

perguntavam como era possível pensar em um texto do gênero para levar a cabo um filme,

respondia sempre que a única dificuldade estava em decidir fazê-lo, nenhum filme era mais

fácil de realizar uma vez tendo encontrado os personagens. Em ‘Dois Destinos’ aboli

intencionalmente os movimentos de câmera, a composição, por vezes um pouco elaborada,

dos meus enquadramentos, reduzi ao mínimo os costumes, a evocação histórica é dada por

alguns símbolos, pontuei tudo sobre a “imobilidade”, sobre os diálogos, sobre os compassos

extremamente longos de tons literários, acreditei num filme aparentemente sem história. O

importante era a decisão de fazê-lo.”

Este ‘acreditar num filme sem história’, não se deu obviamente desta maneira

mas, o que se pode conjugar nesta afirmação de Zurlini concomitante à observação do filme,

é, de fato, um grau de apontamento, focalização e detalhe preocupado muito mais com a

expressão humana, com a exteriorização, mesmo que tímida, do desejo e da frustração. Não se

trata de um filme psicológico – não no sentido deste aspecto ser o condutor da história – mas

de um filme, cuja exposição de matizes exacerbados, gestos pensados e longos silêncios que

vão regendo a paisagem ao entrecortar as falas e a história, que acaba por ressaltar o drama

da paixão humana, da época ou de um contexto histórico determinado. As forças externas que

causam todas as privações econômicas e sociais daqueles dois personagens tem, obviamente,

a violência das conseqüências da Guerra na primeira metade do século XX, mas, a

necessidade interna que os aproxima não depende desse tempo determinado.

“Tomei aqueles anos as notícias históricas unicamente através de raras alusões.

O livro era datado e não pude separá-lo completamente daquilo que era a sua dimensão

histórica. Gostaria de ter conseguido fazer alguma coisa que pudesse negar a concessão

tolstoiana da qual falei anteriormente. Para mim, o ideal seria fazer um filme sobre os

sentimentos em estado puro, fora de todos os condicionamentos sociais. Não sei se isto seria

possível, se é possível que nasçam sentimentos sem um condicionamento social, é uma coisa

que é preciso verificar. É uma tentativa que estou fazendo.”

O que faz com que o diretor privilegie muito mais a questão estética, as

fotografias, as cores e uma certa pintura da paisagem em seus filmes, para elaborar, desta

maneira, o sentimento mais do que o acontecimento. O cineasta russo Andrei Tarkovski, em

suas considerações sobre a mise en scène, parece dialogar com essa ‘tentativa’ de Zurlini de

destacar a subjetividade do personagem:

“A questão fundamental é que não convém evitar as dificuldades e reduzir tudo a

um nível simplista; é extremamente importante, então, que a mise en scène, em vez de ilustrar

alguma idéia, exprima a vida – o caráter dos personagens e seu estado psicológico. Seu

objetivo não deve reduzir-se a uma elaboração do significado de um diálogo ou de uma

seqüência de cenas. Sua função é surpreender-nos pela autenticidade das ações e pela beleza

e profundidade das imagens artísticas – e não através da ilustração por demais óbvias de seu

significado.”

(15)

A partir da filmagem de Dois Destinos, este aspecto – de destacar o homem de seu

tempo e de seu espaço, tornando suas reações independentes de seu meio – seria retomado

em A Primeira Noite de Tranqüilidade e em O Deserto dos Tártaros, mas não se configuraria

como tônica dominante em seus dois próximos filmes Mulheres no Front (La Soldatesse), de

1964 e Sentado à sua Direita (Seduto alla sua Destra), de 1968. O primeiro, baseado num

romance de Ugo Pirro, relata a trajetória de um grupo de quinze prostitutas, comandadas por

um jovem oficial, que são enviadas para a Grécia, para ‘servir’ soldados italianos durante a

ocupação fascista àquele país.

“...Parecia-me que o surgimento de um relatório tão intenso da época da ocupação

italiana na Grécia constituísse um tema muito importante. Além disso, o roteiro – e eu o

estimulei violentamente nesta direção, trabalhando com Benvenuti e De Bernardi

(16)

, porque

o trabalho (deles) não estava terminado – continha um elemento que pode parecer elementar:

transformava-se num ‘mea culpa’ extraordinário, provavelmente o primeiro que o cinema

italiano havia feito ou, em todo caso, um autor italiano, em relação à participação dos

italianos na Segunda guerra mundial.

Ao fim da guerra, os italianos tornaram-se habilíssimos em deixar cair toda a

responsabilidade sobre Mussolini e sobre os alemães. Na minha opinião, isto que faz a

diferença de ‘Mulheres no Front’, importância freqüentemente menosprezada, é o fato do

filme dizer: ‘Não, a culpa não era deles, mas nossa, também nós fizemos a guerra como eles e

nos comportamos mal’. E, de fato, é o único filme italiano onde se vê um massacre produzido

por italianos, um ato de represália cumprido pelos ‘camisas negras’, isto é, aqueles homens

que se distinguiam dos soldados normais sobretudo por uma diferença ideológica. Estou

completamente convencido que em noventa por cento dos casos, a grande maioria das tropas

italianas que ocuparam este ou aquele lugar – um vilarejo de cem habitantes ou uma nação

inteira – honraram nosso país. O soldado italiano, para além do fato de, talvez, ter tirado

proveito material de algumas vantagens advindas da ocupação, certamente salvou muitas

vidas humanas, salvou judeus, salvou pessoas da fome. Não creio que haja um só lugar onde

a ocupação italiana tenha revelado um balanço mais negativo do que positivo. O italiano não

é classista, o italiano não é racista, feitas as contas, o saldo é ativo, não passivo. Todavia,

daí a dizer que os (soldados) da ocupação jamais sujaram as mãos, faz uma grande

diferença. Descarregar (a culpa) violenta e unicamente sobre o fascismo e aceitar, na

melhor das hipóteses, uma co-responsabilidade causada pelo desinteresse, uma incapacidade

de defesa, de recusa, de oposição, é muito fácil. Em suma, tive a impressão que o cinema

italiano deveria regenerar-se diante da própria história e diante do próprio país. E, nesta

direção, impulsionei o roteiro.”

O que evidencia o posicionamento crítico de Valerio Zurlini, e, como já visto em

Verão Violento, sua determinação em registrar períodos da história de seu país que o pós-

Guerra, de alguma maneira, segundo a opinião do diretor, tentou esquecer. Mas, está no

posicionamento dos três oficiais, de suas diferenças – no olhar aquelas miseráveis prostitutas

como seus verdadeiros soldados – em suas dúvidas e decisões, que o diretor volta sua

atenção, deslocando o homem como um indivíduo sempre aquém e além de seu meio, de sua

situação.

E o veio mais estritamente político de Zurlini se estenderia ainda até 1968 com

Sedutto alla sua Destra (Sentado à sua Direita), filme cuja sinopse consta do Catálogo da 25ª

Mostra de Cinema: “Livre adaptação cinematográfica da biografia do político africano

Patrice Hemery Lumumba (1925-1961), um líder nacionalista que se tornou primeiro-

ministro da República Democrática do Congo no curto período entre junho a setembro de

1960, mas que foi assassinado no ano seguinte, depois de uma crise política. No filme,

Lumumba recebe o nome de Lalubi. Com a aparência de um Cristo negro, ele vai lutar contra

os regimes ditatoriais impostos pelos colonizadores belgas a seu país, mas acabará preso,

torturado e morto.”

(17)

Não deixando, portanto, de apontar para o lado cristão do diretor, reforçando sua

reincidente identificação da saga de seus heróis ao calvário do ‘Salvador’.

Filme mal recebido tanto pela crítica quanto pelo público, talvez exatamente por

seu ‘aspecto religioso’, ou, ainda na opinião de Zurlini, por não trabalhar com atores

conhecidos e, também, pelo baixo orçamento com que havia sido feito. O filme, na verdade,

era um episódio de quarenta minutos pertencente a um projeto de filmar partes do Evangelho

adaptados aos dias atuais, mas o diretor, ao reparar que os outros episódios ‘deixavam a

desejar’

(18)

, resolveu transformar seu filme num longa individual, salvando-se, desta maneira,

do fracasso total do projeto anterior, mas não escapando de duras críticas e da péssima

acolhida no Festival de Cannes. Embora o aspecto religioso tenha sido trabalhado de forma a

conduzir a uma outra causa, uma espécie de denúncia da violência e das injustiças sociais,

com o tema da questão racial e com um forte interesse do diretor com relação à disparidade e

condições de vida no terceiro mundo, o que mais se evidencia neste filme é a contínua busca

de Zurlini em mostrar que o homem, ainda que em meio a privações – ou justamente por

causa delas – é um ser propenso à revelação, mesmo que esta não seja explicitamente

religiosa.

“ ‘Sentado à sua Direita’, com efeito, é também um filme sobre a ‘graça’. Nos

diversos aspectos que um filme acaba por assumir, às vezes, para além da vontade do autor.

(...) Se devo dizer o que é este filme, além de um panfleto sobre a violência e o horror à

violência, direi então que é um filme sobre a graça. Não há nenhuma razão para que um

ladrãozinho italiano na cela, vendo um homem que não fala, paralisado pelo medo, não se

sinta imediatamente escravo, sinta-se aliado daquele homem porque percebe nele a grandeza

espiritual. Esta atitude, num sentido tanto religioso como laico, pode bem se chamada de

‘graça’. Não é verdade que a graça exista só no sentido religioso. Quando um homem

encontra um outro que o adverte pela grande estatura moral, superior a ele, e prova uma

imediata e estranha devoção por este homem, isto pode ser definido por um estado de graça

laico. Deste modo, a outra face do filme é esta: a história de uma graça, de um amor enorme

por alguém que, intuímos, seja muito maior que nós, um amor que pode durar até a morte.

Pelo contrário, existem no filme vários símbolos religiosos. Se o prego não é

verdadeiramente uma referência à crucificação, o óleo é, sem dúvida, um símbolo claramente

religioso: o óleo como remédio para as feridas e como viático para a extrema-unção. O

sentido é limpidamente este. Por outro lado, nunca fiz mistério da minha posição cristã.”

Aspecto que Zurlini retomará, sem a força ou o exagero dos ‘símbolos religiosos’, em

seu último filme O Deserto dos Tártaros, onde a escolha em tratar de um personagem que

passa a vida no deserto à procura de um sentido para a própria vida, não deixa nenhuma

dúvida quanto a seu sentido metafórico.

Mas, em A Primeira Noite de Tranqüilidade, filme realizado entre Sentado à sua

Direita e O Deserto dos Tártaros, parece haver um intervalo, ao menos reflexivo, na certeza

da validade da religião. Embora neste filme passagens bíblicas sejam citadas explicitamente,

parece haver, por parte do autor/diretor (autor porque o roteiro vem de uma história escrita

pelo próprio Zurlini, L’estate indiana, terceira parte da saga da família Dominici) uma

necessidade de compreensão deste veio cristão que o acompanha, compreensão esta que só

pode se dar através do benefício da dúvida. Porque, mesmo o posicionamento ateu e

comunista do irmão mais velho em Dois Destinos, não desqualifica o aspecto religioso latente

nos diálogos entre os dois irmãos, sempre emoldurados por uma espiritualidade nada

transitória. Ao contrário dos recursos usados em seu penúltimo filme, que misturam

deliberadamente as mitologias, as crenças e, acima de tudo, carregam um teor moderno de

discussão filosófico-materialista acerca da existência.

“... diria que ‘A Primeira Noite de Tranqüilidade’ nasceu, na verdade, da vontade que

tinha de colocar em cena um personagem do gênero. Um personagem fruto, obviamente, de

numerosos encontros, talvez de certas semelhanças comigo mesmo, aquela base de niilismo,

aquele cristianismo recusado mas presente... É um personagem nascido de modo muito

estranho, em um momento de extrema desconfiança: não encontrava nada de pessoal para

contar. Um dia, me ponho à escrivaninha e, em vinte dias, escrevo em um relato de cem

páginas a história deste homem no fim da vida – o relato existe ainda e creio que não seja

ruim. Mas este relato objetivo tem origem igualmente naqueles invernos tão brutais, tão

violentos, tão aviltantes, tão anti-femininos, tão opressivos, excessivos, épocas que

justamente eu conheci. Aquela costa adriática que havia visto o inverno, quando não há a

explosão do turismo no verão, cerrada de rancor, de ferocidade, de violência. ‘A Primeira

Noite de Tranqüilidade’ é um filme muito associado a um certo ambiente geográfico. Contém

também um aspecto de ‘história popular’: a história de um homem que tem sempre uma

relação de morte com os outros, e que encontra a juventude. Uma juventude que esconde, na

realidade, a morte: é um romance popular velho como o mundo.”

O que deixa transparecer, dada a escolha de seu próximo filme, que Zurlini procura,

com seus personagens, respostas para basicamente as mesmas questões, mas há uma

evolução, ou ao menos uma maior liberdade, no tratamento delas, como se a reverência à

religiosidade desse lugar a uma dúvida que se estampa numa maneira mais moderna de filmar.

Em suas duas últimas realizações, os tipos que se apresentam trazem este discurso à tona de

maneira menos rebuscada, dialogando de forma mais direta com o espectador. Nas palavras

de Gian Piero Brunetta, O Deserto dos Tártaros: “é o último filme de uma carreira não

prolífica (ao todo, são oito longas-metragens em vinte e cinco anos), nem em constante

desenvolvimento; a obra mais madura que consente tornar a medir por outros parâmetros o

seu fôlego visual e narrativo.

(19)

Dispensamos, neste capítulo, um espaço maior para análise de O Deserto dos

Tártaros, pelo fato do filme – uma adaptação do romance de Dino Buzzati – despertar um

especial interesse justamente pelo tratamento diferencial do personagem dado pelo diretor, a

nosso ver, substancialmente oposto ao empregado pelo romancista mas, convergindo para o

mesmo questionamento sobre a finitude humana e o lento aprendizado através da espera. No

estudo intitulado “Na Fortaleza”

(20)

, Antonio Candido considera o romance de Dino Buzzati

como um “movimento em quatro tempos”, sendo que o primeiro tempo, o de “Incorporação à

Fortaleza”, abarcaria os dez primeiros capítulos. Optamos por uma sub-divisão deste

‘primeiro tempo’, indo até aproximadamente o terceiro capítulo do romance, o que

equivaleria a uma introdução do filme, para traçar uma análise comparativa da reação do

personagem Giovanni Drogo diante de sua partida para o desconhecido, destacando também

algumas cenas mais significativas. O destaque acentuado surge, portanto, da verificação deste

filme ser um passo de amadurecimento na filmografia de Zurlini, não pelo fato de ser sua

última obra, mas por materializar, na figura do soldado Drogo, todo o seu questionamento

existencial já exposto e, agora, a nosso ver, já um pouco distante do compromisso religioso,

porque se percebe na conformidade da vida, no cotidiano insatisfatório, mais afeito, pelas

palavras do próprio diretor, a uma “tristeza existencial”.

Antes de entrarmos na análise, finalizamos os trechos escolhidos da entrevista com seu

relato sobre as diferenças de tratamento do filme para o romance, entre motivos prosaicos e

ideológicos:

“A minha intenção um final extremamente fiel ao livro. Havia mesmo encontrado, em

Frascati, um palácio para representar a casa da morte e pensava em filmar seguindo o livro

até o último compasso. Isto não aconteceu porque para terminar o filme tivemos que pagar as

despesas de viagem. Tínhamos acabado com todo o dinheiro disponível: Jacques

Perrincorria desesperado entre Roma e Paris para encontrar um modo de comprar um pouco

de película. Não podíamos desperdiçar nada, havíamos já estourado o orçamento. É, de fato,

pela falta de meios que pudemos filmar um final igual ao do livro, e seguir o final previsto

por Brunelin no roteiro. De qualquer modo, acredito que o filme proponha uma interpretação

do livro, trata-se quase de uma obra autônoma, mesmo permanecendo, sob muitos aspectos,

fiel ao livro. Alguns disseram que o livro e o filme se completavam nas vicissitudes, é

possível, não quero discutir esta opinião. Em todo caso, são duas coisas muito diversas,

mesmo que aparentemente semelhantes.”

* * *

B – Sobre O Deserto dos Tártaros

Assim como na poesia de Constantino Cavafis, intitulada “À Espera dos Bárbaros”,

que termina com os versos:“Sem bárbaros, o que será de nós?/Ah, eles eram ema solução”, a

espera é a justificativa da existência e, a constatação de seu engodo traz, não o desespero, que

abriria o campo para uma revolta, mas a desilusão, o cansaço, o abandono. Sem os bárbaros,

sem o perigo iminente, ou seja, sem a possibilidade de confronto com o outro – o estranho, o

estrangeiro – o que faremos de nós mesmos? Tal é a pergunta que percorre tanto a primeira

página do romance de Dino Buzzati, como a primeira seqüência do filme de Valerio Zurlini,

quando nos deparamos com a descrição da casa paterna, as coisas arrumadas para a viagem e

a voz em off da mãe, componentes que anunciam a necessidade da partida, a necessidade da

aventura. Esta ‘abertura’ anuncia ao mesmo tempo a vida que se teve até agora – o passado e

o presente – e a aposta, a esperança composta para uma vida futura. A presença do deserto, na

seqüência seguinte, imprime um momento de revelação, horizonte infinito de possibilidades.

Mas como o leitor/espectador, vai ser introduzido nesta atmosfera? Deveria haver uma

pré-disposição dele (nossa) para a imersão nesta espécie de jornada que conduzirá, de

decepção em decepção, à compreensão do que poderíamos chamar aqui, sem outras

conotações, de ‘o significado da vida’. Sem muitas interferências, mas de modo diverso, na

história de Buzzati e no tratamento dado a ela por Zurlini, este sentimento de espera e a

consolidação desse espaço – a espera se torna um objeto inserido no tempo – acaba por se

apresentar sob duas possibilidades. Enquanto o filme apresenta inicialmente um jovem ainda

inocente (reafirmado pela eterna fisionomia jovial de Jacques Perrin) sendo despertado por

uma mãe – esta sim – contida e resguardada em suas esperanças de ver o filho servir

‘primeiro’ ali mesmo ou numa cidade vizinha, o escritor não coloca intermediação entre o

sentimento do protagonista e seu futuro, que se inicia com sua partida para o Forte; ao acordar

e vestir pela ‘primeira vez’ sua farda, ele é tomado por um sentimento estranho de que alguma

coisa pode não estar bem, e já é um acontecimento solitário e responsável – ele apenas ouve

os movimentos de sua mãe no quarto ao lado – este sentimento nasce dele como uma

premonição:

“A amargura de deixar pela primeira vez a velha casa, onde nascera para a

esperança, os temores que traz consigo qualquer mudança, a comoção de despedir-se da mãe

enchiam-lhe a alma, mas sobre tudo isso pesava um insistente pensamento, que não

conseguia identificar, como um vago pressentimento de coisas fatais, como se estivesse para

iniciar uma viagem sem retorno.”

(21)

O que já está dado aqui é que a própria existência é uma viagem sem retorno,

confirmado pela seqüência no deserto, quando o tenente Drogo se sente um pouco perdido

sem saber ao certo onde fica o tal forte Bastiani (o que pode simplesmente significar: onde

fica o futuro?), lugar em que deverá se apresentar, e encontra um viajante:

“_ O que está procurando, senhor? – perguntou.

_ Procuro o forte. É este?

_ Não existe mais forte aqui – disse o desconhecido, com voz afável. _ Está tudo fechado, já

faz uns dez anos que não há ninguém.

_ E onde fica o forte, então? – perguntou Drogo, repentinamente irritado com aquele homem.

_Que forte? Aquele, talvez? – E o desconhecido estendia um braço para indicar alguma

coisa.”

(22)

E o tenente continua sua caminhada, revelando-se também aí, junto com a sensação de

distância ainda a percorrer, um clima desconfortável de ‘impressão’ de atraso, de não haver

partido em tempo, considerando-se que o que ele procurava talvez nem existisse mais. A

primeira impressão que temos então, ao compararmos livro e filme, é que enquanto para o

escritor o sentido da espera vai se caracterizar em conformidade a uma consciência a priori da

inutilidade da busca, amenizada com as tentativas de aproximação com o desconhecido e o

nascimento de alguma esperança perante o novo, para o diretor o caminho é inverso. O que

vemos nas primeiras cenas do filme é que só a perda gradual dessa esperança, advinda dos

acontecimentos externos, as dificuldades, a ausência de solidariedade, é que vai transformar

essa espera num ‘futuro glorioso’, em reconhecimento forçado do fracasso, sendo este um

caminho longo e torturante pois a esperança é renovada a cada mínimo acontecimento, até o

fim.

Ou seja, o que notamos na apresentação desse personagem é que ele é possível de ser

entendido tanto como sujeito causador de seu destino, como também vítima de um futuro que

já lhe foi determinado. Se seguirmos à risca os princípios da filosofia de Jean-Paul Sartre,

que, em essência, prega que ‘o homem nada mais é do que aquilo que ele faz de si mesmo’,

teríamos, no herói de Buzzati, este ser responsável por seu destino e agente de seu próprio

sofrimento, arriscando trilhar um caminho inóspito porque este lhe parece ser o único modo

de dar sentido à sua vida. Enquanto o mesmo personagem transposto para a tela assume um ar

de des-compromisso em relação à sua própria sorte, ao menos inicialmente. A espera, a

busca, pode portanto, ser caracterizada de maneira passiva ou ativa, claro que o resultado – a

angústia, o sentimento de inutilidade e a constatação que o grande momento de glória

reservado a todos seja a morte – é o mesmo. Mas o tratamento ideológico – ou filosófico –

dado por Valerio Zurlini provoca um deslocamento no ponto de vista da história, ora

humanizando ora sacralizando o personagem.

No mais, a adaptação segue acompanhando o traço literário – principalmente no que

diz respeito à atemporalidade, já observada por Antonio Candido – do romance ser ambíguo

no que diz respeito ao espaço e à época; além de não dar dicas precisas sobre a localização,

nem geográfica nem temporal da história, também não se preocupa com o envelhecimento

natural de coisas e pessoas que deveria ocorrer ao passar de tantos anos: “...Quer dizer que

são tomadas cautelas para desmanchar também a cronologia, inclusive porque não há sinal

de mudança nas armas, nos uniformes, objetos ao longo de uma ação que dura mais de trinta

anos.”

(23)

. No filme também o tempo passa sem nenhum aviso ou sinal concreto de

envelhecimento ou desolação, somente Drogo tem os cabelos embranquecidos, denotando

muito mais sua saúde frágil do que necessariamente a passagem do tempo. Mas mesmo nesse

aspecto, apesar de não haver mudança nas pessoas ou objetos, no romance podemos

acompanhar a descrição do silêncio, das paredes e o isolamento do soldado logo em sua

chegada com os ruídos cotidianos que ouvia de seu quarto, funcionando como uma suspensão

do tempo. Coisas que são suprimidas na filmagem, amenizando, de uma certa maneira, a

angústia do personagem, pois não havendo a morosidade explícita do passar do tempo, não há

também, de imediato, a consciência da inutilidade da espera; mas, de qualquer modo

ressaltamos que a esperança do soldado zurliniano é também pausada e silenciosa.

Outro diferencial que vai além das questões de adaptação – estando muito mais ligado

ao fato dos personagens de Valerio Zurlini serem sempre ignorantes com relação ao destino

que os aguarda – é a maneira como o diretor encurta a travessia de Drogo até o Forte, tirando

fora o cansaço da caminhada, amenizando inclusive sua sede, literalmente, ao colocar, na

seqüência do encontro com o capitão, a oferta de uma caneca de água, enquanto no romance

ele apenas ouve o chacoalhar do líquido no cantil, aumentando assim seu desespero;

economizando também as dúvidas e a desilusão do personagem com a distância e a incerteza

sobre a existência do Forte. Mas, notadamente, ele exclui a noite em que o soldado passa

sozinho, quando ele interioriza o medo do desconhecido e até as “batidas do casco de seu

cavalo no chão” lhe soam “de modo antipático e esquisito”. Também, no romance, na

primeira visão do Forte seu pensamento já não era alentador: “Ah, voltar! Não ultrapassar

sequer a soleira daquele forte e descer à planície, à sua cidade, aos velhos hábitos!”

(24)

Dicas, ignoradas por Zurlini, que elucidam, de uma certa maneira, que o sujeito sabe o

destino que o espera e mesmo assim segue em frente. Há uma ambigüidade aí em poder traçar

o próprio destino e, mesmo assim, optar por abraçar o que se prenuncia. Embora a questão da

liberdade esteja presente, uma vez feita a escolha pela nulidade, não há mais reação

(admitindo-se que a primeira escolha cancele qualquer novidade). No entanto, no filme, o ‘ir

em frente’, não é uma escolha, mas caminho natural, porque a consciência é justamente

embotada pela esperança, que sempre brilha antes do desfecho fatal.

Neste recorte das diferenças entre o romance e o filme O Deserto dos Tártaros, é

interessante observar que os personagens zurlinianos vão sendo envolvidos na trama de um

mau destino, sem perceber e sem que eles possam escapar, a não ser quando dispostos a

repassar suas vidas, mas mesmo assim, a redenção alcançada não é exatamente a felicidade.

Ao analisarmos, portanto, essa ‘economia’ nas primeiras seqüências do filme, notamos que,

talvez, haja uma certa artimanha, por parte do diretor, em fazer com que o espectador

também tenha alguma esperança naquela empreitada, mesmo já conhecendo a história, ainda

mais porque conduzido sempre pelo olhar inocente do protagonista, e só perceba, também ele,

espectador, aos poucos, quão inglória seria aquela viagem. Concluímos com isto que

enquanto a angústia, o desejo de fuga, de não aceitação pacífica daquele destino, é condição

de sofrimento e desilusão constante no personagem de Dino Buzzati, em Zurlini, esses

sentimentos são uma conseqüência da tentativa de enquadramento no mundo dos outros, ato

de constante risco.

A ruptura com o mundo anterior ou mesmo com o mundo exterior é característica dos

personagens zurlinianos, e também está obviamente presente no romance de Buzzati, mas,

enquanto os primeiros precisam abandonar o passado para ter alguma chance no futuro – mas

só percebem isso quando o futuro lhes acena de forma concreta –, a construção da

desesperança e tentativa de recomeço no segundo se dá conforme a ocorrência da sensação de

um presente malogrado. O Forte é a metáfora do estar fora, é a rua, o mundo a ser

conquistado; o desejo de voltar do soldado Drogo é o desejo natural de proteção: voltar ao

seio materno, ao aconchego da casa, dos amigos. Movimento que não encontramos na postura

limite entre a consciência e a inconsciência com a qual Zurlini lança seus personagens,

sempre dispostos a enfrentar o desconhecido, pois, para o diretor, a desilusão é um atributo

externo, de fora para dentro – sua conduta é a que no mundo não há salvação, se salvação

houver, ela está dentro – mas é para fora que se caminha, voltar nunca está em questão.

E, neste ponto, o veio cristão do diretor assinala – repassando a sina de Cristo, a quem

só foram permitidos alguns momentos de fraqueza, e assim mesmo às vésperas de seu

sacrifício – a busca pelo ‘momento de glória’, que permanece inalterada até o fim, permeada

pela esperança de redenção. Sendo isto o que mais interessa ao diretor, na maior parte das

vezes tomado por um pessimismo exacerbado, a possibilidade de retirar de seus personagens

até esse último momento de redenção. Trinta anos depois, Drogo é mandado para casa no dia

exato em que se pode avistar o inimigo na fronteira, sua morte não é ‘coroada por louros’, se

houvesse uma consciência prévia (ou seja, se a esperança não triunfasse antes da consciência),

o impacto talvez fosse menor. Não é o que acontece com o romance de Dino Buzzati, mais

fiel talvez aos preceitos sartrianos, onde a consciência e mal-estar sempre prevalecem e é

dado ao leitor compactuar com o personagem a aflição de cada momento que passa, o ter

paciência com a repetição, o ir se enredando cada vez mais numa trama monótona e sem

volta, apesar de algum desejo insistente de retornar, enquanto em Zurlini, de uma certa

maneira, o sofrimento em si, é a única salvação.

Desta maneira o compasso de espera se constitui como idealizador. Por um lado nos

remete ao desejo que propulsiona o encontro com o desconhecido, e este mundo novo –

encontrado pelo desejo de quem procura – nada mais é do que a projeção do que já se

esperava encontrar, daí a angústia sempre balizada pela esperança, num jogo de amor à

própria desventura. Por outro, este ‘viajante’ parte porque está pronto, porque chegou a sua

hora e ele obedece como realmente um soldado que não aprendeu a desejar, e o desconhecido

passa a ser realmente o estrangeiro que surge para justificar a caminhada, para nomear a sua

escolha. No capítulo “A imagem-afecção: qualidades, potências, espaços quaisquer”, Gilles

Deleuze, ao dissertar sobre a questão da luz e sombra na construção do espaço, teoriza com os

filósofos:

“De Pascal a Kierkegaard desenvolvia-se uma idéia muito interessante: a alternativa

não se apóia nos termos da escolha e sim nos modos de existência de quem escolhe. É que há

escolhas que só podem ser feitas se estivermos convencidos de que não há escolha, seja em

virtude de uma necessidade moral (o bem, o dever), seja em virtude de uma necessidade física

(o estado de coisas, a situação), ou em virtude de uma necessidade psicológica (o desejo que

se tem de alguma coisa). A escolha espiritual se faz entre o modo de existência daquele que

escolhe desde que não saiba, e o modo de existência daquele que sabe que se trata de

escolher. É como se houvesse uma escolha da escolha ou da não-escolha. Se tomo

consciência da escolha, já há, portanto, escolhas que não posso mais fazer, e modos de

existência que não posso mais levar, todos aqueles que levava acaso me persuadisse de que

‘não havia escolha’”

(25)

Teoria que parece poder ilustrar bem os dois tipos de comportamento cabíveis no

mesmo personagem, impressos na escrita e na imagem. O soldado Drogo, do romance, tem a

‘consciência da escolha’, e participamos, através de seu fluxo de pensamento – ou informados

pelo narrador –, do sofrimento que isso acarreta: uma vez dado o primeiro passo, não haver

mais escolha a fazer. E o Drogo das imagens de Zurlini caminha em direção ao seu destino,

sofrendo as vicissitudes daquele tempo, como se não soubesse ser ele o responsável por

aqueles trinta anos à espera de uma significação.

De qualquer maneira, o que dá sentido a essa existência, a essa espera, consciente ou

não, é o outro. São os Tártaros que, de uma hora para outra, podem invadir a fronteira, são os

bárbaros que, como dita o poema, frustram com sua ausência, o cotidiano de uma cidade

inteira, daí a desolação final do poeta: “Ah, eles eram uma solução”. A diferença da marcação

do tempo e caracterização da espera, talvez esteja mesmo no poder de intimidade da escrita e

na longa exposição dos rostos – expressões – possibilitada pela câmera e todos os recursos

fílmicos. As seqüências internas do Forte, onde se dará – ou não – a adaptação de Giovanni

Drogo ao castelo e seu relacionamento com os diversos tipos que ali se encontram, tendem a

diminuir um pouco (agora por conta dos diálogos) essa espécie de desencontro entre os ‘dois

tenentes’ que traçamos nesta análise. Mas, uma vez comparados e revelados pelo filtro de

duas lentes distintas: a câmera, que confunde a angústia esboçada do personagem com o

fundo desértico – a imagem do vazio estando fora, portanto – e a escrita que registra, pela

descrição exaustiva de gestos e acontecimentos repetidos, essa mesma angústia, estes ‘dois’

tenentes sempre irão coexistir. Um carecendo da linguagem para se expressar, o outro da

imagem silenciosa da imensidão do deserto.

Talvez seja a isto que Zurlini chama de interpretação do filme, a possibilidade de

desmembrá-lo, mesmo que em essência a história não seja modificada.

* * *

C – A Dimensão do Silêncio

“Silêncio número um, o do universo”

Pascal

“Parlavi anche tu, come tutti nella villa, a bassa

voce, avevi acquistato la dimensione del silenzio.”

Vasco Pratolini

Repassando todos os filmes de Valerio Zurlini, mesmo que de maneira superficial,

percebe-se que seu tema recorrente (ao menos em seis de seus oito longas-metragens) é a

constatação da impossibilidade das relações, ou, nas palavras do próprio diretor, “da validade

delas”. O problema da solidão remediada no encontro do outro, possibilitando, desta maneira,

o encontro de si mesmo, está registrado em situações as mais diversas, seja no desencontro de

classes sociais, nas diferenças de idade, de ideologia, do esfacelamento familiar, ou seja ainda

na tentativa de encontrar um lugar no mundo. O desenlace dessas narrativas, longe de compor

um final feliz, atesta um estado de consciência só alcançado depois de uma estadia no deserto,

para usar aqui uma simbologia cristã, lembrando também seus vários desdobramentos: o

martírio, a privação, a hostilidade, a guerra. Todos significando uma preparação para um

momento de plenitude, geralmente representado pela morte

Este é, portanto, um mundo à

parte de uma felicidade comum sonhada, sendo antes, um mundo onde as pessoas, os

personagens, almejam um entendimento sobre a própria existência. Os recursos usados pelo

diretor, como a valorização do silêncio, do olhar contemplativo, das pausas e cenários vazios

de personagens, vão dando forma a esta espécie de demonstração da condição humana.

Pascal, um dos filósofos lidos por Valerio Zurlini, em um de seus Pensamentos,

afirma: “É preciso conhecer-se a si mesmo; se isso não servisse para encontrar a verdade,

serviria ao menos para regular a vida, e não há nada mais justo.”

(26)

É claro que a questão

do conhecer-se a si mesmo remonta aos primórdios da filosofia e teríamos um sem número de

citações para ilustrar esta ‘busca’ dos personagens zurlinianos, mas citamos Pascal porque a

visão do infinito, tanto espacial quanto temporal, e a atitude necessária de contemplação do

homem diante do universo, ocupou grande parte de seus escritos. Sendo que o mais

importante neste estudo é o que se pode extrair desta reflexão sobre o silêncio, para uma

compreensão, senão da pequenez humana na sua relação com o universo e seu possível

criador, mas com a compreensão do sentimento de angústia diante das várias e imensas

possibilidades do homem em relação ao universo e a si mesmo. O problema da angústia que

tratamos, portanto, não é o da falta de perspectiva ou da falta de crença, ou, com isto, a

conseqüente certeza da ausência de Deus, mas sim a angústia criada pela percepção da

distância absurda que há entre criador e criatura, o que significaria dizer, em termos menos

religiosos, entre o indivíduo e aquele que o faz reconhecer-se como tal: o outro. A distância

entre o desejo e a perfeição que há em realizá-lo; a distância entre a disponibilidade para a

busca e a sensação de inutilidade ao fim do caminho. O encontro com o outro, que, por

identificação acaba se tornando seu duplo, é o encontro com Deus, o que equivaleria dizer, o

encontro com a morte, mediado pelo profundo silêncio da compreensão.

Lucian Goldman, em seu trabalho intitulado Le Dieu Caché, ao analisar os

fragmentos de Pascal, fala da “solidão do homem entre o mundo cego e o Deus escondido e

mudo”

(27)

. Solidão angustiante, mas que só o homem pode sentir por saber de sua existência

e seus limites (grande diferencial humano perante o Universo, segundo Pascal). Mesmo assim,

podemos arriscar dizer que haja uma diferença entre esta mudez divina, que se constitui como

ausência total de consolo, e o silêncio que se constrói para substituir o falatório desordenado

do mundo em contínua mutação. Os personagens zurlinianos, em alguns momentos que são

reveladores, abstraem-se do ambiente, formando uma redoma que abrange somente o assunto

principal. Para ficar em apenas três exemplos: o encontro na seqüência do final da escada,

entre Lorenzo e Aida, com o corte rápido para outra cena, em A Moça com a Valise; o quanto

(tempo de duração diegético) os dois irmãos conseguem se olhar de tão perto no leito do

hospital, até o mais velho cair em pranto, sem pronunciar uma única palavra, em Dois

Destinos; o eterno jogo de olhares entre casais desencontrados em vários filmes, mas mais

perfeitamente bem acabado em A Primeira Noite de Tranqüilidade. A narrativa zurliniana,

desta maneira, conta muito mais com pressupostos do que com os fatos propriamente ditos, ou

seja, o distanciamento entre o fato dado e o indivíduo, cuja aproximação – coincidência entre

sujeito e acontecimento –, que aprendemos ser somente possível através da mediação

proporcionada pelo discurso narrativo

(28)

, vai se valer, no modo de filmar de Valerio Zurlini,

também de um silêncio elucidativo, que passa a ser uma outra forma de comunicação e,

portanto, de aproximação. E é este silêncio, são estas pausas, estes congelamentos de imagem

que contam a história, que explicam a angústia de seus personagens, substituindo muitas

vezes a voz narrativa.

Não se trata apenas da pausa entre as falas ou da freqüente ausência de diálogos

em determinadas situações, mas do silêncio que há na continuidade da narrativa, na supressão

de informações, nas elipses temporais que vão desconstruindo uma realidade em favor de um

mundo à parte, geralmente pertencente apenas ao campo da memória, não necessariamente

fiel aos fatos. Isto porque nem sempre o passado está completamente disponível para embasar

a realidade, dependendo da maneira como é buscado e dos vazios causados pela distância

temporal, sendo que esses vazios não se constituem como lacunas irremediáveis, mas apenas

retardamentos. Henry James, em seus ensaios em forma de prefácios, ao explicar o processo

criativo na escrita de “Os Papéis de Aspern”, faz uma analogia com a proximidade do passado

como se este estivesse separado do presente apenas por um espaço alcançável pela distância

de “um braço”, e que, mesmo na disposição de olhar para o outro lado, “o elemento da

apreciação se contrai – assim como o charme de olhar por cima da sebe para outro jardim se

quebra quando surge uma sucessão de sebes.” Parafraseando o autor, o que se pretendia

perceber do passado passa por filtros que transgridem, de uma certa maneira, o objetivo do

que estava sendo buscado, causando vazios, silêncios intermitentes, que também são

informações, por isto insistimos que esses ocultamentos emprestam ordem à narrativa. “Nós

nos dividimos, é claro, entre gostar de sentir o passado estranho e gostar de senti-lo familiar;

a complicação reside, com vistas à intensidade, em captá-lo no momento em que os pratos da

balança pendem no equilíbrio certo.”

(29).

Lembramos, com isto, que há diferentes modos de silêncio, aquele que suprime,

oculta, esconde, engana; e aquele que revela, clareia, exemplifica, sendo que este se constitui

quase como uma fala. Para seguir na linha de Lucian Goldman, destacamos na versão de

Racine

(30)

da tragédia grega Fedra, um tipo de silêncio que entra como recurso do enredo,

sendo um silêncio anunciado. A peça se solidifica a partir deste mote, primeiro a importância

do silêncio mantido por anos pela Rainha – de seu amor pelo enteado –; depois, o silêncio

mantido por Hipólito, contra a sua própria defesa, ao calar-se diante das acusações de seu pai

– para não ferir-lhe os sentimentos e a honra. Este silêncio, decidido por uma mulher ainda

virtuosa – antes de ouvir os conselhos funestos de sua ama – e o escolhido pelo filho

absolutamente leal, oculta, como uma mentira boa, a calúnia, a injustiça, a dor. Silêncio que,

ao ter seu conteúdo revelado no fim da tragédia, preenche a lógica do encadeamento dos fatos.

Mas este tipo de ocultamento dos fatos, recurso comum ao desenvolvimento da trama

ficcional, ao contrário do anterior, não é um silêncio perturbador em si mesmo, não é,

portanto, um silêncio nem substancial, nem existencial, mas sim um silêncio circunstancial.

Usamos este exemplo para esclarecer que o silêncio que nos interessa no cinema

de Valerio Zurlini não é o que serve ao enredo, mas um silêncio externo à narrativa, que

acontece como opção de não contar aquela história plenamente, porque o que interessa está

entre os acontecimentos, o que realmente interessa está na disposição da busca desses

acontecimentos, mesmo que necessariamente intermediados por outras histórias no meio do

caminho; caracterizando, portanto, a reação das personagens, independente do destino que

tenham que cumprir e também no modo como o cumprem. Se pensarmos individualmente,

não há nenhuma exaltação nos personagens zurlinianos, sejam criações suas ou adaptadas de

romances, eles são absolutamente comuns, o que os diferencia é um toque de infelicidade

quase almejado, sem explicação, a não ser pelo modo como olham o caminho que irão trilhar.

O silêncio que ronda as falas, que está presente nas paisagens solitárias e inóspitas, e,

principalmente, que vai descortinando diferentes traços em closes dos mesmos rostos, este

sim, é substancial, porque se constitui como matéria do que virá; e existencial, porque pré-

anuncia talvez a única condição que diferencia um ser humano do outro, que é a consciência

do mal (mal como o irremediável, não necessariamente a maldade). Para ficarmos somente

nos nossos três principais filmes: é o olhar do soldado Drogo na direção da imensidão do

deserto e a câmera em seu rosto, mostrando-o cada vez mais envelhecido e debilitado, que

denuncia a lenta agonia de uma vida inglória, em O Deserto dos Tártaros; são as caminhadas

pelo cais do professor Daniele, em A Primeira Noite de Tranqüilidade, que praticamente

anulam os últimos acontecimentos, que anunciam seu estado de morte, antes mesmo da real,

física, chegar

(31)

; é o eterno estado de acossado do personagem Enrico de Dois Destinos,

fixado, como iremos discutir mais a frente, em ângulos retos e longos closes em seu rosto, que

o classifica para a verdadeira expiação de sua vida, que é de finalmente encontrar e

definitivamente perder, ao mesmo tempo. Em todos os casos a busca inútil é dada como

fundamento silencioso da narrativa.

Notas:

1- Informações biográficas retiradas das seguintes fontes:

-Minotti, Gianluca. Valerio Zurlini. Milano: Editrice Il Castoro, 2001.

-Sadoul, Georges. Dictionnaires des Cinéastes. Paris: Editions du Seuil, 1977.

-Sites: imagesjournal – 12/04/2007 / italica.rai – 6/09/2007/ Rai international on line –

11/2006.

2- Gili, Jean. “Percorso di un’opera”. In: Martini, Giacomo (org.). Una Regione piena di

Cinema – Valerio Zurlini. Roma: Cinecittà Holding, 2000, p. 36.

3- Gili, Jean. “Intervista a Valerio Zurlini”. In: Martini, Giacomo (org). Op. cit. p. 9 – 28.

4- Segue abaixo a relação de títulos da sua produção de curtas-metragens, realizada no

período que se estendeu de 1950 a 1955. Os títulos de cinco deles, que fizeram parte da

Retrospectiva sobre Valerio Zurlini que aconteceu na 25ª. Mostra de Cinema, estarão

acompanhados da tradução:

- Racconto del Mare (1950)

- Sorrida... Prego (1951)

- Favola del Cappello (1951)

- Miniature (1951)

- Pugilatori (1951) (Os Boxeadores)

-Il Gioiello degli Estensi (1952)

- I Blues della Domenica (1952)

- Il Mercato delle Facce (1952) (O Mercado das Faces)

- Serenata da un Soldo (1953) (Serenata de um Vintém)

- La Stazione (1953) (A Estação)

- Soldati in Cittá (1953) (Soldados na Cidade)

- Ventotto Tonnellate (1953)

- Medioevo Minore (1955)

Informações sobre os curtas-metragens retiradas de Minotti, Gianluca. , Op. cit. , e do

catálogo da 25ª. Mostra BR de Cinema. São Paulo: BR/Governo Federal, 2001, p. 144-151.

5- Segundo depoimento do assistente de direção Florestano Vancini, recolhido nos extras do

DVD com cópia restaurada de Verão Violento, lançado pela Versátil Vídeos, 2007.

6- Lembramos que este recurso também foi utilizado por Ettore Scola, em seu filme Una

Giornata Particolare, de 1977.

7- Depoimento recolhido no DVD Verão Violento, cit.

8- O livre trânsito de Zurlini entre as artes deve-se, além de seu gosto pessoal, à maneira

como ele teve acesso a este mundo, primeiro como modo de sobrevivência e, em seguida,

abandonando de vez as obrigações familiares (diplomando-se em Direito e jamais exercendo a

profissão). “O encontro de Zurlini com a arte e, em particular, com a pintura, foi casual.

Como casual, de outro lado, o encontro com o cinema. Nem em um nem em outro, ele

concluiu um percurso formativo regulamentar; foi um autodidata; com toda a impetuosidade

e ingenuidade.” (Masoni, Tullio. “La Città nel deserto (fra cinema e pittura)”. In: Martini,

Giacomo (org). Op. cit. p. 45.)

9 – O pintor e ensaísta Carlo Carrá (1881-1966), foi influenciado por várias fases em sua arte,

desde o metafísico De Chirico até pinturas mais clássicas. Mas seu interesse por paisagens

marinhas e o uso de tons claros, acaba por despertar maior atenção de Zurlini.

10- A canção Temptation, de Nacio Herb Brown e Arthur Freed, foi bastante popular nos anos

de 1940/50.

11- O filme Guendalina, com roteiro de Valerio Zurlini, acabou sendo filmado por Alberto

Lattuada, em 1956, tendo como protagonista a atriz Jacqueline Sassard, que viria a ser mulher

de Zurlini mais tarde. A história conta o amor interrompido de um casal por conta das

diferenças sociais, ela uma moça da classe alta que, ao passar as férias na casa de verão da

família, se apaixona por um modesto estudante. Tema bastante caro ao nosso diretor.

12- Il Giardino dei Finzi-Contini (O Jardim dos Finzi Contini), filme dirigido por Vittorio

De Sica, em 1971, trata da perseguição dos judeus na Itália, o que, por si só, já justificaria o

interesse de Zurlini, em se tratando de um tema que denuncia a participação controversa dos

italianos na guerra. Mas os personagens do romance de Giorgio Bassani ocupam uma posição

de desconforto em relação ao mundo em que vivem, à situação a que são expostos e à

sensação de total desamparo e duplicidade perante a existência, muito semelhante àquela

experimentada pelos personagens zurlinianos. Como podemos ver na análise de Nancy

Rozenchan: “o indivíduo só, incompreendido, isolado em uma realidade não passível de

modificações, em um mundo hostil e inexoravelmente igual.” Além de uma inadequação com

os novos valores estabelecidos com o pós-guerra e uma tentativa de encontrar no passado, nas

raízes ainda não esfaceladas da família, um movimento de continuidade, para escapar do que

a autora coloca como “incapacidade de inserir-se conscientemente na realidade

contemporânea.” “O Jardim dos Finzi-Contini: o ocaso de uma continuidade”. In: Revista

Italianísitica. São Paulo: Humanitas, ano IV, n. 4, 1996, ps. 104-106.

13- Texto de Carlos Reichenbach, “Poética cinematográfica que aspira à síntese”, publicado

no Suplemento Cultura de O Estado de S. Paulo, em 6 de setembro de 2007, p. 2, à propósito

do lançamento dos primeiros filmes de Zurlini, em DVD.

14- Através de fragmentos encontrados de discípulos do filósofo grego Pitágoras conhecemos

suas descobertas matemáticas e também sua teoria musical. Para ele, a ordenação numérica

era o princípio de todas as coisas e a responsável pela organização do Cosmos. Encontramos

em estudo realizado por Nietzsche, o seguinte comentário: “A música, com efeito, é o melhor

exemplo do que queriam dizer os pitagóricos. A música, como tal, só existe em nossos nervos

e em nosso cérebro; fora de nós ou em si mesma (no sentido de Locke), compõe-se somente

de relações numéricas quanto ao ritmo, se se trata de sua quantidade, e quanto `a tonalidade,

se se trata de sua qualidade, conforme se considere o elemento harmônico ou o elemento

rítmico. No mesmo sentido, poder-se-ia exprimir o ser do universo, do qual a música é, pelo

menos em certo sentido, a imagem, exclusivamente com o auxílio de números. ” (O

Nascimento da Filosofia na Época da Tragédia Grega. In: Pré-Socráticos. São Paulo: Abril

Cultural, 1978, p. 56.). Se pensamos então em termos da harmonia musical, onde os espaço

entre as notas é que produz o ritmo, podemos traçar este paralelo entre o dito e o não dito, a

fala e a pausa,o olhar e o silêncio, que expressam o sentimento na narrativa zurliniana.

15 - Tarkovski, Andrei. Esculpir o Tempo. São Paulo: Martins Fontes, 1998, p. 23.

16- Piero De Bernardi e Leo Benvenuti, roteiristas que já haviam trabalhado neste romance

que, a princípio, seria dirigido por Gillo Pontecorvo; posteriormente, Valerio Zurlini foi

chamado por Morris Ergas para filmá-lo.

17- Catálogo da Mostra – cit., p. 150.

18- Do projeto coletivo Vangelo 70, que saiu com o nome de Amore e Rabbia, em 1969,

numa co-produção França/Itália, participaram, com episódios, os diretores: Bernardo

Bertolucci (Agonia), Marco Bellocchio (Discutiamo, discutiamo), Jean-Luc Godard

(L’Amore), Carlo Lizzani (L’Indiferenza) e Pier Paolo Pasolini (La Sequenza del fiore di

carta). (Informações obtidas no site: LeeLibros.com. biblioteca de Sedice.)

19- Brunetta, Gian Piero. Cent’anni di cinema italiano. 2 v. Laterza: Roma-Bari, v. II.,1998,

p. 251.

20- Candido, Antonio. “Quatro Esperas”. In: O Discurso e a Cidade. São Paulo: Livraria

Duas Cidades, 1998, p.155-161.

21- Buzzati, Dino. O Deserto dos Tártaros. Rio de Janeiro: Editora Nova Fronteira, 2005,

p. 10.

22- Op. cit., p. 13.

23- Candido, Antonio. Op. cit., p. 184.

24- Buzzati, Dino. Op. cit., p. 24.

25- Deleuze, Gilles. Cinema . A imagem – movimento. São Paulo: Brasiliense, 1985, p. 146.

26- Pascal. Pensamentos. São Paulo: Abril Cultural, 1979, fr.60, pg.55.

27- Goldman, Lucian. Le Dieu Caché. Paris: Gallimard, 1959.

28- Reflexão a partir de anotações de aula do curso: “Análise de Filmes, Crítica de Cinema”,

ministrado por Ismail Xaviel, no primeiro semestre de 2004.

29- James, Henry. “Prefácio a ‘Os Papéis de Aspern’”. In: A Arte do Romance. São Paulo:

Globo, 2003, p. 225-226.

30- Fontes, Joaquim Brasil (org. e trad.). Hipólito e Fedra – Três Tragédias. São Paulo:

Iluminuras, 2007.

31- Sobre este aspecto, da morte em vida do personagem, encontramos no depoimento de

Antonio Gonçalves Filho, a propósito de sua apresentação da cópia para DVD do filme A

Primeira Noite de Tranqüilidade (Versátil - 2007), a seguinte afirmação: “As relações

familiares que definem a personalidade de alguém, que são relações incômodas, aparecem na

hora que a pessoa / o personagem morre. Vem à tona toda a vida dele, este é o paradoxo, o

que era esta vida dele antes, se ele estava morto ou não diante disto. Se a família dele

provocou uma morte social (...) no final, esta família negada no início, aparece, seus

remanescentes estão lá (aqueles que causaram a morte social do personagem) e estão mais

mortos do que ele (...) isto no epílogo do filme, o que, de alguma forma, define esta relação

vida-morte que já estava presente na principal seqüência do filme que é a da visita à

Madonna, que mostra esta tristeza de estar gerando um filho para ser morto...”.

* * *

O DESENHO DA AUSÊNCIA

“ Cronaca Familiare – Dois Destinos”

A – O Filme

“O mundo caminha levado por afinidades

afetivas, seja no Bem como no Mal.”

Vasco Pratolini.

Dois Destinos (Cronaca Familiare), de 1962, é, da obra de Valerio Zurlini, o filme

mais significativo no que tange ao estilo e preocupações centrais do diretor, como já

destacadas: a questão do silêncio, como ponto referencial; do olhar e da contemplação de

detalhes que circunscrevem as ações. Retrata com extrema elegância a composição da

memória em conformidade ao meio externo e, ainda, é capaz de circular entre um espaço e

outro, o externo e o interno, através de elipses narrativas que vão sendo desenhadas por uma

câmera paciente e precisa. Dizemos que essas elipses narrativas traçam um desenho, no modo

de filmar de Zurlini, no sentido de composição, o que está não dito num determinado ponto,

forma um traço de continuidade com o próximo corte, a próxima elipse, formando uma lógica

entre as ausências que se constitui, afinal, em um modo de contar a história. Não se trata,

portanto, de classificar essas elipses em mensuráveis ou indefinidas, identificando, desta

maneira, uma continuidade na seqüência seguinte ou a presença de algo que nos remeta ao

tempo passado, como nos aponta Noel Burch

(1)

. Mas de ressaltar o significado delas dentro

de uma narrativa toda apoiada em flashbacks constituídos pela memória do narrador e

protagonista; o significado que existe por trás – ou para além – do recurso cinematográfico de

inserir o tempo real no tempo diegético. Dentro do cinema clássico de Valerio Zurlini é

possível encontrar essa ruptura, senão da forma, mas da significação desses lapsos de tempo.

Esta memória, que está sendo oferecida, é também apresentada de maneira peculiar

pelo narrador, pois, nem sempre, como veremos, é condizente com seu tempo, mas, aliada à

exposição da interioridade e subjetividade dos personagens, faz com que tal narrativa

percorra a ordem dos acontecimentos ditados por eles e não ao contrário. Pois sambemos que

uma narrativa tradicional alia fatos externos a um conjunto de impressões pessoais,

proporcionando um embasamento histórico ao seu relato. E, uma história que pretende narrar

os acontecimentos de uma vida a partir dos dados da memória, também recorreria aos

acontecimentos externos para viabilizar uma veracidade nesses fatos. Mas o que entendemos

aqui é que a memória do personagem ultrapassa a importância de uma conferência com a

realidade, dando vazão, desta maneira, ao sentimento, e o que dele se extrai, dos

protagonistas. A narrativa no cinema de Zurlini, portanto, vai sugerindo uma forma que dará

campo aos acontecimentos externos, sem que estes, no entanto, tornem-se o centro da atenção.

O espectador logo percebe que saber o futuro dos dois irmãos, protagonistas deste filme,

conforme os fatos se deram, não é a proposta central, mas focalizá-los num movimento de

reflexão e inflexão é que trará à tona uma verdade, antes inconcebida, tanto para a elaboração

da consciência do narrador, quanto para a relação com a História que o circunscreve.

Contando, inclusive, com a relatividade que o conceito de verdade pode ter num contexto

ficcional – mesmo que esta ficção retrate uma época real – como explicitado por Antonio

Candido:

“O termo “verdade” quando usado com referência a obras de arte ou de ficção tem

significado diverso. Designa com freqüência qualquer coisa como a genuidade, sinceridade

ou autenticidade (termos que em geral visam à atitude subjetiva do autor); ou a

verossimilhança, isto é, na expressão de Aristóteles, não a adequação àquilo que aconteceu,

mas àquilo que poderia ter acontecido; ou a coerência interna no que tange ao mundo

imaginário das personagens e situações miméticas; ou mesmo a visão profunda – de ordem

filosófica, psicológica ou sociológica – da realidade.”

(2)

E, ao recorrermos à leitura do romance Cronaca Familiare de Vasco Pratolini,

adaptado por Zurlini, nos deparamos, logo no início, justo com uma advertência “ao leitor”,

onde o escritor faz questão de deixar claro: “Este livro não é uma obra de fantasia. É um

colóquio do autor com seu irmão morto. O autor, escrevendo, procurava consolo, nada mais.

Ele tem remorso por haver apenas intuído a espiritualidade do irmão, e muito tarde. Estas

páginas se oferecem, portanto, como uma estéril expiação.” Trata-se, portanto, de um tributo

ao irmão morto, tardiamente compreendido por ele, em que se pretende apaziguar a própria

culpa. E o que segue é um discurso em primeira pessoa, onde o narrador/personagem começa

a contar sua vida através da lembrança mais longínqua que tem da sua infância: o dia da morte

de sua mãe. Narrando partes escolhidas de sua trajetória onde se encaixam os encontros e

desencontros com esse irmão, tirado de seu convívio desde muito cedo, numa sucessão de

acontecimentos apresentados como reais (não ficcionais, portanto), embaralhados por

sentimentos que só podem se revelar, quando desembaraçados pelos dedos – hábeis – da

memória. E ainda assim, um pouco mais elucidados, porque vão sendo permeados pelo

contexto histórico: a guerra, a escassez, o embate de classes sociais. Formando, dessa

maneira, uma linha rastreadora paralela ao mundo real, para chegar, finalmente, na história

narrada. Mas como nem romance nem filme se explicitam de forma documental, vamos nos

valer, em nossa análise fílmica, da liberdade com a qual a memória deste narrador transita

entre o que aconteceu e o que “poderia ter acontecido”, o que significaria dizer entre a

“ficção” e a “realidade”, mas, também, entre o que se deu e o que se desejaria que tivesse

acontecido, na história particular e íntima dos dois irmãos.

Em resumo, a história é a que segue:

Dois irmãos (interpretados por Marcello Mastroianni, como Enrico, o mais velho e

Jacques Perrin, como Dino/Lorenzo), após a morte prematura da mãe por complicações no

parto do mais novo, acabam vivendo separados. Enquanto o mais velho, então com oito anos,

vai viver com a avó materna, uma vida simples e repleta de limitações financeiras, o mais

novo, Dino, por conta de seus atributos e encantos físicos – ele era um bebê loiro de olhos

claros e face rosada – é adotado pelo Sr. Salocchi, mordomo de um barão inglês. Lorenzo,

como passa a ser chamado, será criado num ambiente social completamente diferente e viverá

protegido de qualquer privação até que, passados alguns anos, eles voltam a se encontrar.

Mas estes reencontros, que se darão ao longo de dez anos, serão marcados por uma sucessão

de desafios, acarretados por um mundo completamente mudado, não só o cotidiano e fatos

pessoais da vida de cada um, como com o advento da Segunda Guerra; culminando, ainda,

com a descoberta, no decorrer do tempo, da saúde frágil e conseqüente morte de Lorenzo. O

relato do narrador (que seria o autor da história e também o protagonista), é feito em

flashback, como num mergulho em sua memória, com freqüentes voltas ao momento

presente, ponto inicial da narrativa, quando Enrico, após receber a notícia fatal, vai para o seu

apartamento e, a partir da paisagem de um quadro em sua parede, começa seu relato. Em um

tom arrastado, mais como quem quer entender do que propriamente contar, suas memórias

envolvem tanto o que ele presenciou como o que ele imagina ter acontecido, assim como

alguns acontecimentos que teriam ocorrido quando ele não estava presente. Desta maneira, os

dois irmãos vão sendo apresentados ao espectador ao mesmo tempo em que vão, eles

mesmos, re-conhecendo-se mais intimamente. A narrativa, além de acompanhar a lenta

agonia dos dois irmãos, um que sofre porque está morrendo e o outro que sofre ao descobrir o

amor tardio que sente por ele, vai reatando, de maneira lenta e gradual, a história pregressa

desta família desfeita pelas adversidades: a morte prematura da mãe, o abandono dos filhos

pelo pai, a avó viúva que se vê impotente para cuidar dos dois netos. Conciliando, cada um a

seu tempo, o destino de todos eles.

* * *

O diretor e roteirista Valerio Zurlini (acompanhado nesta adaptação por Mario

Missiroli e pelo próprio Vasco Pratolini), apesar de atender com certa fidelidade à forma

narrativa do romance, vai se valer exatamente de um efeito presença/ausência, já

explicitamente pontuado pelo romancista; sendo a presença mais uma necessidade de se

afirmar como verdade, para efetuar, em termos visuais, a sua história, e a ausência uma falta,

talvez intencional, de comprometimento com ela (a verdade). Como se pode observar, logo no

início do filme, quando, ao som de uma máquina de escrever (som que materializa

antecipadamente o ambiente a ser mostrado), o diretor abre a tela para mostrar, em primeiro

plano, fotografias de época que, praticamente, falam por si mesmas: a imagem de uma

senhora, um menino e um nenê no colo de uma ama seca (mais tarde o espectador pode

perceber que a foto retrata os personagens). Denotando, logo de saída, o que não está ali, o

que se perdeu no tempo e carece de registro para não se perder definitivamente. Pode-se

observar um cuidado técnico na focalização de alguns detalhes e no enquadramento deles,

quando aparece num canto da tela, à guisa de introdução, a epígrafe de Ugo Foscolo, retirada

do próprio romance: “Il fior de’ tuoi gentili anni caduto.”

(3)

. Na seqüência seguinte é a vez

de dar corpo àquele que vai tecer o fio condutor, alinhavando, através da contextualização

familiar, a narrativa que vai se apresentando, a seu modo, linear. Enrico aparece encostado na

parede, em segundo plano (o plano detalhe é a máquina de escrever, como já enunciado, o seu

som prescinde a descrição do lugar/espaço no qual a seqüência se dará, pois esse som das

teclas da antiga máquina, além de representar a escrita, o texto, a história a ser narrada,

representa também um ambiente de trabalho ou de estudo, mas principalmente, é o som de um

registro que vai se formando). Este personagem, focado já em sua completa aflição, está

nitidamente à espera de algo.

Como uma das características do cinema de Zurlini, os sons chegam sempre antes da

imagem, um telefone tocando, uma porta que bate, as vozes sem seus donos. Nesta

seqüência inicial, dentro do escritório (a redação de um jornal, supomos), o rosto de Enrico

está angulado num dos cantos da tela, significando um ser acuado, à espera, sem muito valor

naquele ambiente; como se estivesse emprestado ali, devendo um favor, para poder aguardar o

acontecimento. Ouvimos e vemos o telefone que toca insistentemente, sendo que o aparelho é

focalizado antes que alguém o atenda, demonstrando reiteradamente que, assim como a

máquina de escrever do corte anterior, os objetos, sozinhos, possuem um significado em cena.

O personagem, que continua focalizado espremido num canto da tela, passa a impressão de ter

uma visão do espaço como um todo, sendo que, ao mesmo tempo, ele está enquadrado nesse

lugar, fazendo já parte dele. Ao ouvir o chamado, Enrico se precipita e atravessa a sala, como

se, finalmente, pudesse se desvencilhar daquela espera, e alcança o espaço reservado ao

aparelho pendurado na parede, comum na época. Sua mão vacila um momento antes de tocar

no gancho, ele vira de costas e ouvimos frases reticentes do outro lado da linha: seu irmão

morreu ... tenha coragem ... . Ele se volta e o som da máquina é substituído por uma música

sacra, e há uma drástica mudança de ambiente. Enrico atravessa a sala no sentido inverso,

talvez representando um basta para aquele espaço de convívio impessoal (onde inclusive

pessoas estrangeiras entram, falando em outra língua), e sai. Há um corte para fora e junto

com a música (de Goffredo Petrassi), a tela estampa ao longo da pequena rua uma esquina que

se estreita vazia, quando aparece a silhueta de Enrico, as costas de seu sobretudo preto surge

em primeiro plano e vai se afastando, até que ele pára recostado num cano entre as lajes,

desolado, necessitando de um apoio, uma pausa para continuar.

Corte para um close agora em seu rosto, outra vez angulado num canto da tela, como

se a personagem estivesse cada vez mais acuada, apesar de já ter saído daquele ambiente

opressivo e estar ao ar livre, percebe-se que são seus sentimentos que o oprimem, ele está

sofrendo, ele está só; por um momento refeito, ele retoma a caminhada, lento. Sua figura, já

adaptada com a tristeza, segue emoldurada pelas paredes, pelas janelas, que vão se

desfocando em favor de sua forma, esta também delineada pelo tom dramático da música, que

só cessa com o corte para o interior da porta de seu apartamento. Quando ele entra, na

ausência de som, uma câmera silenciosa, como o seu olhar, percorre toda a sala; o lugar é

escuro, solitário, repleto de livros empilhados. Ao ligar o interruptor a música volta, agora

menos incisiva, acompanhando seus gestos: o entornar de uma pequena garrafa e o rosto que

se volta para cima em expressão de dor e mudo desespero. Enrico estanca, olhando para o

quadro na parede, com casas brancas sobre pequenas colinas e farta vegetação, a Villa Rossa.

Há um novo corte para um outro lugar, outro tempo, com paredes e muros caiados, ruas

angulares e vazias de cidadelas do interior, a tonalidade da paisagem campestre vai sendo

flagrada, como se fossem fotografias, flashes rápidos, porém precisos, das lembranças. E

então, a voz em off começa a narrar, enquanto duas figuras, uma velha e um menino,

aparecem caminhando em silêncio.

* * *

A primeira aparição do personagem Enrico é também a aparição do primeiro modo

narrativo. Sabemos que o narrador, tomado por sua dor e por um sentimento de perda

irreparável, mergulha em sua vida passada através da contemplação da paisagem no quadro.

Sabemos, portanto, que tudo que ele irá narrar vai estar contaminado por este sentimento, que

o impulsiona a rever sua vida e a sua relação com o irmão. Na abordagem clássica do

romance toda a história estaria previamente assentada segundo esta visão, deste narrador

solitário. E, pela definição tradicional do ponto de vista ou foco narrativo, como analisado por

Ligia Chiappini – “o problema técnico da ficção que supõe questionar “quem narra?”,

“como?”, “de que ângulo?”

(4) –

, poderíamos atestar de saída que a história será narrada por

um contador-personagem principal que, a princípio, não cederia sua interpretação dos

acontecimentos a outro personagem ou ângulo de visão. No entanto, poderíamos induzir na

análise do filme Cronaca Familiare uma certa disponibilidade, como recurso deste narrador

(se fosse possível que o próprio tomasse esta decisão) em repartir sua visão da história, como

se ao olhar para o passado ele recuperasse o sentimento ou o modo de ver as coisas das outras

pessoas. Poderíamos então supor que a narrativa em flashback vai se formando sob três

olhares, ao menos na transposição para a imagem deste testemunho, não perdendo de vista

que a história é narrada em primeira pessoa. Seguindo ainda a teoria de Friedman,

sistematizada por Ligia Chiappini, um narrador que “comenta e analisa” fatos que se

passaram com ele e com outros personagens (no caso, o irmão, a avó, e também a situação do

país), age como “testemunha”, sendo também o “protagonista”, e só narrando “o que tem

relevância para a sua vida.”

(5)

E esta relevância poderia estar no fato dele entender, de trás

para frente, o sentimento e as decisões daquelas pessoas.

Neste caso, então, teríamos, como maneira de filmar, além deste relato testemunhal

particular, a visão, ainda que interpretada, dos demais personagens envolvidos na história.

Destacando em primeiro lugar um olhar que classificaríamos de conservador e, por

conseqüência, também o mais discreto, oferecido pela lembrança da presença, em situações

cruciais, da avó que, apesar de não ser o foco principal da expiação de Enrico em busca de

seu passado, é a pedra fundamental para que a história desta família exista. É a sua

contribuição, como mantenedora daquele núcleo familiar – mesmo sendo obrigada a abdicar

da criação do neto mais novo – que vai tornar possível o resgate da memória do protagonista

que, além de ter sido criado por ela, encontra, através de suas mãos, um contato mais ou

menos cotidiano com o irmão. Sendo também por causa desta figura maternal que os dois se

reencontram num primeiro laço afetivo (cena no asilo, a ser descrita mais a frente) encontro

que selará um vínculo efetivamente familiar entre eles. E, ainda, mesmo suas interferências

sendo esparsas, é na figura dela que se estabelece a linearidade entre o passado e o presente, e

o restabelecimento, mesmo que humilde, da afetividade fraterna; através do enquadramento

de seu perfil, sempre envolto em luz e sombra, que o espectador também poderá sentir uma

garantia, eternamente renovada, da condição de continuidade naquela família.

Um outro olhar oferecido (sempre tendo em mente que fazemos esta divisão partindo

do centro da narrativa principal, que nos é dado pela memória do contador e protagonista da

história, Enrico) é o de Lorenzo, o irmão mais novo, que é aquele que direciona a atenção do

irmão, conduzindo sua busca e conformando sua espera nos moldes de uma composição a

dois, e não mais solitária como ela se apresentava de início. É dele o desejo de cumplicidade,

só aos poucos assimilado pelo irmão mais velho que, apesar de localizado no futuro, no lugar

onde as coisas já se deram (na posição de narrador), vai também aprendendo, com esta nova

convivência (encarando o exercício de memória como uma nova experiência com os fatos

passados) a anunciar este desejo. A lembrança gradual do modo de ser de Lorenzo é que vai

sugerindo um lugar, um espaço para o relato de Enrico, de coisas, não necessariamente

vividas por ele em todos os momentos. Como bem situa João Batista de Brito, em sua

reflexão sobre o flashback, usando como exemplo o filme Desencanto, de David Lean:

“Essa atitude, não de todo incomum no cinema de ficção, de quebrar as regras do

jogo e conceder onisciência a um ponto de vista narrativo que deveria ser limitado – o de

quem se lembra do passado –, fazendo-nos aceitar como verdade uma mentira narrativa,

consiste num reforço considerável do sentido já mencionado de distanciamento.”

(6)

Este distanciamento, necessário para o aprendizado do passado, dado pelo autor citado

como uma mentira narrativa pois, atesta um fato para além do limite de consciência do

narrador, pode ser considerado, na maneira como Zurlini expõe o passado dos dois irmãos,

como algo diverso, ou seja, um modo amplificado – e não falso – de conferir este passado. É

como se, ao aceitar este modo deslocado de rever a própria vida (pela visão do outro), que

nada mais é do que a aceitação da interferência do irmão mais novo em seu destino, ele

aumentasse suas chances de entendimento. Ele, narrador, quase inconscientemente, é

desafiado para um salto qualitativo na realidade, saindo de sua forma limitada e criando a

condição necessária para que a história seja narrada, ou seja uma média entre o que se passou

e o que foi atribuído por sua memória afetiva e pelo seu desejo de ter participado de algumas

coisas. Esses dois pontos, a memória pessoal e a que lhe é atribuída, formam, a posteriori, o

ponto de vista do protagonista, sendo este, desde sempre – apesar de sua natural inconstância

de sentimentos e, ao mesmo tempo, disponibilidade para compreender o que se passou – o

restaurador da coerência de toda a história. Ele, através da incorporação de diversas

memórias, torna-se o protagonista disponível, apto, portanto, a também repartir suas

lembranças. Citamos Walter Benjamin que, ao final de “Considerações sobre a obra de

Nikolai Leskov”, em seu texto intitulado O Narrador, discorre, entre outros temas, sobre a

função da memória, concluindo:

“Assim definido, o narrador figura entre os mestres e os sábios. Ele sabe dar

conselhos: não para alguns casos, como o provérbio, mas para muitos casos, como o sábio.

Pois pode recorrer ao acervo de toda uma vida (uma vida que não inclui apenas a própria

experiência, mas em grande parte a experiência alheia. O narrador assimila à sua substância

mais íntima aquilo que sabe por ouvir dizer). Seu dom é poder contar sua vida; sua dignidade

é contá-la inteira. O narrador é o homem que poderia deixar a luz tênue de sua narração

consumir completamente a mecha de sua vida. (...) O narrador é a figura na qual o justo se

encontra consigo mesmo.”

(7).

Esta inteireza que lhe atribui dignidade só pode vir de fora, daquilo que não foi vivido

por ele e, no caso da nossa história, as imagens de Zurlini dão corpo a esses outros

testemunhos que validam o testemunho do narrador .

Este início de narrativa, acrescido de um primeiro flashback, forma, nesta

composição, o primeiro movimento para a revelação do sentido da história desses dois irmãos

e, apesar do narrador (aquele que está disposto a narrar) ser o personagem central e ser a sua

voz, sempre em off, a relatar os fatos (como se fosse um fluxo oral do pensamento), há uma

mediação entre ela –a voz que narra– e os acontecimentos. Pois, como vimos, as imagens e os

diálogos que vão se intercalando com essa voz de fora, retiram dela uma certa autonomia,

criam vida própria numa memória ainda a ser justificada. Ele, Enrico, é o sujeito que propõe,

a si mesmo, contar a sua vida, e ao fazer isto vai se enveredando pela via que lhe traz um

alívio mais imediato para o que – ele mesmo vai reconhecendo – parece ser a sua grande

culpa: o esquecimento. Mas, acaba dando tal forma às suas lembranças que elas passam a ter

uma narrativa singular, independente de sua disponibilidade de se adaptar aos fatos, agora tão

vivos em sua memória. O que acontece na transposição deste relato para a tela, é que a ação

posterior já está dada, o que compromete a narrativa enquanto argumento (uma vez que ela –

a ação – já está submetida ao que virá, pois se a narrativa é em forma de lembrança, o futuro

àquele dado momento narrado é imutável); mas não enquanto encadeamento dos

acontecimentos, pois o como eles se deram é que está sendo revisto neste esforço em direção

ao passado. Não se trata, como poderia supor uma discussão acerca da ‘modernidade

cinematográfica’, de uma desconstrução da narrativa, nem poderíamos supor isto dentro das

regras claramente clássicas no fazer cinematográfico de Valerio Zurlini, mas, ao contrário, de

uma possibilidade a mais de focalização da narrativa, ou, no modo de pensar esta narrativa.

Este comprometimento reflexivo, que não muda os acontecimentos mas se detém

diante deles como se pesasse uma discussão sobre o destino, ou o porque as coisas se deram

de tal ou tal maneira, vem destacar uma certa poética no estilo do diretor e isto é o que tece a

trama completa a ser narrada, esvaziando, de uma certa maneira, o impacto com o desenlace

da história

(8).

E a importante contribuição para este tipo de leitura (mais centrada nos meios)

é a conotação dada ao silêncio, construído nas ausências quase calculadas de trechos inteiros

da história, em pontos específicos, abrindo espaço para uma nova forma de respirar esse

passado lentamente restaurado.

* * *

Ao destacamos esses silêncios, dentro da narrativa fílmica de Dois Destinos, como um

fator relevante a ponto de alcançar uma certa categoria na história, ou pelo menos, como foi

dito, como uma forma de tempo para compreensão deste relato, não podemos ignorar que este

novo dado só é possível de ser analisado por estarmos lidando com a memória, que é, por sua

própria natureza, intimista e feita de silêncios. Lembramos que o filme começa com Enrico à

espera de um telefonema que vem para lhe confirmar a morte do irmão e, a partir daí, o seu

luto vai se constituir da rememoração de sua vida, mote para a narrativa que nos é

apresentada. Trata-se de uma memória pessoal-familiar e não de uma memória geral ou

histórica e, portanto, estamos necessariamente lidando com sentimentos e emoções

embaçados não só pelo tempo mas, principalmente, pelo teor de importância dessas

lembranças, o que sugere pausa ( pausa aqui também no sentido de cautela, lentidão ao lidar

com os fatos do passado) e, novamente, reflexão. Este sujeito, dono desta memória pessoal,

poderia fazer isso de duas maneiras: situando sua vida, e mais todos os acontecimentos

externos a ela, numa escala uniforme, obediente a uma cronologia oficial, amealhando suas

lembranças e sua história para além de suas impressões interiores e, desta maneira, fazê-las

imergir em um contexto de veracidade capaz de ser posto à prova para qualquer verificação.

Ou, debruçar-se na corrente livre de suas emoções, deixando que o curso de suas lembranças

acompanhe o grau de relevância de cada situação, de cada sensação. Fazendo, portanto, uma

‘seleção’ do que lhe foi mais caro e do que realmente o motivou a tomar a decisão de narrar

estas lembranças

(9).

Se no primeiro movimento temos o relato documental, de clara significação histórica,

no segundo teremos a chance de vislumbrar um testemunho que, talvez, se revele mais real,

ou mais significativo do que o documento. Porque, longe de adaptar os fatos, o que esta

memória seletiva

(10)

e, por conseqüência, emotiva, vai resgatando, pode descortinar, através

de impressões, de flashes, uma certa explicação do porque as coisas se deram de tal ou tal

maneira, podendo, assim, ao menos sugerir uma nova interpretação, agora na construção

psicológica do sujeito que, por algum motivo, precisa contar a sua vida para resgatar sua

identidade. Novamente recorremos a Walter Benjamin, que em seu ensaio a propósito do

conceito de ‘materialismo histórico’, intitulado Sobre o Conceito da História, afirma:

“Articular historicamente o passado não significa conhecê-lo ‘como ele de fato foi’. Significa

apropriar-se de uma reminiscência, tal como ela relampeja no momento de um perigo.”

(11).

E é o mundo de ficção, seja ele escrito, filmado ou apenas pensado, que, ao lidar com signos

(sinais) e representações, trabalhar sempre com um olhar imaginativo e, acima de tudo,

criativo em direção ao passado, que pode vir remendar a memória narrada, podendo, desta

maneira, iluminar reminiscências e lançá-las – por que não? – num contexto real. O que nos

parece ser o preceito deste narrador, taciturno e conciso, que transita entre suas emoções

pessoais e uma realidade externa, realidade esta que teima em invadir o espaço de suas

convicções mas não chega a comprometer o essencial objetivo de sua empreitada.

Como já foi dito em vários momentos, é para se salvar, para “expiar a sua culpa”, que

este narrador específico narra. Para livrar-se do não comprometimento consigo mesmo, coisa

que até o reencontro com o irmão havia sido possível manter, apesar de sua posição de

intelectual autodidata e de sua citada consciência política. Mas ele narra, principalmente, para

salvar-se de sua própria ausência, que, além de significar sua falta perante o irmão (e também

perante a avó), significa, como vamos percebendo no decorrer da história, a falta dele como

membro de sua própria família, de seu próprio passado, ou seja, numa ausência de si mesmo

que o permitia viver em conformidade com o mal, com a carência e todas as vicissitudes de

sua época. É, então, para se constituir como sujeito de suas memórias, mais precisamente,

presença, que ele se permite ser personagem delas, para interagir com suas lembranças e,

desta maneira, ser finalmente o agente transformador de seu presente. Daí a existência de

elipses narrativas que, ao invés de esconder, transcendem a história, constituindo, através de

cortes e silêncios, uma postura necessária para a reconstrução de um olhar em direção ao

passado. E tanto as elipses como a lentidão na narrativa, coisas diametralmente opostas, vão

tomando posição inversa na medida em que a importância dos acontecimentos se avoluma –

tanto em informação quanto em significado – dando um outro prumo à história.

* * *

Antes de entrarmos numa análise mais detalhada da significação dessas elipses,

observamos mais um detalhe ainda nos cortes iniciais do filme, que vão introduzindo os

primeiros flashbacks. Uma das lembranças mais fortes do protagonista são as visitas à casa do

tutor do irmão, onde tudo era muito formal e respeitoso, mas ele, ainda menino, era bem

tratado pelas criadas, que lhe traziam um lanche contendo um pequeno pote com uma geléia

de laranja. Nesta seqüência há um corte para uma conversa particular entre o Sr. Salocchi e a

avó – lembrança esta que não poderia fazer parte da memória de Enrico, entretido com seu

doce – onde vemos a velha senhora, imobilizada e ferida com as novas ordens que lhe eram

impostas sobre o destino de seu neto menor. Ao final há um corte para a rua, agora em

descida (angulação fechada ao fundo), onde a avó caminha com o menino Enrico e uma

mulher segue ao lado, insinuando coisas como as “vantagens” que a morte da mãe trouxera

para o mais novo. A avó, visivelmente indignada, segura a mão do menino, despede-se seca e

vai embora. A música cresce e há um corte para as fotografias do início do filme – tempo

presente – e temos aí um raccord temporal que mostra, depois das fotos, Enrico em seu

apartamento, com a mesma garrafa na mão e ainda chorando. A voz em off entra fazendo uma

declinação, refletindo ao invés de simplesmente relatar fatos, e é como se através de suas

lembranças mais distantes, ele começasse finalmente a compreender alguns sentimentos:

“mamãe morreu por complicações no pós-parto, culpa sua portanto, mas eu não o odiava

por isto, você, para mim, havia morrido com ela.” A câmera focaliza Enrico que olha de

novo (ou ainda) para o quadro e, com o foco na paisagem campestre, de casinhas simples,

Enrico divaga sobre a infância do irmão: “as visitas à Villa Rossa eram sempre breves, frias,

cheias de circunstância, prolongaram-se por toda a infância que você viveu como em um

aquário, sem segredos nem descobertas, e sem amigos...” . E somos remetidos ao segundo

flashback, em 1935, quando ele reencontra o irmão depois que “o destino” os havia afastado

por mais de quatro anos. Este novo salto nos dá a dimensão da escolha das lembranças que

virão depois, e podemos agora dizer escolha (escolha no grau de importância, não temporal)

porque já percebemos, pelo flagrante do sentimento despertado, o rumo que as lembranças

irão tomar.

Este jogo entre o tempo presente, o passado e novamente o tempo presente, mesmo

que num movimento evolutivo de trás para frente, vai, a partir deste segundo flashback, como

que delinear os espaços através de uma câmera que claramente se propõe, mais do que

focalizar, a emoldurar essas lembranças, destacando-as conforme a necessidade do narrador.

Como podemos ver nascer uma primeira ternura entre eles, após o desconforto inicial do

reencontro – quando Lorenzo pede para passar uma noite no pequeno quarto de Enrico, e da

conversa no restaurante onde eles jantam, o que se destaca de mais relevante é o

estranhamento do mais velho ao reparar que o irmão trata o Sr. Salocchi por ‘pai’, mas não

chama por ‘mãe’ à sua esposa – . Porém, mais tarde, quando os dois estão deitados na única

cama que existe naquele precário quarto, são focalizados de muito perto, a câmera passeando

de um semblante a outro, vai rastreando uma cumplicidade que se inicia lentamente, pela

ordem das perguntas que despertam as lembranças de cada um. Depois de falarem sobre

alguns detalhes do passado, Lorenzo faz a pergunta primordial sobre a mãe: “Como ela era?

tinha olhos verdes? do que gostava? ”, e ao ouvir a resposta que ela gostava de laranja, ele

ainda pergunta se gostava do doce também (de laranja) e, ao ouvir a resposta afirmativa ele

adormece, não ouve mais o que o irmão finalmente vai se dispondo a contar. E esta é a

moldura principal, a idéia de que, neste momento, foi localizado um ponto – como se tudo,

realmente, se apropriasse a uma busca – onde os três personagens podem se reencontrar: na

lembrança de um gosto em comum. Abrindo, lentamente, uma porta que levará ao

estreitamento daquela relação, que, no final, justificará o caminho dolorosamente refeito pelo

narrador. Esta espécie de arrumação para o surgimento das lembranças, estes lugares/espaços

que se constituem agora como pertencentes aos dois, começam a preparar o ‘acontecimento’,

mesmo que este, em sua posição de passado, seja irreversível; é como se sua materialização

imagética, surgida da rememoração da conversa dos irmãos, pudesse facilitar as coisas, da

mesma maneira que a câmera facilita para a escrita.

* * *

B - As elipses narrativas.

“La vie est vaste, étant ivre d’absence,

Et l’amertume est douce, et l’esprit clair.”

Paul Valéry

O processo que se inicia neste exercício de memória, de idas e vindas no acerto de

contas com o irmão mais novo, envolvendo sofrimento e negação, não é consciente, mas é,

(como já havíamos pressuposto), desejado. A reconstrução da família através da memória,

feita ao longo das conversas com o irmão, permite o aceitamento dos dois como parte de um

mesmo grupo, de um mesmo núcleo, com tudo que isto tem de bom mas também de ruim.

Este núcleo familiar fechado – representado no filme pela constância de ângulos fechados e

enquadramentos estreitos dos personagens – pode proteger, mas ao mesmo tempo destruir,

afastar, anular, causando esquecimento. Pela estrutura familiar tradicional, os pais acolhem os

filhos e os preparam para enfrentar o mundo lá fora, sempre com um respaldo para qualquer

eventualidade, como no caso de não serem aceitos devidamente pela sociedade, de não serem

tão bem sucedidos na profissão, ou de passarem por um mau casamento. Nestes casos, a volta

ao seio familiar é, num primeiro momento, abrigo e aceitação para, em seguida, se o fracasso

persistir, tornar-se vergonha e rejeição. Ao menos numa instância moderna, onde a sociedade

enaltece os bem sucedidos – tanto no aspecto econômico quanto no psicológico – , base para a

estabilidade social. Em qualquer uma das situações temos uma estrutura fechada,

prevalecendo a velha premissa que dita que sem a família o homem não é nada

(12).

O que temos no romance de Pratolini é exatamente o sentimento de abandono e um

amor tardio sendo castigado pela perda irreversível, a morte. O que acontece com essa

história, quando transposta para a tela, é que a brutalidade que se poderia esperar com a

percepção desta ausência, vai sendo matizada por uma passagem do tempo sem a mediação

do desespero, porque é um olhar retrospectivo, em busca da inocência ( o tempo quando ainda

não se sabe) que rege a narrativa. Somos (nós espectadores) poupados do peso das pequenas

perdas acumuladas por todos aqueles anos que separaram os dois irmãos, mas, ao mesmo

tempo, estamos completamente envolvidos na conseqüência delas, uma vez que adivinhamos,

junto com essas reminiscências do personagem, com o relampejar de sua memória, o que teria

se passado ao acompanharmos a mudança de paisagem, que se constitui como puro

significado, ou seja, sinais de um tempo perdido, mas não irrecuperável. Significado este que

entra aqui como valoração do que foi ocultado, ou seja, a re-construção da família, por um

veio sutil de afetividade, que, no caso, fará a identificação com a mãe e não mais com a

imagem (tradicionalmente analisada) do pai ausente, nem muito menos com a do pai

substituto, o outro, que também se ausenta justamente na hora da privação. Esta comunhão

dos dois irmãos, mediada pela avó e em literal busca da imagem incompleta da mãe, que não

é mostrada a não ser por frases curtas, olhares, ou referências rápidas, vai desqualificar a

família como prisão e obediência e constituí-la como um matriarcado onde os laços se dão por

afinidade e não por reverência.

Esta cumplicidade que vai, aos poucos, se desvencilhando da autoridade paterna,

fazendo uma escolha pela simplicidade, pode ser localizada em vários momentos do filme,

mas se dá de maneira exemplarmente poética na construção daquela que, talvez, seja a mais

bem composta seqüência, a visita dos netos à avó no asilo, localizado na rua de sugestivo

nome VIA DEI MALCONTENTI (Rua dos Descontentes), que nos serve aqui como

ilustração. Numa primeira tomada ampla, as senhoras, todas de preto, são mostradas paradas,

estáticas, cada uma ocupando um determinado espaço, à espera das visitas. Pela posição em

que se encontram e pelo tom baixo da luz, a metáfora é imediata: elas estão à espera do fim do

dia, de alguma esperança, ou da morte. A câmera se detém na silhueta da avó (a atriz Sylvie)

iniciando um movimento de iluminação com a luz do sol que, aos poucos, vai clareando o

chão a cada passo que a velha senhora dá para receber e abraçar o neto, como uma marcação

de tempo, representando sua mudança de humor, felicidade e crescente emoção. O que,

literalmente significa o momento de suspensão na noite da velhice que é aquele lugar. Assim

é focalizada a chegada do primeiro neto, Enrico, o reencontro com aquele que ela havia

criado e, por vergonha de ter que abandonar a avó num asilo, havia se ausentado por tanto

tempo. Em seguida entra Dino, e ela se lembra de seus dezoito anos recém completados,

compara os olhos dos netos e, por fim, combinam o almoço de páscoa. A cena termina no

abraço de despedida, a avó puxa para si a cabeça dos dois rapazes formando, com a sua, um

triângulo terno, uma trindade celebrando a presença da mãe na semelhança dos filhos. Está

restaurada a família, que, mais tarde, mesmo depois dos novos e seguidos desencontros, vai

embasar a união dos dois na agonia do mais novo.

* * *

Para entendermos (um pouco) melhor esse modo narrativo, que sugere ao invés de

apontar, recorremos à teoria de Gérard Genette, sobre a questão da ‘Duração’

(13)

, no capítulo

em que ele discorre sobre o método proustiano distinguindo, “do ponto de vista formal”, a

elipse, desta maneira: a- as elipses explícitas; b- as elipses implícitas; c- a elipse puramente

hipotética. Esta última sendo, segundo Genette, a elipse “impossível de ser localizada...”

Esta categoria da “elipse puramente hipotética” poderia explicar algo sobre a aparente

ausência de continuidade da história, no filme de Valerio Zurlini. As perguntas do irmão mais

novo que ganham sempre uma resposta evasiva, assim como as lembranças do irmão mais

velho, não seguem uma ordem cronológica, chegando a retroceder no tempo, ao invés de

avançar numa sucessão causal dos acontecimentos (no final eles ainda falam da morte da mãe,

de coisas que Lorenzo não sabia, suas perguntas, ao contrário dos acontecimentos históricos

ressaltados a cada flashback, vão indo para trás, como se ele quisesse alcançar uma condição

intra-uterina). E isto não chega a prejudicar o entendimento ou a lógica das lembranças, pois

estas acontecem numa ordem de espaço e tempo cronológicas, enfocando os acontecimentos

político-sociais e representando-os metaforicamente (como o abrir de uma janela no tempo

presente ao falar do fim da guerra). Mas força, no entanto, através da re-flexão, ou através de

um renovado provar de algumas emoções, um parâmetro atualizado de aceitação quando no

final, por exemplo, ao ter de descrever a mãe morta, vemos Enrico experimentar uma

sensação nova, já podendo misturar a saudade dela com um carinho pelo irmão. Afinal,

percebe-se, a história que se quer realmente contar é outra, sem sofrimento, feita de encontro

e não de ausência, mas só através da aceitação da ausência, de um certo conformar-se com sua

sombra, é que se conquistam esses ‘pequenos’ encontros perdidos no passado. E é como se a

paisagem, disposta às vezes como uma galeria de quadros, ou em velhos muros,

inusitadamente apresentados em planos detalhe, servisse de fato a esta finalidade, formando

um desenho para suprir aquela parte suspensa da história, por assim dizer, oficial (real, a que

não se pode mudar).

Essas ‘elipses zurlinianas’, como estamos classificando os silêncios nesta narrativa

fílmica, não correspondem, de modo algum, a nenhuma ausência específica, não censuram

nem suprimem um pedaço da narrativa porque este poderia ser desnecessário ou exagerado,

também não se propõem a economizar o tempo – uma vez que o tempo está ali, impresso na

paisagem, nos ângulos vazios, nos semblantes silenciosos – ao contrário, essas elipses servem

para consolidar uma espécie de acordo entre o narrador e o narrado. Vêm, portanto, para

ocupar o lugar da culpa, da expiação

(14),

ou, ao menos, para apaziguá-la.

Elas não realizam,

como já foi dito, uma des-construção da narrativa, mas uma espécie de tempo de compreensão

(necessário à passagem da inocência ao saber). O vazio, o silêncio, a ausência, se constituem

como pausas do tempo, como se a consciência só aos poucos se formasse, precisando de um

respiro, de um olhar para a paisagem, de um medir a distância antes de se iniciar a caminhada,

de um corte. Desta maneira podemos ver, em Dois Destinos, a construção, propositalmente

elaborada, do que nomeamos aqui como uma ‘arquitetura da ausência’, o ângulo certo onde

se conforma a solidão. No fundo, pode-se constatar que, talvez, as elipses zurlinianas

remontem apenas a elas mesmas; a música, a tonalidade que invade uma determinada cena, a

falta de informação sobre um aspecto que poderia ser determinante para a compreensão do

passado, servem mais como retrato, como composição, do que como vazio.

Ao final do capítulo “De um quadro a outro: a borda e a distância”, Jacques Aumont,

ao tratar do enquadramento e do desenquadramento (e também sobre o efeito de uma elipse

visual num quadro), conclui da seguinte forma sua análise:

“Tudo isso pode ser traduzido de outra maneira: se, na imagem de filme, as bordas

são mais permeáveis e, ao mesmo tempo, terrivelmente marcadas, é porque o cinema é uma

encarnação mais completa do olho variável, porque o olho produtor – a câmera – é aí mais

passível de ser fantasiado como pirâmide visual móvel, como amostragem de um campo e,

correlativamente, como recorte. Foi para o cinema que foi forjada a palavra

enquadramento, é no cinema que ela ganha seu verdadeiro sentido, o sentido de uma

‘atividade’ do quadro que funda, também o ‘desenquadramento’. Cineastas, os que dão uma

importância decisiva à filmagem, sempre souberam: o quadro se define tanto pelo que ele

contém quanto pelo que exclui. E é também neles – em Rivette, Rouch, Straub-Huillet –, que,

no interior do cinema moderno, encontraríamos os estilos, a um só tempo, mais atentos às mil

nuances, aos mil detalhes do campo, e mais deliberadamente vulneráveis às proezas do fora-

de-quadro.”

(15)

Tomamos este texto porque entendemos que, aquilo que está excluído do quadro e, ao

mesmo tempo o compõe, é o que dá forma à história, tornando a narrativa particularmente

interessante. No caso, o silêncio intercalado pela música pontual e as tais fotografias

enquadradas subitamente – o diretor chega a congelar a câmera em determinados ângulos

como se cada fotograma contasse sua própria história – vão substituindo uma narrativa linear

para dar vazão ao sentimento que compõe aquelas lembranças, ou seja, o que está fora do que

está sendo mostrado. Esses congelamentos instantâneos que provocam uma mistura entre o

fato dado como irreversível, que é a fotografia; e o fato descritivo, narrado, portanto, aberto a

mudanças – a filmagem/movimento, como diferencia Christian Metz ao dissertar sobre a

teoria de Roland Barthes: a diferença entre o “ter-sido-aqui” da fotografia e o “ser-aqui” da

projeção

(16) –

dão ao espectador uma sensação de veracidade, pois a ficção assistida está

impregnada por um registro fixo. O drama que está sendo narrado é atestado pela pose

flagrada, acontecimento inalterável, imutável do quadro, da fotografia. É como se, voltando a

Walter Benjamin, o diretor pudesse fotografar e revelar o “relampejar de uma reminiscência”

e, se, depois disso, a história segue linear ou não, só uma certa psicologia sobre o

encadeamento dos fatos, externos, poderia resgatar a coerência deles, mas não é mais disto

que se trata.

Sabemos, por outro lado, que o simples viver o momento presente, sem identidade,

sem um início propulsor, não possibilita um avanço para o futuro, pois só o passado,

devidamente reconstruído, é, neste sentido, redentor. E há, neste depoimento, uma

necessidade que este passado seja validado (como prova que ele tenha realmente existido),

seja pela insistência das tentativas de Dino/Lorenzo em se integrar no mundo do irmão, seja

na própria resistência de Enrico, de negar esse convívio, numa dialética entre o ideal

alcançado e a total falta de crença nele (e aqui destacamos a duplicidade da designação do

caçula: ‘Dino’, diminutivo carinhoso de Dante, como era chamado pela avó e como é tratado

quando em busca de seu passado, de sua família genuína; e Lorenzo, o nome ‘não vulgar’,

imposto pelo seu pai de criação que pretendia transformá-lo num burguês bem sucedido, para

diferenciá-lo definitivamente da origem materna).

Citamos novamente Walter Benjamin: “... Em outras palavras, a imagem da

felicidade está indissoluvelmente ligada à da salvação. O mesmo ocorre com a imagem do

passado, que a história transforma em coisa sua. O passado traz consigo um índice

misterioso, que o impele à redenção...”

(17). ‘

Misterioso’ porque ainda não revelado,

obviamente, mas também misterioso porque envolve uma nova criação, um novo ato em

direção ao desconhecido, embora seja um desconhecido familiar. Por isto é possível instaurar

esta dialética entre a aceitação e rejeição, ou, no caso do filme que transforma a narrativa em

imagem, de enquadramento ou não das lembranças narradas.

* * *

Com a notícia, inicial, da morte do irmão mais novo, abre-se a percepção exata da

perda, não esta imediata, mas a perda de qualquer possibilidade de elo ou identificação com o

passado e história pessoal do protagonista, dado que esse irmão, tirante a avó que também já

havia morrido, era o único parente que ele ainda possuía. Para além do choque e da tristeza,

há o desejo natural de sobrevivência: como confirmar, então, sua existência, como salvar sua

própria vida de uma inutilidade, até mesmo perante as teorias que aprendera a construir sobre

um modo de ser ou sobre um novo conceito de sociedade? A narrativa original – do romance

– se apresenta como recuperação desse passado, com a finalidade de se tornar uma garantia da

própria existência, para a frente, no futuro. E o que vai ser composto, no filme, através dessas

elipses pontuais, mas também através de escolhas na lembrança do personagem – além da

focalização na gradual anuência dele mediante as investidas do outro – é essa nova

possibilidade de núcleo familiar, em substituição a um vazio deixado pela descaracterização

inicial da família. Como numa teia, onde os dois irmãos foram arrebatados, porém, aos

poucos, conseguindo se soltar, e, agora, com a possibilidade de formarem uma memória em

comum, esses dois quase estranhos aprendem a se querer bem, optando, de maneira livre, por

se enredar. Ou melhor, a memória de um vai suprir a carência da memória do outro, mas não

necessariamente por laços sanguíneos, mas por uma identificação nascida da recém-

convivência entre eles. Como podemos observar em duas seqüências ocorridas antes e depois

da morte da avó.

Na primeira, os irmãos se encontram no cinema, depois de dois anos separados,

(Enrico esteve internado, possivelmente com tuberculose), eles marcam um encontro para o

dia seguinte. No encontro, no jornal onde trabalha, Enrico está nitidamente incomodado com

a situação, um clima de mal-estar e animosidade vai crescendo entre eles, principalmente por

parte do mais velho:

Enrico: _“O que veio fazer aqui?”

Lorenzo:_“Preciso falar com você...”

Enrico:_ “E agora? Sem dinheiro, sem trabalho, para sair desta situação o que o seu

pai lhe aconselha?

Lorenzo: _“Como você sabe?”

Enrico:_ “Eu me informo.” (...)

Lorenzo:_ “... Não tenho nenhuma prática, não sei bater à máquina, não sei escrever

uma carta comercial.”

Enrico: _ “E o que você queria? Que o empregassem pelo seu belo aspecto?”

...

Enrico:_ “O que eu posso lhe dizer!? Faça, Lorenzo! Faça qualquer coisa!”

(...)

_“Como posso ajudá-lo se não há muita coisa para se fazer, mesmo para

mim?”

Em seguida há uma seqüência de Dino procurando emprego, a voz em off do narrador

entra enumerando as dificuldades do irmão mais novo em encontrar trabalho, por falta de

experiência, falta de referências ou até por não possuir meios próprios (uma bicicleta) para os

trabalhos mais simples; o máximo que ele havia conseguido em um mês, eram 30 liras!

Enquanto isso a câmera ilustra a narrativa mostrando Lorenzo preenchendo fichas e

enfrentando filas de candidatos, enquanto a voz do narrador, em tom mais triste, relata os

erros cometidos pelo irmão mais novo.

Corte para o asilo numa tomada bastante característica do cineasta, sua câmera se

concentra numa figura de costas –e sua sombra– num primeiro plano, a música sobe

iluminando a cena, que é quase uma fotografia e, ao mesmo tempo, abre para um espaço

maior que é o quarto do asilo, com camas vazias dispostas uma ao lado da outra, e, ao fundo,

uma sombra masculina projetada na parede, observa um dos leitos vazios. A voz em off

começa a relatar: “Naquele inverno morreu nossa avó”. Em seguida, a figura abatida e

encapotada de Enrico entra na tela, num crescendo em direção à câmera, seguida por seu

irmão que, logo identificamos, é o dono da silhueta projetada anteriormente na parede.

Corte para o escritório do asilo onde eles recebem as últimas informações sobre a

morte da avó, assim como seus poucos pertences, algumas moedas que Enrico entrega a uma

velha que está sentada perto da porta de saída.

Corte para a rua totalmente vazia, a câmera aberta focaliza o ângulo estreito de onde

vemos surgir os irmãos, eles caminham lado a lado, em silêncio, até que Lorenzo começa a

falar, a ‘puxar assunto’, meio sem graça. A câmera acompanha a discussão num plano

seqüência sem cortes, seguindo os passos incertos pela rua estreita, em declínio, rua esta que

parece não terminar em lugar nenhum, sem perspectiva, numa equivalência ao rumo tomado

pela conversa dos dois. Há um vai e vem entre um e outro, alternando as posições, o que

acentua o tom dos sentimentos, reafirmando a confusão das emoções expostas. A cena cresce

na mesma proporção em que a raiva de Enrico aumenta, tentando explicar ao outro que “é

preciso amadurecer”... “que ele lhe quer bem mas não por uma obrigação de parente,

irmãos”, fala de afinidades que não necessitam de laços familiares, parece querer ainda tirar o

irmão de sua vida. Do outro lado, no rosto do mais novo, o susto, mas também a passividade,

a surpresa e também a condescendência com aquela reação – aceitação ou simplesmente

respeito? – Ele vai se conformando, arrumando os estragos provocados pelo irmão, seu olhar

é o de uma criança devota que não consegue se desvencilhar de quem a rejeita. E entendemos,

de novo através do silêncio, que por algum tempo eles ficarão afastados. Na volta ao tempo

presente somos informados que durante os anos de guerra os irmãos não se viram, mas que ele

soube que Dino adquirira uma doença estranha.

O final desta seqüência marca uma divisão no filme. Até então, houve uma

apresentação daqueles dois irmãos e um relato mais ou menos linear dos encontros e

desencontros dos dois, justificando inclusive que houvesse um estranhamento entre eles, além

da clara rejeição do mais velho com relação ao mais novo. A partir daí, com uma certa

imprecisão nas tomadas e uma determinada pressa em arrematar o relato, a história passa a ser

mais emocional, como um verdadeiro testemunho diante daquilo que – está cada vez mais

claro e premente – vai, para sempre, se perder. O ritmo do filme muda, notadamente, em

vários aspectos, em sua tonalidade, em suas intenções. É como se tivéssemos, daqui para

frente, a oportunidade de acompanhar o desespero de Enrico em sua tentativa de salvar o

irmão, mas, ao mesmo tempo, misturado ao conhecimento prévio de que tudo já foi perdido,

que suas investidas foram inúteis, só lhe sobrando a resignação. E, mesmo que a narrativa

forneça maiores detalhes do que se passou, ele continuará sendo aquele ser solitário do início,

à espera de um telefonema, justamente porque este passado invocado está agora mais

próximo, e há uma certa urgência em narrar o fim. De qualquer maneira, esta passagem marca

um acontecimento e, se, até este ponto atestamos a insistência de Enrico em rejeitar seu

irmão, o que vai se passar adiante é a possibilidade de interpretação desta rejeição, uma vez

que este irmão, através, tanto de sua agonia como, principalmente, de suas indagações – que

permitiram reviver um passado logrado –, vai se tornando numa espécie de Cristo, o cordeiro

inocente, pronto para o sacrifício.

Esta interpretação deve passar, obrigatoriamente, pela análise do aspecto religioso,

inerente a toda obra de Valerio Zurlini (aspecto religioso-cristão que nunca se furtou em

dialogar com uma formação mitológica, muito menos com um ateísmo contemporâneo ao

questionamento existencial dos anos que seguem sua produção cinematográfica). Mas que

lança, com este filme, o germe de um discurso que será repetido mais tarde, de maneira mais

explícita, em A Primeira Noite de Tranqüilidade, sobre o homem estar emaranhado numa

espécie de ‘via crucis’ sem volta, porque estão na sua formação ancestral – judaico/cristã –

valores como a culpa e o desejo de purificação através do sacrifício. Pois só o sacrifício, a

oferenda, a imolação possibilita uma volta ao estado puro, ao paraíso que é o eterno estado da

não compreensão (ou, mesmo inconscientemente, do não querer saber)

(18)

. Para isto, sempre

existe um ‘cristo’, e aquele que o reconhece. No caso, o simbolismo é declarado no irmão

mais velho que nega o mais novo três vezes: primeiro, ao tratar de esquecê-lo – “mamãe tinha

morrido por culpa sua ... e para mim você estava morto com ela ...” ; depois no reencontro no

salão de jogos, na frente de todos os amigos: _ “É verdade que você é irmão dele?” _“Eu?

Não.” ; e, por fim, nesta seqüência após a morte da avó, ele nega que exista a obrigatoriedade

de sentimentos fraternais: “eu acho que te quero bem, mas não é porque somos irmãos, a mim

isto não importa nada, é um acaso ... o que importa são os laços de amizade, você tem

amigos?”

(19).

Mas quando o irmão cai doente, Enrico, com suas visitas ao hospital, vai

reconhecendo os sinais, o corpo magro do irmão, as feridas (como chagas abertas), a conversa

sobre Deus e os dizeres do mais novo: “Mamãe está no paraíso e agora não penso mais em

Deus como uma idéia abstrata, basta pensar nela...”

O sacrifício dos personagens de Zurlini, no entanto, é involuntário e,

aparentemente, eles trocariam de bom grado as dificuldades pelas quais passam, tanto

emocionais como materiais, por uma vida melhor, sem tantos percalços. Este desejo está

explícito nas falas, no comportamento envergonhado, nas necessidades básicas, mas também

nos silêncios. E o que chama atenção, no modo zurliniano, é que ele não pretende, em

nenhum momento, mostrar que apesar do desejo de felicidade, esta seja possível, e seus

personagens entram no jogo sofrimento/salvação sem se darem conta de que não é viável

conquistar esta felicidade, pois ela será sempre uma percepção gradual e em conformidade

aos fatos, nunca plenitude. Esta consciência – gradual – podemos encontrá-la no relato em

Dois Destinos; mas também no olhar do outro, em A Primeira Noite de Tranqüilidade; e na

conclusão, finalização de todos os termos, como apontamos em O Deserto dos Tártaros. Cada

um se adequando ao tempo necessário para isso, e cada um também se reservando o eterno

direito à sutileza dessa trajetória. Como bem afirma Gian Piero Brunetta: “Zurlini desde logo

se revela capaz de fazer falar o olhar e a expressão de seus personagens, de preencher os

silêncios de emoções, de jogar com o não dito, com uma intensidade de sentimentos mínimos,

de atmosferas suspensas, de jogar, de modo magistral, com cordas intimistas.”

(20)

* * *

C – O Tempo dos personagens.

“A realidade é mais inatingível que Deus, porque não

se pode rezar para ela.”

Clarice Lispector.

A questão do tempo em Dois Destinos não está exatamente na passagem dele ou na

relação entre presente e passado, aquele que narra e o assunto narrado. Está muito mais

centrada na identificação, no sentido (psicanalítico) de assimilação e conseqüente

transformação em relação ao fato novo, identificação esta dada pela ausência (daquele ou

daquilo que se perdeu, e não a simples lacuna que eventualmente pode ser preenchida). Os

personagens se deslocam cada um em seu próprio tempo, ou melhor dizendo, em suas

próprias lembranças, em prol de uma reconstrução que tornará possível uma convivência em

algum plano, não necessariamente temporal, nem muito menos física, mas num plano de

aceitação e conhecimento. Este talvez seja o verdadeiro tempo para Zurlini, o que significaria,

como já foi dito, a perda total da pureza (o paraíso) e a aceitação da realidade (sofrimento).

Neste filme, em mais de um momento, nos deparamos com situações limite entre uma

correspondência temporal real e a urgência de detectar os acontecimentos dentro de uma certa

ordem temporal, ou, numa ordem temporal particular. São cenas em que o narrador não se

encaixa com o que está sendo narrado, como se ele pudesse dar uma opinião sobre os

acontecimentos passados, ao invés de simplesmente contar como eles se deram. É como se o

diretor recusasse a posição de simples adaptador do romance e assumisse livremente a autoria

de uma auto-biografia que não é a sua, e que se torna, à medida que se particulariza, mais

dependente da visão dele. Porque, se o relato fílmico se desse de uma maneira linear, em

conformidade com os acontecimentos históricos – que, de fato, permeiam a história –, porém

externos, em grau de relevância, à intimidade daqueles personagens, ele, como roteirista, não

estaria inserido no assunto mais do que qualquer outro que se dispusesse a fazê-lo (narrá-lo),

dispondo de algum prévio conhecimento. Ou seja, aceitando uma rígida cronologia e

fidelidade aos fatos, o relato que se propõe, mesmo que ficcionalmente, autobiográfico (vale

dizer autobiográfico com relação ao personagem que conta sua própria história, não entrando

aqui no mérito das questões que seriam relevantes, ou não, para o autor do romance), em nada

se diferiria do relato biográfico, uma vez que este personagem se colocaria como um outro ao

contar sua própria vida, numa simples inversão de lugar (vide nota 9). Mas, ao selecionar,

privilegiar e até mesmo imaginar alguns momentos que pareciam perdidos na memória do

protagonista, o diretor/roteirista não só assume a posição de contador da história – história

continuamente reconstruída enquanto é contada – , como garante que o conteúdo de sua

história seja uma revelação necessária (e agora necessária não só pela perspectiva do

personagem, mas necessária com relação ao que interessa ser narrado por Valerio Zurlini,

quais são as suas intenções com sua maneira de retratar esta história). Esta é a liberdade

tomada pelo diretor, tratar como sua a história narrada, sua no sentido autoral, e re-invadir as

lembranças dos personagens, super-posicionando cenas, misturando passados. Ao transpor

para a tela esta fala privilegiada, testemunhal, ele garante, como já dissemos, a anuência do

outro – o outro do personagem, seu duplo; o outro, espectador; o outro, cúmplice; a

alteridade que garante a existência do sujeito –, mas também arrisca confundir as lembranças

com a trama da interpretação, sabendo ser esta dialética necessária para que sua história se

constitua como exemplar.

Alfredo Bosi, em seu estudo O Ser e o Tempo na Poesia, ao analisar a “consciência

histórica” como “insidiosa e mutável”, pois há uma mistura de valores num olhar posterior à

escrita, concebe este texto (seja ele poético ou narrativo) como:

“ uma produção multiplamente constituída por vários tempos: a) os tempos

descontínuos, díspares, rotos, da experiência histórico-social, presentes no ponto de vista

cultural e ideológico que tece a trama do poema; b) o tempo relâmpago da ‘figura’ que traz à

palavra o mundo-da-vida sob as espécies concretas da singularidade; c) o tempo ondeante ou

cíclico da expressão sonora e ritmada, tempo corporal do ‘pathos’, inerente a todo discurso

motivado.”

Concluindo que é desse “encontro de tempos heterogêneos” que o poema é produzido

e, o que nos importa particularmente, a afirmação que “num outro momento de convergência,

dá-se a sua reprodução pelo leitor, para quem o ‘ritmo’, a ‘figura’ e os ‘sentidos

historicizáveis’ devem igualmente fundir-se na hora difícil da interpretação.”

(21).

Temos pois

na transposição para a tela do romance de Pratolini, uma interpretação do diretor que se

adianta à interpretação do espectador, tornando, de uma certa maneira, nenhum modo de

tempo realmente aplicável.

Não que isto chegue a fazer uma interferência na condução da história, mas manipula

uma intersecção de memórias, deslocando o foco narrativo para vários centros (como já

vimos) e caracterizando um tempo nenhum que, para além da memória, é o tempo da

interpretação, mas aferido pelo sentimento. Enrico, como narrador principal, conta coisas do

irmão que ele soube posteriormente e a imagem focaliza cenas que ele nunca presenciou e, no

entanto, é como se ele estivesse estado lá, e é como se o irmão representasse para ele o seu

passado. No final, é uma construção substancial da memória a partir de um elemento

completamente subjetivo, a imaginação afetiva, o que não impede que a História cronológica

dos acontecimentos, que permearam os quase trinta anos que se passam, deixe de estar

presente, marcando inclusive o rumo e as condições dos encontros entre os dois irmãos, mas

não parece ser este o assunto principal a ser tratado pelas imagens de Zurlini.

Para esta verificação, tomamos, como mais um exemplo, a seqüência que segue aquela

descrita acima, da discussão dos dois irmãos na rua, na saída do asilo, após a morte da avó,

que acontece da seguinte maneira: a imagem mostra Dino trabalhando de contínuo num

emprego público (ele está solitário, provavelmente trabalha durante a noite) e a voz em off

entra, lamentando o desenrolar dos fatos: “Havia encontrado um outro trabalho ... vivia numa

prisão moral, num mundo de convenções ... onde se deve defender a própria inocência ...

encontrou uma outra namorada, casaram-se ... amor de pobre é sempre o mais frágil ... amar

é se tornar corajoso, é defesa ... um homem pobre pode cometer todos os erros induzido por

sua pobreza, mas não lhe é consentido errar na escolha de sua companheira ... e você

cometeu esse erro”. Enrico aparece atrás de uma porta de vidro, observando o irmão trabalhar

(como se ele estivesse lá), seu rosto, em close, no canto esquerdo da tela – na posição da

escrita: da esquerda para a direita, relatando os fatos ocorridos como quem escreve, registra o

que lembra e o que ouviu dizer –, ao contrário do significado da angulação inicial, parece

agora colocar o personagem à espreita, como se tivesse atravessado o tempo para espiar o que

aconteceu enquanto ele estava fora, mas a expressão de dor é a mesma (insistimos no ponto:

ele já sabe). Depois ele se vira e desce a escada em espiral, sendo emoldurado pelo corrimão

(antes eram os parapeitos das janelas), a voz em off vai finalizando: “pouco tempo depois

deixei definitivamente Florença.” A impressão causada nesta cena é, não só a da fusão

temporal mas, principalmente, a fusão das duas vidas que ali se compõem. Por mais que

Enrico tenha tentado fugir a esse destino (cuidar do irmão, se responsabilizar por um parente,

ser da família), ao narrar o passado, ele participa dele. Ele não estava lá naquele instante mas

é mostrado dentro do seu próprio pensamento, de suas próprias lembranças, como ele

imaginava o irmão trabalhando, como ele suspeitava qual teria sido seu erro, seu mal. Ao

juntar a narração do personagem com sua imagem sobreposta num lugar onde nunca esteve,

há uma demonstração de como ele tenta ocupar, com suas lembranças, um passado ausente e

omisso, de maneira quase material, para uma melhor compreensão – ou apreensão – dele.

O corte, feito agora para o tempo presente, vem como uma necessidade de absorção

do que acabou de ser compreendido. Para isto, Enrico abre a janela de seu apartamento

deixando que o sol ilumine a sala, suas lembranças estão chegando ao final, a tragédia que se

anuncia faz parte de um passado cada vez mais recente. Sua necessidade de ar é visível, ele

precisa sair um pouco para fora daquele momento, escapar das próprias lembranças, porque o

que virá a seguir é a angústia em estado puro, é o fim. O problema é que aquele Enrico, que

vemos agitar-se no presente, já está depois do fim, em outro tempo, que também não é o do

começo da narrativa, porque ao narrar, ele se posicionou num outro patamar de sua história. A

música de fundo torna-se mais dramática e a voz em off retorna: “acabou a guerra ... soube de

sua doença ... passamos o Natal juntos, em Roma, antes de sua internação no hospital...” Há

uma pausa e um corte para Roma, à beira do Tibre, num plano-seqüência que vai mostrando a

água corrente, de uma margem à outra, até focalizar a imagem de Dino ao fundo; a câmera

continua e alcança Enrico, mais perto do foco, olhando o irmão a uma certa distância. O som,

nesta cena, é o do próprio lugar, com o fluir contínuo da água; a câmera passeia da pequena

correnteza até o chão repleto de folhas secas, Dino atira um graveto ao rio, o irmão

acompanha, com o olhar, o seu percurso. Tudo é uma metáfora, silenciosa, da

irreversibilidade do tempo que passa e do grande momento que está por vir.

* * *

Neste ponto, retomamos a filosofia de Henri Bergson, para quem a consciência

significa, antes de tudo, memória – sendo esta memória atestada, sempre, em relação ao

presente e sendo este presente, sempre, uma condição fugaz do tempo, tendo como tarefa, se

podemos dizer assim, preparar o futuro e passar. Pois bem, a narrativa de Dois Destinos, que

atende a um apelo da memória com a intenção clara de encontrar seu lugar no futuro, um

futuro constituído pelo passado, acontece num presente que chamaríamos de móvel, sob a

supervisão do diretor italiano. A intenção do contador da história, sem nenhuma sombra de

dúvida, é a de sobre-viver, no sentido puro de dar uma sobre–vida a uma existência até então

sem sentido. Esta parece ser a tarefa desta tal mobilidade incondicional da posição – de

presente – do narrador. Natural, portanto, que a veracidade dos fatos esteja mais ligada ao

sentimento que se formou entre os dois irmãos e que suas lembranças se misturem, sem

adquirir um tempo específico para cada uma, e, também – talvez, principalmente – sem se

sobrepor um tempo ao outro. Quando o narrador narra, ele cria, e este é um outro tempo, o

tempo da preparação, que necessita mais do entendimento do que da veracidade, embora esta

acabe por se formar. E, como ilustração, tomamos um trecho de uma das “Conferências”

proferidas pelo filósofo:

“ Ora, creio que a totalidade de nossa vida interior é algo como uma única frase

começada com o primeiro despertar da consciência, frase semeada de vírgulas, mas em

nenhuma parte cortada por pontos finais. E creio também, por conseguinte, que o nosso

passado lá está, subconsciente – isto é, presente a nós de tal maneira que nossa consciência,

para revelá-lo, não necessita sair de si mesma nem acrescentar-se algo estranho: ela só

precisa, para perceber distintamente tudo o que ela contém, ou melhor, tudo o que ela é,

afastar um obstáculo, levantar um véu. Extraordinário obstáculo, aliás! véu infinitamente

precioso! É o cérebro que nos presta o serviço de manter nossa atenção fixada na vida; e a

vida, ela, olha para a frente; ela somente se volta para trás na medida em que o passado

pode auxiliar a esclarecer e a preparar o futuro. Viver, para o espírito, é essencialmente

concentrar-se no ato a ser realizado.”

(22)

Não é nossa intenção atribuir ao estilo de Zurlini as categorias bergsonianas relativas à

passagem do tempo, sabemos da teoria de uma continuidade eternamente divisível da qual o

tempo se constitui e da qual se estabelece a duração, e seria forçado adequar um corpo

filosófico a uma análise fílmica específica. O que vale recorrer a Bergson, neste ponto,

quando questionamos o tratamento do tempo na obra de Valerio Zurlini, é no que tange à sua

definição do que poderíamos chamar de sensibilidade do espírito, que lança luz na parte

melhor, mais bem elaborada ou mais bem acabada como garantia do devir (no texto referido

Bergson defende a primazia do espírito sobre a atividade cerebral). O que acontece é que

esses momentos mais intensos que se destacam na memória não são, necessariamente, partes

ou episódios mais felizes. Observamos a necessidade de um momento de respiro do

personagem e, por isto, as idas e vindas no tempo, garantindo no presente uma abertura para

uma outra lembrança (mobilidade), e que esta necessidade vem justamente porque as

lembranças são doídas. Mas não esquecíveis. O grande erro, o de tentar viver à margem da

própria vida, ele, o personagem/protagonista/narrador já havia cometido; o diretor, ao

incorporar a dedicatória de Foscolo (retirada do romance de Pratolini) não se furta a dar o

aviso inicial, já falando, desde a abertura, ‘da flor perdida da juventude’. O que só reitera a

idéia de tentativa de salvação, mas não como final feliz, e sim como aceitação, modo de viver,

pois sem a consciência (do que não é mais possível) só há o nada (veremos, em A Primeira

Noite de Tranqüilidade, que é preferível a morte física do que a falta de consciência do estado

infeliz em que se vive). Nem o tempo passado nem o tempo presente, portanto, mas o que

virá; toda a volta, o caminho percorrido em busca de um ponto de projeção. Todo o flashback

é constituído como um gesto em direção à continuidade.

Gilles Deleuze, em um de seus escritos sobre Bergson (filósofo amplamente estudado

e divulgado por ele) analisa as questões propostas em “Matéria e Memória” e “O Pensamento

e o Movente”, desta maneira:

“Bergson nos mostra que a lembrança não é a representação de alguma coisa que foi;

o passado é isso em que nós nos colocamos ‘de súbito’ para nos lembrar. O passado não tem

porque sobreviver psicologicamente e nem fisiologicamente em nosso cérebro, pois ele não

deixou de ser, parou apenas de ser útil; ele é, ele sobrevive em si.” ... “O passado não se

constitui ‘depois’ de ter sido presente, ele ‘coexiste consigo como presente’. Se refletirmos

sobre isto, veremos bem que a dificuldade filosófica da própria noção de passado vem do

estar ele de algum modo interposto entre dois presentes: o presente que ele foi e o atual

presente em relação ao qual ele é agora passado.”

(23)

E veremos que essa noção de passado, como um estado sempre encontrável na forma

de um tempo presente – assim como a noção do presente, instante fugaz, que já se torna

passado mal terminada a frase que o define – vai nos remeter a um único tempo possível, que

é o da imprevisibilidade, ou seja, o futuro a salvo que se almeja, mas que nunca se sabe

realmente como será. Referindo-se ao ensaio “Matéria e Memória”, no último parágrafo,

Deleuze conclui:

“Se o passado coexiste consigo como presente, se o presente é o grau mais contraído

do passado coexistente, eis que esse mesmo presente, por ser o ponto preciso onde o passado

se lança em direção ao futuro, se define com aquilo que muda de natureza, o sempre novo, a

eternidade da vida.”

De onde se pode aferir que o que se almeja com este relato memorial não é, nem de

longe, recuperar um tempo perdido, numa categoria proustiana onde cada detalhe, em sua

exatidão descritiva, representa a recuperação de uma fase da vida; ou mesmo, a recuperação

sentimental deste passado. Também não é cabível supor que o ideal, com este tipo de esforço,

seja o de transpor um tempo quando o sofrimento era declarado, ou melhor, o desejo de

recuperar um tempo onde havia a consciência de algumas necessidades . Talvez o que esteja

projetado neste tipo de relato – e é o que provam as idas e vindas nos momentos significativos

de uma existência, e a composição das cenas como uma construção do passado e não

necessariamente de seu resgate – o que realmente este personagem esteja buscando seja

alcançar o dito tempo da delicadeza

(24)

. Quando Enrico encontrou, quando ele obteve, por

alguns momentos e, ao alcance das mãos, algo que ele só pôde compreender muito depois.

Por isto, daqui para a frente, a câmera se torna cada vez mais íntima, fechada em closes,

explorando as expressões, revelando o despertar dos sentimentos. Invocando, sem mais

desculpas, o tempo que não há mais.

* * *

Após a seqüência à margem do rio Tibre temos um corte para um close inusitado do

rosto dos dois irmãos: Dino, que está mais à frente, olha para o lado, para o vazio, logo atrás,

o rosto de Enrico, que olha fixamente para o irmão. A expressão dos dois é de uma tristeza

extremamente solitária, e a câmera os focaliza como uma foto de um cartaz, anunciando a

transitoriedade daquele momento: um que vai, o outro que registra. Em seguida, a câmera

corta e abre para o corredor do hospital, o corredor é longo e está desabitado, uma freira passa

ao fundo, a música explicita o mal estar da fotografia anterior. Dino será internado. Enrico se

apressa em abraçar o irmão e este se assusta, não quer que ele se vá, mas Enrico insiste,

fazendo pouco da despedida para amenizar a situação: “Eu deixo você aqui ... não é nada

demais ... amanhã nos veremos ...” Corte com a entrada de uma música sacra, a câmera se

detém na imagem da Virgem com o Menino no colo, em primeiro plano e depois vai se

afastando, lentamente. Corte direto em primeiro plano no rosto de Dino já deitado na cama,

no escuro, coberto até o pescoço, sua cabeça pende para o lado, seu olhar é de completa

desolação. A impressão que o espectador tem é que ele está sozinho no hospital até que a

câmera vai se abrindo para toda a enfermaria e vemos mais de uma dúzia de leitos com

doentes. A cena é o estatuto da solidão: estar só em meio a toda gente e, pior, todos iguais na

condição de abandono. É noite, no corredor, também solitária, uma freira vela por todos.

Corte para um leito vazio: Dino ausente. Corte para Dino, despido num outro leito, olhos

assustados, ele está sendo examinado por vários médicos. Não só a focalização dos olhos de

Dino e a disposição dos leitos, mas a disposição de toda a seqüência – da composição do

mobiliário à tonalidade da luz, tudo se ajustando numa estética impecável – é de completa

desolação. Sabe-se que o tempo dali para a primeira visita, prometida para o dia seguinte, não

é de apenas um dia, aquele ambiente em tons dourado e branco, como uma pintura clássica, é

o da eternidade. E daí para frente Zurlini não registra mais nenhum momento de luz natural, a

não ser a que entra pelas janelas, de fora para dentro, e depois na saída do hospital, quando

Dino é transferido para uma clínica particular de onde não voltará mais. O que significa

dizer que o primeiro tempo que acaba é o da natureza. A luz natural do dia, o ar que se respira

em liberdade e que garante a existência sem maiores complicações e também sem a

necessidade da palavra, retomando o ponto onde se conclui que o fluir da vida transcorre em

silêncio (sem necessidade de explicação, portanto sem sofrimento); este tempo está acabado

para Dino, e Enrico, que respira a morte junto com o irmão, tem sua lembrança deste período

representada pela luz interna dos ambientes, da luz artificial.

Para justificar o tempo real de permanência ali, enquanto a câmera vai mostrando

algumas dependências do hospital e os exames que são feitos no rapaz, a voz do narrador, um

pouco mais pausada, vai relatando o caso raro, as experiências feitas, o ser humano

coisificado, cobaia, sem consideração. Há uma revolta perceptível no tom do narrador mas

sempre passiva, entoando, junto com aquela narrativa tão íntima, uma melancolia dos fatos

consumados. Corte para o dia da visita e o rosto impaciente e jovem de Dino à espera do

irmão. Primeiro, o sorriso de alívio com sua chegada, depois o doente enfraquecido tenta

mostrar vitalidade segurando as mãos de Enrico, segue-se o desespero, a constatação da falta

de energia, o choro e o desabafo: “Não quero morrer.” Ele se acalma e tem início uma série

de diálogos, que será uma constante nas visitas, sobre a infância deles, marcando uma

renovada ternura e intimidade entre os dois: “ ... conte-me, você é um escritor, não é? Pode

me contar qualquer coisa que me faça imaginá-la (a mãe) viva.” Ao que o outro responde: “

... lembro tão pouco, só me recordo dela morta ...” As recordações, mesmo que falhas,

comovem os dois, Enrico começa a descrever a última vez que viu a mãe em seu leito de

morte, sua roupa, sua expressão de quem dormia um sono profundo e, por fim, fala de uma

mosca que teria pousado em sua testa e que ele se apressou em afugentar. Ele pára de falar e

uma lágrima escorre em seu rosto, ele não pode mais com as lembranças e abaixa a cabeça,

em desespero, e chora, ele também enfraquecido. Os laços vão se estreitando na mesma

medida da tristeza.

Daqui para o fim o relato segue circunspecto, rígido. O tempo da história agora é de

um passado cada vez mais assustador por sua proximidade, que já vai, inclusive, se inserindo

na atualidade do real; o tempo da memória dos dois irmãos não se mistura mais como no jogo

inicial, quando nas lembranças um podia observar o outro e fazer parte de uma única

memória, mesmo não tendo compartilhado uma mesma vida. Na parte final do filme, o tempo

se torna pura duração, mas sem a alegria almejada (mas não necessariamente creditada) pelo

filósofo

(25)

; ao contrário, a desconfiança do diretor, Valerio Zurlini, de que “não há esperança

para o homem”, vai contornando os últimos acontecimentos conforme a lentidão reflexiva da

narrativa, até chegar à citação bíblica final, em contraponto à rapidez das últimas providências

que vão sendo tomadas, com relação à piora do estado de saúde do irmão mais novo. A

melancólica voz em off vai se contrapondo à pressa das últimas decisões, invadida por uma

realidade sem mais intermediações.

Corte para um dia de muita chuva, rua, uma feira livre, pessoas passam encapotadas,

os comerciantes fecham suas barracas. O narrador conta como procurou, inutilmente por toda

a cidade, a compota de laranja que o irmão lhe pedira, insistentemente, decepcionando-se

cada vez que ele chegava sem ela. Esse desejo, além de todo seu significado (era o doce

preferido da mãe, era o doce oferecido ao irmão nas visitas ao menor), era também, como ele

sabia, seu último desejo: “me pediu a geléia de laranja, não consegui encontrá-la, percorri

toda a cidade, de loja em loja ... do riso à ironia ... parecia que eu procurava um absurdo, um

pedaço de Marte ... Nunca, como naquele momento, senti tanto ódio dos alemães e horror

pela guerra.” Este trecho também, além de calcado na aflição de satisfazer aquele último

desejo, é uma das poucas referências explícitas sobre o período em que se passa a história (ao

menos enfaticamente) e de como aquele era um tempo de retração e privações, para além das

dificuldades particulares, mas do qual o personagem só de dá conta quando fica claro como

eram poucas e frágeis as exigências do irmão. Sendo que neste pedido, quase infantil, da

geléia de laranja, estava contido todo o desejo de uma infância compartilhada, e, cada vez era

mais compreensível – à medida que o fim avançava – que nenhum privilégio que

Lorenzo/Dino tenha tido, ao ser criado por um tutor, pôde substituir o prazer de uma

convivência com o irmão, com a avó e com as lembranças da mãe, tudo isto resumido no

desespero de sentir, pela última vez, o gosto daquele doce que os unia.

Quando a próxima cena nos traz de volta ao ambiente hospitalar, ao quarto onde Dino

lentamente agoniza, o espectador já pode experimentar uma certa familiaridade com aquela

rotina. De alguma forma, sem dias marcados e sem um encadeamento muito preciso, a rotina

daquele período se materializa, quando, finalmente, Enrico assume toda a responsabilidade do

cuidado do irmão para si, e essa sua nova atitude torna-se o novo fio condutor da história. De

agora em diante pode-se observar um Enrico já imbuído de seu novo papel diante do irmão

mais moço, sem nenhuma negação com os laços familiares ou pretensão de abandoná-lo. A

imagem do personagem cuidando do irmão, arrumando sua mala e acompanhando-o na saída

do hospital, já é aquela pesarosa, que nos conta a história no momento presente, tentando se

livrar daqueles últimos momentos de tristeza. Nas seqüências finais, como é mostrado a cada

visita de Enrico, podemos nos envolver com a evidente piora de Dino, que, por outro lado,

também está modificado, deixou de ser aquele rapaz que carregava em si uma duplicidade

marcada por uma existência sem referências. Ele, agora, passa a ter um lugar para morrer,

dentro de suas próprias lembranças, recuperadas através das histórias do irmão, o que

significa que sua existência fora recuperada, e mesmo a parte de sua vida em que andou

perdido de suas origens, tinha finalmente uma justificativa.

É neste contexto que a narrativa chega à crise mais forte de sua saúde, quando Enrico,

ao ver o irmão tão debilitado, se debatendo e gritando, percebe o corpo enfaixado dele,

quando os enfermeiros, para lhe aplicarem uma injeção, levantam o lençol que o cobre. Em

busca de uma explicação para seu estado e, assombrado, descobre as feridas não supuradas

em seu corpo. Segue então o desespero, o questionamento do tratamento aos médicos, a raiva

e, depois, o medo e, finalmente, a decisão final de mandá-lo para uma clínica particular.

A câmera focaliza os dois irmãos que conversam, rosto a rosto, quase colados, numa

longuíssima seqüência em primeiro plano. Como numa preparação para a despedida, eles

falam sobre a mudança de clínica, ir para casa (esperança acalentada pelo doente: rever a

mulher, a filha); sobre a profissão do irmão mais velho, jornalista, escritor, um intelectual

autodidata; sobre a crença em Deus e, afinal, um ponto de reflexão quase irônico, não fosse a

bondade com a qual a pergunta é formulada: “como um comunista poderia acreditar Nele?” .

Questão que remete ao clássico dualismo entre fé e ateísmo; o espírito e a matéria. Mas a

pergunta é lançada sem nenhuma esperança de resposta, faz parte do silêncio das coisas

inexplicáveis e que devem permanecer assim. E com a morte ali, sempre premente, inevitável,

é com a angustiante consciência da finitude que Enrico tenta, de toda maneira, dar um

conforto, uma trégua, apaziguar um pouco a situação. Não se sabe qual dos dois está mais

apegado à vida. Dino insiste, mistura as lembranças: “Deus é uma luz ... quero voltar a

Florença ... está escuro aqui ...” A câmera não se mexe, focaliza a cabeça de Enrico quase

imóvel – as tais fotografias – só Dino, já devaneando, vira seu rosto, ora para o lado ora para

o irmão. Ele adormece e a cabeça em perfil de Enrico se retira delicadamente da cena. Plano

para o quarto inteiro, apenas a janela está iluminada, no mais, só o desespero de Enrico

caminhando em volta de si mesmo, até se sentar, exausto, na cadeira do canto.

Corte para a porta do hospital. Noite. Novamente, só depois de focalizada a fachada

vazia aparece a sombra do personagem no vidro da porta, ele sai, solitário, anda meio sem

rumo pela rua. Voz em off: “Passaram-se alguns dias, pedia sempre a mesma coisa: voltar a

Florença, voltar a Florença. Chegou o dia de sua transferência, hoje sei que se não parti com

você é porque não queria vê-lo morrer. Queria lembrar de você vivo.”

Corte novamente para o quarto, plano detalhe para a mala aberta onde vão sendo

acomodadas as roupas. Dino, pálido, inerte é carregado pelos enfermeiros, na maca, Enrico o

acompanha de mãos dadas “é sempre tão decidido...” Na entrada da ambulância os irmãos se

abraçam, espelho um do outro, quase se beijam, Dino agarra o paletó do irmão em franca

agonia, Enrico se desprende. A voz em off entra interpretando as próprias lembranças: “Quero

lembrar de você vivo!”. Mas essa voz em off é do personagem, Enrico, o narrador/

personagem de si mesmo, e é ele agora, muito perto de seu presente – momento atual – de

narrador, quem ilustra esta parte da narrativa, finalizando com a batida seca da porta da

ambulância, uma última etapa. E enquanto o carro sai o vemos de costas, o irmão mais velho,

aquele que sobrevive, o que viveu para contar, o narrador privilegiado. Todos morreram, só

ele pode lembrar e narrar o que viu e sofreu: na primeira pessoa, sujeito sem interlocutor.

E é nesta posição solitária que o vemos olhar a ambulância partir e terminar a sua

história como uma oração: “Agora digo a mim mesmo que para os espíritos mais imaculados

e mais corrompidos, a morte é sempre um hábito de vida, é a realização de um conhecimento.

E para as almas não mais puras e ainda não pecadoras, que não conheceram nem o sabor da

renúncia nem o gosto da ofensa? “Porque dos pobres de espírito será o Reino dos Céus”,

disse Cristo. Se assim é, a sua alma resplandece no Eterno mais alto.” – corte para as

fotografias do início (tempo presente) Fim.

* * *

Este sujeito sem interlocutor, mas plenamente envolvido no caminho traçado pelo

irmão, segunda voz de sua consciência, está agora, de alguma maneira, de posse de seu

passado. Passado este que não foi reconquistado, mas compreendido. Se ele está salvo em seu

presente, com possibilidade de ‘tocar’ a sua vida, projetado, portanto, em direção ao futuro,

não é por ter confessado seus pecados, mas é porque se identificou finalmente com eles. A

moral zurliniana ultrapassa a tradição humanista do crime e castigo, pretendida pelo romance

Cronaca Familiare, porque o que se nota, como mote constante nos filmes do diretor, e neste

destacadamente, é que o castigo não é suficiente se não levar à redenção. Se o personagem, no

caso tanto do livro como do filme, termina sua história recorrendo a uma reflexão mística e às

palavras de Cristo, é, no entanto, na imagem, na fotografia de seu rosto, na realidade que uma

reflexão mais apurada vai se instaurar: a constatação de um tempo sem tempo, sem medida,

de pura absorção dos fatos. Deixando, pois, o personagem à deriva de si mesmo – porque ele

agora sabe – numa sempre dualidade: salvo e eternamente perdido. Como os seus outros

personagens, mas principalmente o professor de A Primeira Noite de Tranqüilidade e o

tenente, de O Deserto dos Tártaros, também Enrico termina sua busca com o olhar

apaziguado, mas não livre do eterno questionamento: havendo descoberto o caminho para a

tranqüilidade, fazer o que com ele?

* * * * * * *

Notas:

1 – Noel Burch, no primeiro capítulo de seu Práxis do Cinema (São Paulo: Perspectiva, 1992,

p. 26-27-28), ao analisar a questão da decupagem, “último estágio do roteiro” ou, mais

precisamente, “a feitura mais íntima da obra acabada”, disserta sobre a técnicas concebidas

para a obtenção da continuidade espacial e temporal, assim como a elipse que se forma ao

“haver um hiato entre as continuidades temporais”. Recurso que serviria, num primeiro

momento, para “suprimir o supérfluo”, mas que poderá ser utilizado em conformidade ao

estilo da seqüência filmada ou da própria maneira de realização do filme. O autor destaca três

tipos de possibilidades, sendo “o primeiro tipo de elipse, aquele que é suficientemente curto

para, não apenas ser percebido, mas também ‘mensurado’.” Que é a que permite que o

espectador possa medir o tempo oculto através de uma informação espacial. O segundo tipo

de elipse seria a elipse indefinida, que “pode referir-se a uma hora ou um ano e, para ‘medi-

la’, o espectador deverá receber ajuda do exterior: uma réplica, um título, um relógio, um

calendário...” E, através do recurso do recuo no tempo, teríamos, tanto a elipse definida ou

mensurada, que faz o corte para alguns segundos atrás, como a elipse indefinida, que

proporciona o salto em muitos anos atrás. Não tratamos no texto de classificar o uso das

elipses temporais por Valerio Zurlini, apesar de reconhecermos a classificação, porque

entendemos que haja um certo estilo do diretor, para além da classificação teórica, que rege

seu modo de utilizar as elipses dentro da mobilidade constante de seus flashbacks.

2- Candido, Antonio. “Literatura e Personagem”. In: A Personagem de Ficção. São Paulo:

Perspectiva, 1987, p. 14.

3- “A flor dos seus gentis anos caída”. O poeta Ugo Foscolo (1778-1827), representante da

passagem do Neo-Classicismo ao Romantismo, era de origem ítalo-grega. Sua obra principal,

Dei Sepolcri, data de 1806, sendo uma poesia de espírito altamente cívico, retrato de sua

época e seus ideais políticos.

4- Chiappini, Ligia. O Foco Narrativo. São Paulo: Ática, 1987. Destacamos dois momentos

deste estudo: primeiro a definição contida no glossário (p. 89), de Foco Narrativo: “problema

técnico da ficção que supõe questionar ‘quem narra?’, ‘como?’, de que ângulo?’. Para

muitos é sinônimo de ponto de vista, perspectiva, situação narrativa ou mesmo narrador.”. E

o primeiro parágrafo do estudo sobre “A tipologia de Norman Friedman”, onde a autora

aponta para as seguintes questões, num resumo da teoria, quanto à questão do narrador: “1)

quem conta a HISTÓRIA? Trata-se de um NARRADOR em primeira ou em terceira pessoa?

De uma personagem em primeira pessoa? Não há ninguém narrando?; 2) de que POSIÇÃO

ou ÂNGULO em relação à HISTÓRIA o NARRADOR conta? (por cima? na periferia? no

centro? de frente? mudando?); 3) que canais de informação o NARRADOR usa para

comunicar a HISTÓRIA ao leitor (palavras? pensamentos? (...) ); 4) a que DISTÂNCIA ele

coloca o leitor da história (próximo? distante? mudando?) ?” (p. 24) Sendo que observamos

as definições apresentadas por Ligia Chiappini com o intuito de esclarecer uma certa

impossibilidade de enquadramento clássico do personagem-narrador em questão,

principalmente quando da adaptação do romance para o filme.

5- Op. cit. , p.39.

6- Brito, João Batista de. “Sobre o tempo fílmico – o flashback”. In: Imagens amadas:

ensaios de crítica e teoria do cinema. São Paulo: Ateliê Editorial, 1995, p. 187-189.

7- Benjamin, Walter. Magia e Técnica, Arte e Política. São Paulo: Brasiliense, 1985, p. 221-

(o grifo é nosso).

8- Falamos de uma poética no modo de filmar de Valerio Zurlini em primeiro lugar no

sentido original, aristotélico do termo, no sentido que não nos parece ser a intenção do diretor

filmar os acontecimentos históricos como tema de seus filmes, embora eles sempre estejam

presentes. Mas julgamos que seu desejo é manifestar muito mais a reação e os sentimentos

que passam por estas histórias. Neste sentido citamos o parágrafo 50 do nono livro da

“Poética’: “Pelas precedentes se manifesta que não é ofício de poeta narrar o que aconteceu;

é, sim, o de representar o que poderia acontecer, quer dizer: o que é possível segundo a

verossimilhança e a necessidade. Com efeito, não diferem historiador e o poeta por

escreverem verso ou prosa (...) diferem, sim, em que diz um as coisas que sucederam, e outro

as que poderiam suceder. Por isso a poesia é algo de mais filosófico e mais sério do que a

história, pois refere aquela principalmente o universal, e esta o particular. Por “referir-se ao

universal” entendo eu atribuir a um indivíduo de determinada natureza pensamentos e ações

que, por liame de necessidade e verossimilhança, convêm a tal natureza; e ao universal,

assim entendido, visa a poesia, ainda que dê nomes às suas personagens (...)” (Aristóteles.

Poética. São Paulo: Abril Cultural, 1973, p.451).

Sobre a questão da poética interna que pode haver em determinados filmes ver o texto

de Pier Paolo Pasolini, “A poesia do novo cinema”. (Revista Civilização Brasileira, Rio de

Janeiro, n. 7, maio de 1966, p. 286), onde o cineasta afirma: “A poeticidade dos filmes,

portanto, não era obtida através da utilização de uma linguagem específica de poesia. Isto

significa que não eram poesias, mas narrativas. O cinema clássico foi e é narrativo: a sua

linguagem é aquela da prosa. A poesia, nele, é interna como, por exemplo, nos contos de

Tchecov e Melville.”

9- Antes mesmo de especificarmos uma definição de memória seletiva, questão relevante em

Todorov, destacamos, ainda uma vez, o estudo de Ligia Chiappini, já citado anteriormente,

mas agora quanto ao questionamento, levantado neste parágrafo como uma escolha de método

para o relato memorial, Ficção e História: “ Na verdade, não se abandona a comparação que

se impôs desde Aristóteles. Ela, volta e meia, reaparece, implícita ou explicitamente, nos

próprios romancistas ou nos teóricos da literatura, quando não vem recolocada pela própria

filosofia. A diferença é que agora não se desconfia somente do poder de representação do

discurso da HISTÓRIA. A desconfiança se alastra para o poder da FICÇÃO de, pela

particularidade, chegar à universalidade, operação que nos levaria, segundo Aristóteles,

Diderot ou Lukács, a compreender e conhecer mais profundamente a realidade. // No

confronto, entretanto, a ficção continua levando vantagem, porque ela, pelo menos, assume a

sua fragilidade e não tenta escamotear uma determinada VISÃO da realidade sob a máscara

da verdade.” (Op. cit. , p. 78)

10- Aqui sim destacamos especificamente o conceito de memória seletiva analisado por

Tzvetan Todorov, a propósito de um congresso sobre os crimes cometidos pelo Nazismo

(organizado pela fundação Auschwitz e intitulado “Histoire et mémoire des crimes et

génocides nazis”, em 1992). Ao analisar a memória como documento indestrutível e meio

desestabilizador do poder, ele também atribui a ela um grau de liberdade que possibilita que

alguns momentos do passado sejam privilegiados, por seu grau de importância e impacto na

história do sujeito, assim como na história universal. Dessa maneira, a memória lidaria

sempre com a dualidade: esquecimento e conservação, sendo ela uma “interação dos dois”.

Citamos textualmente: “Conservar sem escolher ainda não é um trabalho da memória.” (In:

Les Abus de la Mémoire, Paris: Arléa, 1995, p. 14).

11- Benjamin, Walter. “Sobre o Conceito de História”. In: Magia e Técnica, Arte e Política.

São Paulo: Brasiliense, 1985, p. 224.

12- Aprendemos através da mitologia cristã, com o episódio da volta do filho pródigo, o

quanto o retorno ao lar pode ser acolhedor e compensatório, mas nada em nossa literatura nos

indica que, se ele incorresse novamente em erro, haveria um novo perdão. Mesmo nos

valendo da parábola da ovelha desgarrada, ainda assim, nos restaria a dúvida de por quantas

vezes ela poderia se perder. Pois a idéia difundida no Evangelho Segundo São Lucas é a de

que a salvação de um só compensa todo o rebanho: “Eu vos digo que do mesmo modo haverá

mais alegria no céu por um só pecador que se arrependa, do que por noventa e nove justos

que não precisam de perdão.” (A Bíblia de Jerusalém. São Paulo, Edições Paulinas, 1985, N

T, Lc, cap. 15, vers. 7). Considerando-se a estrutura do filme de Valerio Zurlini, o romance no

qual é baseado e seu próprio questionamento sobre o tema, a parábola acima, assim como as

duas outras que seguem – a saber, as três parábolas da misericórdia: “A ovelha perdida”; “A

dracma perdida” e “O filho pródigo” (vers. 4 a 32) –, ilustram bem não só o conceito de

proteção familiar mas, principalmente, do beco sem saída do qual é composto. O sujeito que

escapa deste círculo, ao fracassar no mundo lá fora e se arrepender, é redimido e se rejubila,

enquanto o sujeito que fica, seguindo o caminho da retidão, receberia, como recompensa, a

‘alegria’ do dever cumprido, sem nunca poder contestar esta ‘dádiva’, correndo o risco de

deixar de fazer parte do rebanho (o caso de Lorenzo que acaba por não cumprir as regras do

padrinho).

13- Genette, Gerard. Figures III. Paris, Editions du Seuil, p. 139 – 141.

14- Sendo isto mais visível ainda nos longos silêncios do professor Daniele em A Primeira

Noite de Tranqüilidade e na paisagem iluminada e estática de O Deserto dos Tártaros.

15- Aumont, Jacques. O Olho Interminável. São Paulo: Cosac & Naify, 2004, p.136.

16- Metz, Christian. A Significação no Cinema. São Paulo: Perspectiva, 1972, p. 19.

17- Benjamin, Walter. Op. cit., p. 223.

18- O poeta e escritor André Gide escreveu, em 1890, um pequeno texto intitulado O Tratado

de Narciso, onde, ao narrar o mito grego, discorre sobre a inocência da ignorância e do

verdadeiro pecado que seria o de provar do fruto do conhecimento. Citamos este trecho por

sua beleza e significação: “Porque a culpa é sempre a mesma para quem sempre volta a

perder o Paraíso: o indivíduo que sonha consigo mesmo enquanto a Paixão confere as

ordens sacras e, comparsa orgulhoso, não se subordina.” Trecho que tem como nota, do

próprio autor, uma espécie de sub-tratado sobre ser a tendência natural, do homem e da arte, o

dever de se manifestar: “toda obra que não se manifesta é inútil e, por isso mesmo, perversa.

Todo homem que não se manifesta é inútil e perverso.” E entendemos que esta manifestação

seja a eterna, porém fugaz, recuperação do Paraíso, por isto então o poeta sonha, e, pelo

mesmo motivo, ele se lembra, rememora, recuperando de tempos em tempos, sua

compreensão.

Gide, André. O Tratado de Narciso (teoria do símbolo). Tradução de Luiz Roberto Benati. -

s.l.p.: Éditions Notre Bas de Laine, s.d.

19- O que nos remonta ao Novo Testamento e à tarefa de Pedro que, conforme Jesus anuncia

no último encontro com seus apóstolos, havia de negá-lo três vezes: “Pedro, eu te digo: o

galo não cantará hoje sem que por três vezes tenhas negado conhecer-me”( Op. cit.,Lc,

cap.22, vers. 34). Sendo Pedro justamente aquele a quem Jesus entregaria a tarefa de edificar

a Sua Igreja. Numa analogia direta aos personagens de Dois Destinos, passada a fase da

negação, segue-se a devoção incondicional.

20- Brunetta, Gian Piero. Cent’anni di cinema italiano. 2 v. Roma-Bari: Laterza, 1998, v. II,

p. 250.

21- Bosi, Alfredo. O Ser e o Tempo da Poesia. São Paulo: Cultrix, 1977, p. 123.

22- Bergson, Henri. “A Alma e o Corpo”. In: Conferências. São Paulo: Abril Cultural,1979,

p.97.

23- Deleuze. Gilles. “Bergson, 1859-1941”. In: A Ilha Deserta. São Paulo: Iluminuras, 2006,

p. 42.

24- Emprestamos aqui o verso do compositor Chico Buarque e Cristóvão Bastos, da música

“Todo Sentimento”, do LP Chico Buarque, de 1987.

25- Estamos nos referindo aqui à análise feita por Bento Prado Junior, em seu estudo

Presença e Campo Transcendental – Consciência e Negatividade na Filosofia de Bergson.

São Paulo: Edusp, 1989, p. 37.

“Pensar em duração é identificar-se com a temporalidade do próprio surgimento do objeto

enquanto objeto. E desta perspectiva “divina” dissipam-se as angústias ligadas à condição

humana e que, no nível da consciência filosófica, assume a forma de uma interrogação pelo

fundamento e pela origem do próprio Ser. Como para Heidegger, para Bergson a

significação do Nada se esboça e se oferece na experiência da angústia. Mas, para Bergson,

esse estado afetivo não indica nenhuma transcendência, nenhuma superação possível de sua

imanência psicológica. Pelo contrário, a experiência da angústia aparece como uma

regressão à pura subjetividade e como perda de contato com o real.”.

* * * * * * *

III

À Margem do Silêncio de Deus

“A Primeira Noite de Tranqüilidade”

A – A noção existencialista.

“Desilusão, desilusão

danço eu, dança você

a dança da solidão.”

Paulinho da Viola

Este filme de Valerio Zurlini, A Primeira Noite de Tranqüilidade, tem início antes dos

créditos, numa paisagem marítima, porto de Rimini (entre Ancona e Veneza, como é logo

explicado pelo protagonista) onde um barco se aproxima trazendo um casal de estrangeiros

viajantes que, ao que parece, viaja sem se importar muito com o próprio destino. A câmera

focaliza um homem que caminha solitário pelo cais quando é abordado pelo estrangeiro, que

lhe pergunta onde eles estão e recebe a informação geográfica acima. Mas, ao ser indagado

pela mulher, agora em sua língua, sobre como é a cidade, responde que não sabe, pois

também ele acabou de chegar.

Eles conversam em inglês, depois em italiano, mas nem o lugar nem a língua é

absoluta primazia. A condição de solidão escolhida, de ambos os lados, parece ser a epígrafe

desta narrativa. Cuja história é a que segue.

Um professor de literatura muda-se, junto com sua mulher, para Rimini onde vai

ocupar uma vaga no Liceu local. Enquanto o casal passa por uma profunda crise no

casamento, Daniele Dominici, o protagonista (interpretado por Alain Delon), vai travando

conhecimento com os moradores locais e, de imediato, interessa-se por uma determinada

aluna: Vanina Vanini (Sonia Petrova), moça especialmente taciturna com quem ele se envolve

emocionalmente e com quem resolve partir. Mas, em meio a tantas crises que se estabelecem

100

entre os personagens com esta relação inusitada, a pior delas, que é a ameaça de suicídio feita

pela mulher do professor, faz com que ele acabe optando por voltar no meio do caminho,

morrendo num terrível acidente com um caminhão. Mas em termos de narrativa, o que

acontece é que esta não é dada por meio de uma história linear, a narrativa principal,

apresenta-se entremeada, não só pelo mistério que envolve o passado dos personagens como,

principalmente, pela atmosfera de angústia que permeia a seqüência das situações.

O filme traz logo no início, em sua primeira parte, uma seqüência de diálogos que,

além de apresentar o personagem e inseri-lo no contexto da história, apresenta também os três

principais temas que percorrerão toda esta narrativa. Temas estes que permearão a descrição

das personalidades, o modo de ser de cada uma delas e o modo de distingui-las nas cenas.

Mas, acima de tudo, estes três temas contam a história individual do personagem principal,

Daniele Dominici, dentro de seu tempo e de uma certa conformação sócio-filosófica. Esses

temas, ou questões desencadeadoras, são: a negação; o jogo (o arriscar-se); a indiferença.

Vamos, antes de tudo, reproduzir os três primeiros diálogos, e suas situações, conjuntamente.

O primeiro, após a seqüência do cais com o casal de estrangeiros (onde já houve uma

negação quando Daniele diz à mulher que também “acabou de chegar e não conhece a

cidade”), acontece na seqüência seguinte a esta, na sala do diretor da escola, onde ele se

apresenta. Ao ler o nome do recém-chegado em sua ficha pessoal, o diretor depara com seu

sobrenome “Dominici” e, admirado, lhe pergunta se é parente do “herói de El Alamein, o

famoso coronel Dominici, medalha de ouro da ‘Folgore’”, ao que ele responde, com aparente

serenidade, que “não, de jeito nenhum”. – Numa das únicas alusões à vida pregressa do

personagem, cujo antepassado teria participado da batalha de El Alamein, no Egito, na

Segunda Guerra Mundial, que nos remetem ao romance de Zurlini sobre a história de uma

família vinda da África.– Após caminharem pela escola vazia, que está em greve, e de um

breve discurso do diretor sobre a ordem e disciplina exigida com relação aos alunos, há um

corte para uma mesa de jogos, numa espécie de bar, onde Dominici, após uma certa

animosidade inicial – quando seu principal interlocutor dirá que “não joga com estranhos” –,

será apresentado aos seus novos ‘companheiros’. Após as apresentações ele, de imediato,

começa a jogar com aquele que o rejeitou inicialmente, Giorgio Mosca, “vulgo Spider”

(interpretado por Giancarlo Giannini), apelido que, ao longo do filme, como veremos, vai se

justificar plenamente. Ao final da partida Spider observa que o novato na cidade joga muito

bem e pergunta o que mais ele sabe jogar, ao que este, após uma breve pausa olhando para seu

101

interlocutor, responde: “Tudo”. Corte para a entrada do apartamento de Daniele Dominici

que, ao chegar, antes de abrir a porta ouve a mulher ao telefone indagando por alguém, um

homem. Com sua chegada, vemos uma casa cheia de coisas empilhadas, tapetes enrolados,

mostrando que acabaram de se mudar; ele encontra a esposa deitada, senta-se ao lado dela na

cama e tem início o seguinte diálogo:

Daniele: _“Está dormindo? Procure não pensar, vai passar. Falo por experiência própria.

Agora parece intolerável, mas passa. Tudo passa.”

Monica: _ “Então, para que viver?”

Daniele: _ “Sobrevive-se.”

Monica:_ “Está zangado comigo?”

Daniele: _ “Nem pensar! São coisas que acontecem.”

Monica: _ “Aconteceram com você?”

Daniele: _ “Não seriamente, nem por minha culpa. Principalmente por culpa das mulheres

que encontrei.”

Monica: _ “Alguma vez você amou muito?”

Com esta pergunta Daniele sorri, e temos a impressão que o personagem está realmente à

vontade.

Daniele: _ “Monica, parece que estamos velando um morto!”

Monica: - “Você se arrepende de alguma coisa?”

Daniele: _ “Seria um luxo. Não me permito isso.”

Monica: _ “Gostaria de ter um filho?”

Daniele: _ “Deus me livre! Para que?”

“Durma.”

Monica: _ “O que mais me irrita em você é essa sua bondade. (...)

Daniele: _ “Não é bondade.”

Além das questões referidas, também destacamos estes diálogos para marcar que, mais

do que nos outros filmes de Zurlini, neste não há nenhum momento de trégua ou uma

preparação inicial para a introdução de temas tão áridos. O herói zurliniano, que antes podia

se nutrir de alguma esperança ou ‘graça’, tem aqui, logo na apresentação, uma pré-disposição

para o sofrimento, para o insucesso, para o abandono, para a solidão, para a morte. Não há

salvação nem tentativa de encontrá-la no semblante do professor, sua primeira aparição

102

solitária no cais já anuncia, como certo, que ele protagonizará uma história fadada à tragédia e

que, mesmo esta tragédia, lhe será designada por aceitação e passividade, jamais por paixão.

Veremos, mais adiante, que, ainda que o personagem faça uma tentativa de enfrentar com

uma ação inusitada o não movimento que ele encontra (re-encontra) naquela cidade, o clima

de desventura vai triunfar. E, ainda, o mergulho no passado que o personagem será obrigado a

fazer, não terá o caráter redentor ou libertador que se esperaria, a revelação de sua vida

pregressa o leva a apressar as coisas, a tomar algumas decisões, mas, não necessariamente, a

saber lidar com elas. O ambiente de cada lugar, de cada cena, dá o tom desesperançado da

história, o tanto faz das relações, o improviso da existência de cada um, onde o passado se

ajusta e vai detonando as ações, mas não, como já vimos, para reformular ou explicar, mas

apenas como causador sintomático de um futuro sem conciliação. As seqüências se interpõem

com uma desenvoltura suficiente apenas para a sucessão temporal dos acontecimentos, mas os

personagens se arrastam como se estivessem apenas disfarçando a consciência de seus

destinos.

Pautado em diálogos lacônicos, em silêncios regulares e olhares concentrados e

perdidos ao mesmo tempo, Valerio Zurlini vai construindo sua história e direcionando sua

câmera na elaboração de temas caros a uma determinada reflexão filosófica que marcaria, no

cinema, toda uma geração entre os anos cinqüenta e setenta. As questões existencialistas

posicionadas, no caso, por um desdobramento ainda cristão, são aqui mote e cenário desta

história, e é justamente o gestual econômico destes personagens que ressalta o estilo do

diretor que, novamente, se utiliza mais dos silêncios do que das palavras e, neste compasso,

vemos os personagens irem se envolvendo numa trama sem muito sentido ou razão, como a

própria existência, mas ao mesmo tempo, cônscios de seu papel naquele lugar, naquela

determinada hora, num movimento convicto em direção ao próprio destino. O que restringiria,

portanto, o sentido de tragédia, pois cada um destes personagens zurlinianos, em A Primeira

Noite de Tranqüilidade – culminando com a determinação pacífica do professor em

simplesmente ir sendo em meio a um mundo aparentemente desconhecido para ele (qual seja,

a trama que envolvia aqueles jovens naquela cidade) – sabe, ou ao menos, percebe a

responsabilidade do caminho escolhido, ainda que seja o do marasmo, da pura aceitação.

Apesar das questões zurlinianas estarem mais ligadas a um existencialismo cristão, com

pontos de referência que estariam muito mais afeitos à filosofia de pensadores como Karl

Jaspers

(1)

, é primeiro em Jean-Paul Sartre que encontramos algumas definições pertinentes à

colocação no mundo encontradas nos personagens do diretor italiano, como no manifesto em

103

defesa do Existencialismo, onde o filósofo é bastante específico ao afirmar sobre a condição e

situação humana:

“... se bem que seja impossível encontrar em cada homem uma essência universal que seria a

natureza humana, consideramos que exista uma universalidade humana de condição. Não é

por acaso que os pensadores contemporâneos falam mais freqüentemente da condição do

homem do que de sua natureza. Por condição, eles entendem mais ou menos claramente, o

conjunto dos limites a priori que esboçam a sua situação fundamental no universo. As

situações históricas variam: o homem pode nascer escravo numa sociedade pagã ou senhor

feudal ou proletário. O que não muda é o fato de que , para ele, é sempre necessário estar no

mundo, trabalhar, conviver com os outros e ser mortal.”

(2)

Sendo que este estar no mundo, depende da escolha de cada um, e aí reside o

paradigma zurliniano com relação ao existencialismo: estamos condenados a ser livres e

responsáveis por todos os nossos atos, sem salvação; ou será que, em algum momento,

refazemos as escolhas porque somos impulsionados por um sentimento mais forte – o

pathos? – do que a nossa própria angústia e pulamos fora do círculo determinado por nós

mesmos, e nos safamos de nossas próprias escolhas? Mas, e depois, como não podemos

escapar à nossa condição, seremos irremediavelmente pegos de novo? E pegos por quem, ou

pelo que, senão por nós mesmos e por nossa determinação em sermos livres?

Considerando-se o cenário propício a essas questões no desenvolvimento da história

do professor – personagem entre a desilusão e uma certa pré-disposição a se safar e voltar a

viver –, percebe-se, neste enredo, o ponto alto da dúvida zurliniana: estar ou não no mundo e

de qual maneira, acreditar ou não numa disponibilidade do homem à felicidade? A história

segue reta no sentido da narrativa: um professor, de caráter à princípio um pouco ambíguo, e

já um tanto decadente, metido num precário casamento e, aparentemente, indiferente com

relação ao desenrolar de sua vida doméstica, encontra na jovem Vanina – moça de passado

comprometido e também em estado, precoce, de decadência existencial – o motivo para voltar

a ter esperanças e apostar em algum futuro. Após ter seu passado desvendado por um dos

amigos – justamente Spider, aquele que tece e decifra as tramas – acaba encontrando a morte

(já metaforicamente descrita pela mulher que lê suas mãos), quando decide ‘adiar’ seus planos

e voltar para salvar a mulher de uma suposta tentativa de suicídio. Mas a história não segue

reta nem ao menos tenta se justificar no sentido do significado daquela existência. Pelo

contrário, ela é feita de negação e pequenas revelações, à medida que os personagens se

104

expõem, através de rápidos relatos sobre suas vidas pregressas, vão aceitando o jogo, blefando

(literalmente, porque apostam, de suas vidas, muito mais do que possuem, como autonomia e

independência), porém, passando, curiosamente, da indiferença a uma atitude perante o

destino, o que torna possível alguma mudança de situação no final. Indo um pouco mais

adiante na filosofia sartriana: “A escolha é possível, em certo sentido, porém o que não é

possível é não escolher. Eu posso sempre escolher, mas devo estar ciente de que, se não

escolher, assim mesmo estarei escolhendo.”

(3)

E isto faz também a diferença na idéia deste filme de Valerio Zurlini, que, além de

assumir uma contradição interna nos preceitos em voga, acena com uma possibilidade de

mudança, mesmo que, ao final, frustrada; mas, ao menos, causadora de um movimento gerado

por uma atitude, por uma reação dos personagens, que impõe uma mudança. Veremos, com o

desenvolvimento da trama, que, ao contrário do outro filme já analisado, em A Primeira Noite

de Tranqüilidade, ao re-visitarem seus passados, os personagens não salvam suas

consciências de nada, mas transformam a realidade imediata, para o bem ou para o mal,

assumindo individualidades ao irem tomando posição dentro do grupo homogêneo no qual se

apresentam. O que em termos sartrianos, ou da literatura existencialista, causaria um certo

desconforto, pois, apesar da disposição de ânimo dos personagens zurlinianos poder se

equiparar aos personagens de Sartre ou Camus, ou seja, o ter que lidar com o peso da própria

existência e o incômodo causado pela consciência exagerada das coisas, ainda sim, em

Zurlini, resta uma hesitação que, em alguns momentos, propicia uma redentora esperança,

uma pequena aposta em algum amanhã – mas, adiantamos, esta esperança é dada aos

personagens e nunca à situação como possibilidade de um final feliz –.

(4)

* * *

Os temas (da negação, o jogo e a indiferença), vão se repetindo ao longo do filme,

para depois, irem sendo postos à prova. Na primeira seqüência na sala de aula, o professor já

chega recusando-se a participar de um abaixo assinado, afirmando seu descaso: “Eu estou

aqui só para explicar pra vocês porque um verso de Petrarca é belo, o que eu acho que sei

fazer... O resto me é estranho e me chateia, para mim fascistas e socialistas são todos iguais,

os fascistas são mais cretinos”. E logo repara em Vanina, a aluna de 20 anos, que se torna um

imã para este professor ao se destacar, logo na primeira aula, como a única a escolher, para o

105

tema de redação, uma análise literária ao invés de querer falar de si mesma. O tema, não por

acaso, é a contraposição entre a “pureza e o pecado na poesia de Alessandro Manzoni”, e, ao

escolher não falar de si mesma como os outros, ela já vai anunciando ser a única ali que não

pode revelar o seu passado, os demais alunos são jovens comuns. Mas o tema de análise é

justamente a contraposição desta dualidade: pecado e pureza. Matéria com a qual ela terá

que lidar se quiser realmente se livrar de seu passado proibitivo. E os dois, professor e aluna,

se identificam pelas mesmas maneiras de fugir, ou contornar as situações: a indiferença e a

recusa em partilhar a própria história – como ilustração de sua postura, ela está lendo, em sala

de aula, um romance de Lawrence só porque ganhou o livro num ‘bingo’, e pouco se importa

com a insinuação dos outros alunos, à respeito do outro romance do autor: Os Amantes de

Lady Chatterley –.

Os cortes, nesta e em outras seqüências, são feitos para marcar a passagem do tempo

(um tempo definido dentro de uma ação, um acontecimento), a câmera se retira focalizando a

paisagem externa, primeiro a rua, esquinas vazias, o asfalto molhado apontando a estação

ruim, o inverno (é inverno por todo o filme, os personagens mal tiram seus casacos); o corte

seguinte, sinalizando agora a passagem dos dias, vai para as ondas batendo na praia cinza,

deserta, e essas imagens se dão sob o compasso do trompete (a trilha sonora que geralmente

entra na ausência dos personagens), solo do instrumento que segue traduzindo o silêncio

daqueles lugares desabitados, numa solidão inserida na paisagem.

Retomando o casal protagonista, o primeiro ‘passeio’ é pautado pela conversa final,

quando Daniele confessa que a convidou para sair porque sabia que o namorado estava fora,

mas que não havia feito isto por uma ‘noite de diversão’ mas pela ‘angústia’ que percebia

nela, pela “melancolia sem medidas que ele não conseguia suportar”. Primeiro sintoma

existente no filme da importância real de alguma coisa, ou alguém; e é com este casal,

também, que se dá a coincidência dos temas e também a dissolução deles. É justamente por

não conseguir suportar, que ele se sente cada vez mais atraído por ela. Os dois, sem saberem

ainda o passado de cada um, estão irremediavelmente ligados pelo desconforto no qual se

reconhecem. Os amigos do namorado, que se tornam os companheiros do professor, insinuam

informações, mas os futuros amantes, ancorados num apropriado comportamento depressivo,

estão interessados em algum resquício de desejo que possa haver na descoberta um do outro.

Desejo este que se torna claramente o antagonista do abatimento moral que reside em todos;

apoiar-se nele é a única saída para uma individualidade dentro daquele círculo vicioso em que

viviam, e que o professor vem resgatar.

106

A partir daí, da introdução desta espécie de casal primordial – que também anuncia o

tema cristão, o do primeiro casal, como mote obrigatório para o imbricamento das questões

existencialistas – o filme, a história, vai apresentando uma seqüência de situações que provam

uma passividade constrangedora por parte dos personagens, marcando assim a diferença entre

esta dupla e o que naquele lugar era tomado como hábito, banalidade, até aquele momento. O

tipo de comportamento até então estabelecido, vai sendo ilustrado por algumas seqüências que

condensam o cotidiano daquelas pessoas que, umas mais próximas, outras nem tanto, têm

muito em comum. Como a seqüência de um final de noite no apartamento de Gerardo, o

namorado que era uma espécie de dono de Vanina, quando este resolve mostrar um vídeo

íntimo para todos os amigos, provando sua posse sobre ela; ou, ainda, o corte para a casa do

professor que mantém uma patética conversa com sua mulher e o fato dado, entre eles, de um

possível amante. Seqüência que termina com uma desesperada relação sexual, feita como que

para constar algum resquício de controle naquele casamento declaradamente sem remédio,

vivendo, ou suportando, um cotidiano tedioso, onde a revelação da existência de eventuais

amantes não serve mais para uma reaproximação, mas sim para um fim anunciado em cada

gesto, em cada tentativa de comunicação; como tudo parece girar concentrado naquela cidade

fria (fora de estação) à beira do cais. O que se percebe, então, nestes encontros, com seus

diálogos truncados, é que não passam de tentativas meio amortizadas, na verdade, ‘exercícios

de liberdade’, evidenciando, não uma colocação no mundo – comportamento condizente com

o clima da época – mas, numa inversão de valores, a reação desses personagens não passa de

um ensaio de liberdade que, na verdade, prenuncia um mal irremediável, como se, voltando à

filosofia existencialista, o ‘ser no mundo’ fosse este ser dado ao individualismo e ao

abandono, comprometendo, portanto, o resquício de esperança fragilmente adquirido. Porque,

como vamos ver, mesmo Sartre, estabelece:

“Quando declaro que a liberdade, através de cada circunstância concreta, não pode

ter outro objetivo senão o de querer-se a si própria, quero dizer que, se alguma vez o homem

reconhecer que está estabelecendo valores, em seu desamparo, ele não poderá mais desejar

outra coisa a não ser a liberdade como fundamento de todos os valores. Isso não significa

que ele a deseja abstratamente. Mas, simplesmente, que os atos dos homens de boa fé

possuem como derradeiro significado a procura da liberdade enquanto tal. (...) Queremos a

liberdade através de cada circunstância particular. E, querendo a liberdade, descobrimos

que ela depende integralmente da liberdade dos outros, e que a liberdade dos outros depende

da nossa.”

(5)

107

O filme apresenta, desta maneira, estes dois lados de um questionamento humano,

praticamente sem resposta, para equacioná-lo num mundo de possibilidades que está fora

deste jogo – a inutilidade da liberdade alcançada e a compreensão da liberdade como um

princípio em si – num flerte com uma felicidade real que assimilaria esta dicotomia para não

se deixar enganar e se estabelecer como tal. Ou seja, o contraponto feito por aquelas duas

figuras absolutamente indiferentes com tudo que as rodeia, livres a ponto de se deixar levar

por uma condição alheia: ela, em relação ao namorado, ao segredo dos amigos, à família

desagregada; ele, ao passado perdido, à ausência de amor, à esposa. Ou, imaginariamente tão

livres para ignorar e ao mesmo tempo conviver com aquele mundo, ao se constituírem – pela

assombrosa assimetria de ausência de desejos – num casal, recuperam, mesmo que por

pouquíssimo tempo, a noção da própria existência.

Vista por este ângulo, a história passa a ser uma tentativa de provar que aquela

situação, aquele estado das coisas pode ter solução, o casal protagoniza esta esperança no

desejo assumido um pelo outro e no enfrentamento das reações. O filme passa, desta maneira,

a uma originalidade de tratamento – ainda que passageira – pois, mesmo a revelação da

ligação anterior do professor com a cidade, de sua adolescência comprometida com um

licenciamento pervertido de comportamentos e situações, vividas num tempo em que,

descobre-se num dado momento, não estava de todo enterrado para ele, subtrai, com o aceno

desta relação, a negação inicial, a indiferença e o gosto pelo jogo, pelo incerto, pelo tanto faz.

O filme, que transcorria num ambiente completamente obscuro, sem perder de vista estes

personagens asfixiados e comprometidos com a irrevogabilidade de suas ações, acena para

uma futura salvação, que não virá, mas é acalentada.

* * *

No prefácio à Poética do Silêncio, de Modesto Carone, ao distinguir os cenários que

propiciam a poesia de Paul Celan e João Cabral, Alfredo Bosi afirma:

“Seus motivos de silêncio não serão provavelmente os mesmos, mas são igualmente fortes. A

sua poética, feita de ‘coisas de não’, se aproxima naquilo que nega, para depois apartar-se

na escolha do que fica.”

(6)

108

No filme de Zurlini a negação entra como motor, não só da história como da paisagem

para, no fim, ser o fator de união – desespero – separação. No caso, o ‘apartar-se’ vem com a

morte constatada anterior à parceria inusitada formada por aquele casal. Na verdade, eles

formam um intervalo, uma preparação para o não. Os intervalos – espaços de tempo – vão

sendo feitos de música e vazio, ou seja , silêncios intermitentes que negam o poder à fala, ao

logos, o que significa que negam poder tanto à explicação quanto à criação, mas também à

desordem. O que o filme carrega nos intervalos que vão definindo aquele relacionamento é

uma construção eternamente renovada, auto-criadora e independente do entorno, de tudo

aquilo que vai propiciar o desenlace final. Até chegarmos ao meio, quando se iniciará a

revelação do passado de Dominici na visita à velha casa abandonada, e que vai definir um

‘antes’ e um ‘depois’ na história – caracterizando uma relevância ainda maior à mítica cristã –

as seqüências vão personalizando o tipo de comprometimento que aqueles personagens

cultivam e o tanto que o professor vai se inserir, ou não, nelas.

A ordem estabelecida para o desenvolvimento da história (de novo, não a linear mas a

trama pautada por trás dela) acontece da maneira seguinte: primeiro o filme vai mostrar o

protagonista já se conformando aos hábitos mais cotidianos daqueles amigos, como por

exemplo, combinar jogatinas em casas que estão vazias, para alugar ou vender (um deles é

corretor de imóveis e tem a chave das casas). Numa dessas noitadas Daniele, já comprometido

com cheques sem fundo, oferece o anel que está em seu dedo, dizendo que o havia

conseguido como pagamento em um jogo; Gerardo, o namorado de Vanina, fica com o anel,

‘apesar de desvalorizado por uma tal inscrição: MAS’, e o entrega de presente para a prostituta

que está ali acompanhando a jogatina – ele literalmente atira o anel para a moça, como um

objeto qualquer, desprezível – mas, pelo olhar de Daniele, o anel não parece ter um

significado tão pequeno assim, mais uma pequena dica do passado aristocrata do professor.

Segundo, Daniele será mostrado em outra chave, talvez sendo ele mesmo, sem forjar um

‘tipo’, quando vai ao encontro da única pessoa que realmente lhe interessava naquela cidade,

para quem não precisava disfarçar os sentimentos. Há então um corte para a saída da escola,

onde o professor, em seu carro velho, espera por Vanina para lhe entregar o romance de

Stendhal, Vanina Vanini , depois oferece-lhe uma carona e os dois acabam passando o dia

todo juntos, começando por uma visita ao Aquário. Lugar onde, basicamente, Daniele fala e

responde quase todo o tempo, porque ela está sempre pensativa, reticente. Ela observa os

golfinhos saltarem pelos arcos e sorri, sempre silenciosa:

109

Daniele: “_ Nunca veio aqui?

Precisava ser eu para lhe mostrar as maravilhas desse litoral.”

“_ Aposto que sei no que você está pensando.”

Vanina: “_ Vamos ouvir.”

Daniele “_ Tem pena de ver os golfinhos em cativeiro.”

Vanina: “_ Um pouco...”

Daniele: “_ Eu, ao contrário, acho que se os levassem para o mar morreriam logo, de

saudades desta bela piscina com almoço e jantar assegurados.”

“Não há nada como a falta de liberdade para proporcionar momentos de alegria.”

E não sabemos o quanto a moça está participando daquele frágil momento de alegria

que Daniele está proporcionando aos dois. Parece que tudo, no fim, é uma construção dele,

solitário, como uma esperança projetada num terreno ainda pouco fértil. Tanto é que na

seqüência seguinte, sentados à mesa de um restaurante, sua primeira pergunta olhando para

ela que amassava o pão com a ponta dos dedos, é: “Você é sempre assim?” Considerando-se

que ele já havia percebido nela uma certa obrigação e angústia com relação à vida difícil que

levava, a observação sobre a falta de liberdade dos golfinhos era já uma alusão ao que os

dois estavam experimentando e do que não conseguiriam escapar, mas o silêncio dela

permanece. E, se num primeiro momento, o professor parece ter o controle da situação, em

seguida, quando resolvem visitar Monterchi, para ver a Nossa Senhora do Parto, de Piero

della Francesca, ele, talvez comovido ou tomado pelo silêncio ‘de igreja’ do lugar, acaba

falando longamente sobre as obrigações daquela jovem ali retratada que, apesar de carregar

no ventre o fruto divino, simplesmente não era feliz. A câmera vai focalizando detalhes da

pintura, primeiro o rosto, depois as mãos postas e, enquanto isto, Vanina simplesmente

‘assiste’, ainda mais silenciosa, ao quadro explicado pelas palavras de Daniele. Ele vai

falando absorto, num tom primeiro professoral, depois terno e meio confessional:

_“ Em 1460, a comunidade camponesa de Monterchi encomenda esta Madona a Piero della

Francesca. Os autores da encomenda não eram papas, nem príncipes, nem banqueiros. Pode

ser que inicialmente Piero tenha feito o trabalho um pouco levianamente... apesar disto, eis

o milagre desta doce adolescente camponesa, nobre como a filha de um rei.”

110

O personagem se apruma, vai se tornando mais reflexivo, como se ele fosse se

deslocando daquele lugar e daquele tempo, e se sentisse livre mesmo para inventar uma

história através daquela imagem:

_ “O silêncio do campo ao seu redor é tão completo! Até este momento ela deve ter se

divertido conversando com seus animais, chama-os pelo nome e ri (ele também sorri ao

imaginar a cena enquanto Vanina o escuta séria e atenta). Depois, de repente, tudo acabou,

pois através dos séculos, o destino escolheu justo a sua pureza. Ela parece compenetrada,

mas não é feliz. Talvez já sinta, tragicamente, que a vida misteriosa que cresce dia-a-dia em

seu ventre, acabará numa cruz romana como a vida de um malfeitor. E séculos depois um

grande poeta a ela se dirigiu com essas palavras sublimes: ‘Ó Virgem Mãe/ Filha de teu

Filho/ humilde e mais alta criatura/ fim determinado do conselho eterno/ tu foste aquela que

a humana Natura/ enobreceu tanto / que o seu feitor não desdenhou/ de assumir sua

figura.’

(7)

. Mas é possível que ela não entendesse.”

Vanina, ao final, pergunta se ele gostaria de ter um filho, ao que ele ri, entre irônico e

triste e responde:

_ “Não tenho mais vontade, nem coragem, nem fantasia.”

E, ao ser indagada sobre o que pensa do assunto, ela “que está começando”, Vanina

responde como se agora fosse a sua vez de contar sua história:

_ “Ainda que eu não esteja começando... dois seres que se amam, é possível. Porque senão,

resta um corpo que se deforma, resta só o incômodo, a pena, a crueldade das pessoas que

começam a reparar, sem que tenham mais nada para fazer, ou quase.”

O relacionamento agora tem um novo rumo, os dois se revelam na reflexão sobre a

figura da Madona, é como se o filme parasse neste momento para estampar uma nota, um pé

de página para uma explicação adicional daquele relato que, talvez – desconfie o

diretor/roteirista – a simples imagem contemporânea daqueles habitantes de Rimini, ou do

perfil de um casamento em decadência, não dê conta do significado do tipo de existência que

ele está querendo ‘demonstrar’. Porque, no caso de Zurlini, não nos parece que o sentimento

tome conta da escolha de como focalizar a narrativa, embora o sentimento tome conta das

111

decisões de seus personagens, os recortes que temos aqui são mais intencionais do que

pequenas sutilezas de câmera e direção. O que fica claro, com a ilustração do sacrifício

involuntário e dócil da figura da Madona, é que este casal tem a tarefa de resgatar um ao

outro, para, quem sabe, o sacrifício – original – não ter sido em vão, inconsciente e

impingido. E o trecho do poema citado, enaltecendo na figura da Madona a própria criação

divina, como espelho e reverência absoluta, ele, o ‘professor’, termina com a observação que

é possível, apesar de tudo, que a própria Maria não entendesse a magnitude do desígnio

divino. Talvez abusando do recurso da metalinguagem, esta cena acaba por se perder dentre a

imensidão de significados que virão daqui para frente, nenhuma seqüência mais deixará de

aludir ao casal, desvirtuando, desta maneira, uma primeira intenção de fixar uma problemática

existencial no indivíduo solitário, porém auto-suficiente, do início. Isto fica explicitado no

diálogo, já citado, que vai finalizar aquela noite, antes do beijo que selará o compromisso de

reconhecimento:

_ “Não procurei você por uma noite de diversão, mas pelo desconforto que existe dentro de

você, a sua melancolia sem fim...”

_ “Você não sabe nada de mim.”

_ “Sei o que me interessa saber.”

Fechando, desta maneira, o círculo entre eles, onde nenhum acontecimento externo poderá

intervir na escolha que fizeram, a não ser o destino, ambigüidade com a qual Zurlini lidará

todo o tempo.

E os próprios acontecimentos internos, ou seja, subjetivos, impedirão a continuidade

daquele encontro, porque, se seguir à risca os preceitos sartrianos, o filme, enquanto narrativa

exemplar, terá que lidar com a eterna construção do caráter humano e sua moral, daí a

absorção tão rápida da interferência externa, pois não é ela que vai prejudicar esta

continuação:

“O homem faz-se; ele não está pronto logo de início; ele se constrói escolhendo a sua moral;

e a pressão das circunstâncias é tal que ele não pode deixar de escolher uma moral. Só

definimos o homem em relação a um engajamento. Parece-nos, portanto, absurdo que nos

objetem a gratuidade da escolha.”

(8)

112

O que justificaria plenamente a súbita decisão do personagem no final do filme, pois, a

escolha pela moral ou por uma moral determinada, limita, ainda que deliberadamente, a

escolha amorosa, porque, como nos explica Gerd Bornheim, a respeito da relação com o outro

– o em-si e o para-si – em O Ser e o Nada, de Sartre, referindo-se à “contingência original de

nossas relações com o outro” :

“A contingência, porém, à impõe-se como irredutível, e a unidade, conseqüentemente,

como irrealizável; o amor não chega a superar a raiz mesma da contingência, o fato de que

as consciências estão separadas por um nada invencível: “o amado é olhar”. Assim, o amor

se desafoga num esforço contraditório, e “os amantes permanecem cada um para si em uma

subjetividade total”(L’Être et l’Néant, p. 444)”

(9).

Isto, para além da análise do corpo e do prazer do olhar, explicaria a fragilidade da relação

que Valerio Zurlini constrói naquele encontro de seus personagens, pois, ao prometerem-se

um ao outro e descartarem o julgamento alheio, eles estão garantindo o direito à solidão mais

do que a uma união redentora.

Depois disto, o que segue é a continuação de situações que vão provando a

cumplicidade cada vez mais acalentada entre os dois, inclusive a seqüência da noite, com a

troca de olhares, na boate “Novo Mundo” (novamente aqui Zurlini utiliza um nome sugestivo

para designar um lugar que tem um significado específico na história, como, no filme

anteriormente analisado, o Via Dei Malcontenti, para o endereço do asilo; neste filme a

seqüência na boate Mondo Nuovo, caracteriza, com o tipo de dança, a luz estroboscópica e o

comportamento alienado de seus freqüentadores, um cartão de visitas da época

(10)

. Ao dançar

com o namorado sob o olhar fixo de Daniele, e ao beijá-lo, abraçá-lo e apertar as mãos em

suas costas – em sinal de desejo ou repulsa? – é, na verdade, para ele, o amante ainda não

consumado, que Vanina olha e dirige todo este gestual. Na visita ao apartamento, quando ela

se envergonha do filme em que aparece nua, é dele que a jovem sente vergonha, afinal, os

outros todos a conhecem; e Daniele, por sua vez, passa a noite suportando aquela situação e

rejeitando outras companhias, para estar ao lado dela, numa cumplicidade já estabelecida.

Depois, ao chegar em casa, a patética cena com a mulher, o sexo em dissonância com

qualquer sentimento, a consumação do vazio e da mediocridade em que viviam, só faz

aprimorar a relação com Vanina, ainda não consumada.

Em seguida algumas seqüências vão relatar o sumiço da aluna, na escola, sua carteira

está vazia e o próprio namorado parece não saber dela. O professor não resiste e vai até sua

casa e, pela hostilidade e ameaças feitas pela mãe, a frase dita sobre ela, por Elvira – a mulher

113

na boate, na noite anterior –, parece fazer bastante sentido: “Muito passado, pouco presente,

nenhum futuro.” O filme sintetiza esta informação novamente na paisagem fria e solitária do

cais do porto, a presença incisiva do inverno representada nas casinhas de banho fechadas,

dispostas à beira mar, e o som do trompete. Paisagem condizente com o que vai no interior do

personagem, que poderíamos classificar como uma interpretação, ou demonstração clássica

dos sentimentos através das manifestações da natureza; mas também condizente com a

hostilidade do lugar, do não-desenrolar dos acontecimentos, com vidas feitas ‘só de passado’,

ou seja, a natureza inóspita combina perfeitamente com a falta de perspectiva, com a

‘ausência de futuro’.

Desta maneira o filme vai chegar ao seu meio, no sentido do momento que servirá

como divisor de águas (e não uma divisão temporária real) para um novo desenrolar, agora

dos fatos subjetivos que desencadearam as ações vistas até aqui, representado, como já foi

anunciado, pela seqüência na casa abandonada. Com os elementos que temos até agora,

Valerio Zurlini não estaria inserido totalmente em nenhuma corrente cinematográfica

específica, pois, por pressuposto, herdeiro de uma linha neo-realista, estaria sujeitando seus

personagens a uma demonstração naturalista da importância do indivíduo em si, seu

cotidiano, suas banalidades, e sua relevância de micro-cosmos significando o todo, o macro-

cosmos. Ou seja, o ser humano identificado com sua história, seu tempo e, ainda sim,

valorizado em sua individualidade, em seu sentimento – e, diga-se, não em seu sentimento

pequeno-burguês assimilado por um contexto social falso, ou aleatório, mas na importância

do sentimento como representação do humano. Como bem podemos entender na definição de

Ismail Xavier, à propósito de sua comparação entre o “empirismo de Kracauer e o humanismo

neo-realista”:

“A estratégia neo-realista, tendo como ponto de partida o fato banal, estabelece que a

significação essencial deste pequeno fato será captada pela observação exaustiva, pelo olhar

paciente e insistente. É preciso confiar na realidade; diante de cada cena, permanecer nela,

porque ela pode conter muitos “ecos e reverberações”, pode conter inclusive tudo aquilo que

de nós necessitamos. Em cada “pedaço” da realidade estão contidos todos os ingredientes

capazes de nos revelar o que podemos saber sobre o real na sua totalidade. Ou seja, cada

fragmento representa o todo; o expressa. E uma verdade essencial sobre o homem ou a

sociedade pode ser alcançada desde que eu saiba perceber o detalhe, o instante, de modo

peculiar.”

(11)

114

Mas acreditamos que essa necessidade de focar o indivíduo, em Valerio Zurlini,

signifique, tanto mais que exaltar as mazelas cotidianas, quanto mais também está além de

uma estética comprometida com esse esforço de explorar as ações humanas, para destacá-las

num cenário político ou mesmo cultural. Não sabemos, inclusive, se era relevante para ele

participar de uma determinada tendência, mesmo estando em voga em seu tempo, quanto a ser

partícipe de um cinema que começa a cultuar o homem como um ser eternamente em busca

de sua própria identidade, re-agindo ora em resposta a seu meio, ora em resposta a seu

emocional. O que parece mais gritante na análise de A Primeira Noite de Tranqüilidade é esta

ambigüidade, já mencionada, entre o querer safar-se da mesmice, da negação, da inutilidade e

o constatar a impossibilidade intrínseca ao ser humano de se salvar. Ou seja, se, por um lado,

o cinema de Zurlini flerta com os preceitos existencialistas, capaz de se assumir o ser ‘ateu’,

ao menos na voz de seus personagens, sendo, a um só tempo, generosos e responsáveis por

seus atos (percebe-se esta generosidade porque sim, os seus personagens são bons e voltados

para seus semelhantes), por outro, o eco que encontramos não está em nenhuma corrente

determinada – no máximo, falaríamos de estilo – mas transita, talvez, em outra corrente

filosófica, calcada em algo familiar ao diretor, em sua formação e em tudo aquilo da qual ele

não consegue se livrar de todo, que seria a corrente existencialista cristã. Destacamos, pois,

antes de entrar na análise da significação da cena da velha casa, um dos pontos mais

relevantes da filosofia de Jaspers, tanto como contraposição ao nosso fio condutor dos

preceitos sartrianos, como para fazer uma certa preparação ao tema da dualidade fé-ateísmo

que irá se configurar. Em sua Introdução ao Pensamento Filosófico, o pensador acentua um

caráter quase missionário, transcendental do sujeito à mercê de seu ‘estado’ de liberdade

(12)

–

diferentemente do existencialismo ateu onde a liberdade seria a única condição para o não, ou

seja, para o posicionamento do homem no mundo mediante sua própria escolha –, o que

encontramos aqui é o indivíduo somente sujeito à salvação através de seu desespero, de sua

percepção da falta de sentido que há em se perder a ‘realidade e a fé’. Para o existencialismo

cristão, esse desespero é a condição para a retomada de uma consciência que possibilitará a

redenção, o indivíduo encontrará de novo o sentido do seu caminho ao ser tocado pela

ausência de Deus, e, assim, poderá recuperá-lo.

O ponto em Zurlini é que não sabemos realmente se suas questões se enquadram num

esquema resolvido, como o destas teorias que, afinal, fizeram a sua formação: seja um

cristianismo ortodoxo, um existencialismo ateu, um marxismo pragmático ou mesmo, a pura

metafísica. Pois, parece, suas questões debatem mais com uma dúvida ontológica, menos

centrada num embasamento teórico definido e mais calcada em dramas pessoais; e, o que

115

vemos é que seus personagens são levados ao agudo do desespero e da solidão, percebendo-

se, de alguma maneira – mas só ao final – já mortos para a felicidade, porque presos a uma

realidade onde esta se tornou inatingível, ‘sem sentido’. Como a interpretação de Zurlini para

o soldado Drogo dirigindo-se ao Forte ainda com esperanças, ao contrário do soldado Drogo

de Buzatti, é o exemplo acabado desta percepção à posteriori das coisas – mas, mesmo sendo

levados por algum motivo (o sentido da vida; o perdão das culpas; ou a chance de viver um

amor verdadeiro) a uma tentativa de escapar, não serão nunca agraciados com nenhum tipo de

benefício, a não ser o do estado de compreensão das coisas. Quanto maior a busca, o que mais

se sabe, cada vez mais, é o sabor da ausência – como percebemos assistindo a trajetória de

Daniele Dominici – primeiro uma ausência afetiva (pessoal, não institucional), que depois

vai se traduzindo numa ausência física, que se anuncia, como veremos na última seqüência,

com a insistente lembrança de Spider: “é cristão?” “não, sou ateu”, numa comparação do

sumiço do amigo com a ausência do próprio Cristo. A ponte que separa a fé e o ateísmo não

se resolve, no arremate desta história, em nenhuma teoria, portanto, que pudesse nos assegurar

um lugar resolvido para estes personagens. Ao contrário, o fim invoca a solidão inicial, agora

encarnada pelo amigo que, mesmo tecendo, com cuidado, um meio de aproximação – seja

através da passagem bíblica ou da poesia – acaba, ele mesmo, sem um passado certo para

conjugar.

* * *

Voltamos à narrativa linear: Daniele Dominici está, como no início, andando sozinho à

beira do cais; Spider que, por força de sua curiosidade e inegável paixão, torna-se a pessoa

mais próxima, pára o carro e, feliz por encontrar-se com o amigo, o convida para um passeio.

Daniele aceita, assumindo a direção da Ferrari recém adquirida e, depois de algumas voltas,

estaciona diante de uma casa abandonada, convidando seu acompanhante a entrar. Conta

então a ele que esta casa costumava ser chamada de La Querciaia (como o tronco do

carvalho, que não verga), que pertencia a alguns conhecidos de seu tio e que desde que uma

das filhas havia se afogado ela fora abandonada. Conta também que era uma família de

libertinos, “uma raça de tarados”, consumida pela sífilis e que, através dos tempos, esta

116

família caiu em ruína e foi esquecida. Ele freqüentava a casa no verão, quando jovem, para

tomar banhos de mar etc. Mas, quando o amigo lhe pergunta o nome da menina afogada ele

diz não se lembrar e resolve ir embora. Quando já estão de saída, Spider, que está um pouco

mais atrás, pára, em meio aos destroços do que sobrou da casa e diz que não sabe porque mas,

de vez em quando, estas palavras lhe vêm à mente: “Aquele que procuras não está mais

aqui”. E Daniele imediatamente completa: “Ressuscitou no terceiro dia. Ele os precedeu na

Galiléia, lá O encontrarão”. Spider, aproximando-se, pergunta-lhe se é cristão e ele responde

simplesmente que ‘não, é ateu’.

O que segue daí é uma seqüência de alusões bíblicas e mitológicas. Como se tudo

passasse a fazer sentido só depois da visita à casa em ruínas. A seqüência seguinte é uma

noite de chuva, os dois amigos saem do carro e entram num casarão, que mais parece uma

estranha boate; ao entrarem, Elvira, que havia sido rejeitada por Daniele, e parece ser a dona

da festa, lhe dá um beijo em cada face, “o beijo do perdão”, seguido de um beijo na boca que

o surpreende; uma outra, que se diz quiromante, se oferece para ler as linhas de sua mão. Os

três encostam numa espécie de balcão de bar e Elvira pede a Spider que “prepare” o uísque

para eles, ele lhe entrega o copo com a mistura dizendo: “O embarque para Citera” (a ilha

grega que foi consagrada à Vênus, a deusa do amor), entregando um uísque ‘simples’ para

Daniele, dizendo: “Para você mais tarde”; ao que é retrucado por Elvira: “Não seja cretino,

Spider! (Ele) Já está lento como um carro de quatro rodas!”. Mas Spider está sério e

responde com firmeza : “Já disse, mais tarde!”. Um estranho, cuja gratuidade de sua entrada

em cena só se explica se comparado ao cego Tirésias (aquele a quem é dado, por Zeus, o dom

da profecia e adivinhação, antevendo todas as desgraças) diz, olhando para o nada, para o

vazio, que eles devem ser rápidos pois estas linhas já estão desaparecendo e, em seguida,

como Daniele não lhe dá atenção, pergunta para Spider se ele sabe onde está uma tal

‘Demétria’ (numa alusão, talvez, à deusa da ‘colheita e fertilidade’ que perde sua filha para o

deus dos infernos).

Enfim, a tenda de referências, agora mitológicas, está armada e a quiromante, como

uma das moiras, fala do seu destino como algo dado, cheio de símbolos mas irreversível: que

ele é um homem rico, que existem muitas viagens em sua vida, viagens pelo mar, depois, que

vê o fogo e, sem compreender muito bem, a escuridão. Neste ponto Spider, ansioso,

interrompe e diz que ele mesmo pode falar do passado, presente e futuro de Dominici, mas

antes de falar ele dá início a um interrogatório, mais condizente com a noção de livre arbítrio

esperada pela maneira como estes personagens se comportam, podendo o protagonista, por

117

sua vez, responder ou não, cair na rede ou não, porque o significado, que empresta sentido à

trama está entre estas perguntas:

Spider: _ “O que é o verão indiano?”

Elvira: _ “É o veranico de San Martino. A última florada antes do inverno.”

Spider: _”Quieta! Deixe que ele responda.”

Spider: “Por que a morte é a primeira noite de tranqüilidade?”

Dominici: “Porque enfim se dorme sem sonhos.”

Spider: “E quem conduz os mortos?”

Dominici: “Caronte, seu asno!”

Spider: “E por que se fazem donativos ao vigia do Santuário de Nembi?”

Dominici: “Porque se visitar um museu também deverá pagar a entrada.”

E então o amigo saca um livro do bolso, que deduzimos ser de autoria de Dominici, e

lê a epígrafe: “Não há caminho para o encontro que, para mim, poderia ser mais doce ou

mais caro ... A nós deveria ter deixado a feroz decisão que se oculta atrás dos limites

invioláveis do frio.” Para Lívia, um ano depois.”

(13)

Percebe-se, a esta altura, a dedicação para além de uma simples curiosidade, que

Spider mantém pelo recente amigo, e graças a isso, ele está prestes a desvendar o segredo do

professor, da real identidade da moça afogada, de seu passado nem tão sem sentido como

Daniele queria que supusessem. Mas, parece que o próprio Daniele Dominici não presta mais

muita atenção nisto, porque de alguma maneira o professor foi transformado numa espécie de

Cristo às avessas e, na sua clandestinidade de ateu, com a urgência, cada vez maior, dos

acontecimentos do mundo externo impedindo que ele cumpra seu destino pessoal – que seria,

poderia-se agora supor, o de voltar àquela casa e resguardar o amor à moça afogada ou,

simplesmente, esquecer seu passado? – começa a cumprir uma espécie de via crucis

automatizada, mas, também como o verdadeiro Cristo, plena de verdadeira paixão. Porque

não é no modelo de Cristo, o homem predestinado, no cordeiro de Deus que paira a dúvida

existencial, acirrada neste filme pela própria imagem sempre abatida do personagem, mas no

Criador, ou melhor, na ausência dele. Neste ponto, quando já há uma mistura entre a realidade

e o jogo aceito inicialmente pelo professor, confiante em sua capacidade de se esconder

negando seu passado – inclusive a ‘bebida preparada’, que ele pede ao amigo já arrependido,

havia acabado, sinalizando de vez o final do mundo das ilusões, ou via de acesso fácil a uma

118

‘noite de amor’, a tal viagem a Citera –, a luz de boate, que caracterizava o salão,

repentinamente se apaga e tudo se transforma num caos, numa espécie de orgia meio gratuita.

É quando chega um outro componente da ‘turma’, Marcelo, que, seguindo a analogia mítica,

como Caronte, o condutor dos mortos, retira o amigo daquele lugar dizendo que Vanina o

espera lá fora.

A jovem está sentada no carro, quando Daniele entra ela lhe estende a mão, no mesmo

gesto feito pelo professor a pedido da cartomante, minutos antes; mas, no primeiro plano em

suas mãos, o que se vê, ao invés de linhas marcadas, é um molho de chaves, significando que

eles agora tinham um lugar: tanto um espaço físico como uma decisão tomada. Sua voz

pausada – como quem fala para si mesma – informa que voltou para ficar com ele – e, desta

maneira, vai se cumprindo também a profecia do estranho sujeito no casarão: ‘as linhas vão

sendo apagadas’, ou seja, o destino vai se cumprindo. Nesta noite que passam juntos, numa

casa arranjada e solitária, eles decidem, independente da vida pregressa de cada um, viverem

juntos. Desta noite em diante, após o flagrante de Gerardo, seguem seqüências apressadas: a

surra em Daniele, a partida antecipada de Vanina para esperar o amante, a promessa de

suicídio de Mônica, a ajuda dos amigos, a despedida e a última tentativa de envolvimento de

Spider,. Contratempos cabíveis ao rumo que as coisas estão tomando, mas que, ainda sim, não

justificam a decisão incompreensível de Daniele Dominici que, mesmo encontrando um meio

de tomar o destino em suas mãos e ser um agente de sua própria vida, mesmo reconhecendo

na nova vida uma possibilidade de resposta à tal da inevitabilidade da morte, retrocede, não

suporta romper com a carga de responsabilidade a que estava acostumado e volta. Volta para

tentar salvar a esposa, seu passado, ou, talvez, numa interpretação menos objetiva, volta para

que tudo não tenha sido completamente em vão. Mas, ao entrar no carro, dar a ré e se

posicionar de frente para a estrada, ele pára, abaixa a cabeça e chora, porque sabe que vai

voltar em busca de uma realidade sem sonhos, de uma noite ‘tranqüila’, só então acelera

furiosamente em direção à pista, sendo atropelado pelo caminhão que atravessava o caminho,

em meio à névoa.

O personagem, a esta altura, parece já ter alcançado o grau de consciência que lhe

permitia saber que, para deixar de sentir angústia e encontrar alguma felicidade, precisaria

passar pela negação de si mesmo, teria que não reconhecer mais o outro como uma extensão

de si mesmo, no caso, sua mulher que, por tantos anos, lhe servira de contraponto; mas este

contraponto, Daniele sabia, era relativo a uma estação no inferno, porque suas tentativas de

diálogo já haviam provado isto, e ainda assim ele retrocede. Este personagem de A Primeira

119

Noite de Tranqüilidade, assim como os outros personagens zurlinianos, precisa solidificar o

passado a cada novo ato do presente, sendo interessante notar também que, para poder dizer,

com uma certa serenidade, “sou ateu”, Daniele Dominici (assim como Enrico) precisasse

mostrar que sabia de cor a ‘via’ de Cristo e, pior, aceitava transitar por ela. O ardil estava que,

ao transitar por este caminho, ele provava para si e para o outro o seu livre arbítrio, mas se

pensarmos esta questão como uma realidade intrínseca do ser (humano) que, pela visão

sartriana, se divide no ser-em-si-mesmo e no ser-para-si – que é o da consciência –

poderíamos dizer que o personagem de Zurlini transita entre um e outro (o eu e a consciência)

escolhendo, inusitadamente, tornar-se o ser para o outro, mesmo que pareça condenado por si

próprio, num ato de livre escolha entre a sua felicidade e a do outro, esta consciência não tem

mais utilidade, pois ele(s) não pode mais se salvar, pois não consegue se livrar de seus

pecados, ainda que revisitando eternamente o passado, ou justamente por isto. Há, neste

ponto, uma ligação direta com este personagem do professor e o personagem do irmão mais

velho, o jornalista autodidata de Cronaca Familiare, na interpretação fílmica de Zurlini; ao

final da sua narrativa ele pode começar a conviver com o amor recém-descoberto pelo irmão

mais novo e por tanto tempo perdido, mas isto não lhe tira o peso de havê-lo abandonado, daí

a figura

(14)

em purgação ao cabo do relato, com o mesmo rosto abatido do início, quando

começou a relembrar a sua história. A morte, tanto em um como no outro, é apenas metáfora,

indicação do irremediavelmente perdido.

Ou talvez a liberdade ‘de fato’ esteja em, ao se tornar consciente, poder dirigir-se

tranqüilamente para a morte? E, neste caso, a morte real. Sendo que o germe desta decisão,

em A Primeira Noite de Tranqüilidade, já está lá, na seqüência da velha casa abandonada.

Mesmo sendo esta uma passagem rápida, ao ser situada como meio do filme – porque

explica, justifica e introduz o tema – dá o tom preciso do rumo que aquelas vidas devem

tomar, de uma maneira simplesmente alusiva, em poucas palavras, e na troca de olhares.

Acontece ali uma mistura da memória do protagonista com a Memória, tanto pagã quanto

cristã, ou seja, ao misturar a memória do personagem com passagens bíblicas e fragmentos da

mitologia grega, a narrativa transforma esta memória pessoal em manancial de lembranças

universais – afinal já frisamos aqui a fala do amigo ao saírem da casa: “às vezes me vêm à

mente algumas lembranças, sem motivo ... (pausa) ... aquele que procuras não está aqui...”–.

E, mesmo sem motivo aparente, a memória, através da constatação do abandono e da

instauração do silêncio, silêncio como cúmplice deste abandono, vem à mente daquele

personagem sem pedir licença, indicando que ainda não é a hora, mas que os primeiros sinais

já estão sendo dados. Memória representada, ou, materializada, por uma casa que, se de

120

libertinos ou não, uma vez tendo sido freqüentada na infância e na adolescência, passa

imediatamente a ser a casa paterna, ou seja, psicologicamente, passa a ser a casa afeita a ser

abandonada. Portanto, esta memória revivida, nascida de uma volta ‘ao lar’ (mais uma alusão

bíblica, agora ao filho pródigo, do Velho Testamento; mas Zurlini se revela ainda mais

rigoroso que o próprio Jeová, porque este filho pródigo que se materializa aqui, volta sozinho,

tendo que ofertar para si mesmo o melhor cordeiro), passa a direcionar as atitudes do

personagem na segunda parte do filme, pois já pode ir descartando uma antiga e rotineira

angústia perante a constatação da finitude e, desta maneira, tomar a decisão fatal. Por isso, lá

no fim, ele acaba por desistir de um futuro solidário, com a amada e com ele mesmo, e voltar

para ‘salvar’ o seu passado, que, na verdade, nem lhe diz mais respeito.

* * *

“A bem dizer, não me formulava minhas descobertas. Mas creio que agora me seria

fácil colocá-las em palavras. O essencial é a contingência. O que quero dizer é que, por

definição, a existência não é a necessidade. Existir é simplesmente ‘estar presente’; os entes

aparecem, deixam que os ‘encontremos’, mas nunca podemos ‘deduzi-los’. Creio que há

pessoas que compreenderam isso. Só que tentaram superar essa contingência inventando um

ser necessário e causa de si próprio. Ora, nenhum ser necessário pode explicar a existência:

a contingência não é uma ilusão, uma aparência que se pode dissipar; é o absoluto, por

conseguinte a gratuidade perfeita.”

(15)

Este trecho, extraído de A Náusea, de Sartre, no momento em que o protagonista se dá

conta do que seja realmente seu estranhamento e incômodo com as coisas, bem poderia ser

atribuído ao nosso ‘herói’ zurliniano, se lhe houvesse sido oferecida a chance de uma reflexão

mais apurada. A consciência da ‘contingência’ como o ‘absoluto’, explicaria sua decisão final

de retomar o caminho, mesmo depois de ter feito uma escolha amorosa que poderia salvar a

sua vida do marasmo em que estava. Porque esta compreensão da contingência, como única

coisa de certo na continuidade da existência, ele, provavelmente, já carregava dentro de si

desde a morte da menina afogada (a merecedora da dedicatória e de uma espécie de

sentimento eterno). E o que o filme tenta resgatar, apesar do tom lúgubre, ou justamente por

121

causa deste tom, é que alguns acontecimentos externos podem trazer à tona uma leve

esperança de salvação, mas o homem é o que é, um ser que coteja a liberdade para no fim usá-

la em detrimento de si mesmo. Como a metáfora dos golfinhos já comentada, uma das

metáforas dentre as inúmeras que o filme apresenta, que se satisfazem com pequenos

momentos de alegria dentro do cativeiro, cuja seqüência, por si só, já causa um

estranhamento, por conta da vontade inusitada de Daniele expor suas idéias, personagem, que

até então, havia sido mostrado solitário e lacônico, parece querer dar uma pausa em sua

tormenta ao encontrar na aluna uma ouvinte, uma companheira, um momento de trégua em

meio à tormenta.

Parece que tratamos de um filme dos avessos, portanto, que se constrói negando ao

que veio, primeiro nos apresenta um personagem taciturno e indiferente com seu meio, com

as pessoas, com os ideais, e, em seguida, lança um projeto de salvação ao narrar o encontro

entre duas pessoas que se identificam justamente por esta via, da indiferença e negação. Para,

em seguida, no transcorrer da trama – depois dos personagens serem caracterizados dentro de

uma suposta ordem clássica de desenvolvimento e superação dos problemas surgidos durante

a narrativa – o desenlace acontece num anticlímax, pois o movimento é interno, inerente

exclusivamente ao personagem, excluindo, de certa maneira o espectador; não havia, na

trama, uma proposta de mudança, uma preparação para um acontecimento real, como a morte

inusitada, no final. O filme, com um todo, afirma-se como um lance de dados, acompanhando

os dizeres do personagem que, logo de saída, avisa que sabia jogar tudo; jogo dentro do jogo,

acaba por permitir várias interpretações.

Destes dois protagonistas que se completam, Daniele e Vanina, por um lado temos que

ele, decidido a socorrer seu passado, num esbarrão recorrente de consciência, encontra na

morte a única possibilidade de uma ‘noite tranqüila’, porque sem sonhos, sem esperança, sem

projeção para o futuro; sendo que esta morte física nada mais é do que a concretização do

estado em que ele já se encontrava, com a diferença de não ter sido voluntária. Ela, o ser

necessário, fica, não abandonada, mas deixada para trás, como aquela velha casa o havia sido,

para seguir a sua própria sorte, recompondo eternamente suas lembranças, como um carvalho

teimoso, e viver sozinha. Por outro lado, se recorrermos à cena que antecede o acidente, o

encontramos dentro do carro, chorando, num rápido momento de fraqueza – também como

Cristo, no Horto das Oliveiras, ao pedir que aquele cálice lhe seja afastado – antes da decisão

de voltar atrás – cumprir com sua sina – e ser atropelado pelo caminhão. E aqui, além da

recorrência às alusões cristãs, podemos seguir novamente o roteiro mítico e voltarmos a fita

para as palavras da quiromante, quando encontraremos as seguintes predições: ‘uma longa

122

viagem para lugares desconhecidos e o sinal do fogo em sua vida... Então podemos entender

a decisão da volta como o próprio ato de morrer, e a compreensão deste momento como uma

longa viagem, não mais pelo mar, como no passado, mas agora para dentro de si, a longa

viagem que é a sua própria vida, portanto. Alguma coisa realmente morreu na explosão –

literal – que rompe (como o fogo) de uma vez por todas com aquele mundo de sentimentos

mornos que ele vivia antes de encontrar a aluna, ou, antes de se encontrar com a história

daquela moça. E, desta maneira, ela (a amada, a escolhida), que afinal se locomoveu, rompeu

com o mundo em que vivia, com a história de vida que haviam construído para ela e à qual

estava presa, saiu – fisicamente – da cidade, não mais para um passeio, uma fuga durante as

tardes, mas, literal e definitivamente. Saiu para esperar por ele, já podendo ser vista, ainda

sozinha, mas agora sobriamente sozinha, sustentando seu passado, mesmo que ‘libertino’, e

passar de passiva para agente de seu destino, sujeito responsável por seus atos. E o filme,

enquanto narrativa da narrativa, construção, seqüência de cenas, diálogos e silêncios

intermitentes, não termina no fim da história, com a tristeza dos amigos, com o vazio do cais

ou com a repetição das lembranças, mas termina como começou, depois dos créditos, com a

dedicatória “Ai nostri genitori” (Aos nossos pais), reafirmando que o ser livre não é nem o ser

só, nem o ser embotado por uma consciência paralisante, mas o ser da memória que pode se

lançar tanto para frente como para trás, sem com isto anular a própria existência. O ser livre, é

o ser do movimento.

(16)

* * *

123

B – Uma palavra sobre a ausência de Deus.

“Quem não está a meu favor está contra

mim, e quem não ajunta comigo, dispersa”

(Intransigência de Jesus – Lc 9,50)

“Deus está silencioso”

Ingmar Bergman – (Luz de Inverno)

Depois da cena de amor entre Daniele e Vanina naquele cenário constituído por

uma casa de ninguém, também meio abandonada, com móveis espalhados à espera de uma

ocupação, onde os dois finalmente se tornam amantes e cúmplices, a câmera continua

marcando a passagem do tempo focalizando uma natureza cinza, fria e solitária. E,

novamente, ao som agudo do trompete, o espectador será informado que aquela noite,

aquele tempo que se passa entre os dois, também é um tempo de infortúnio. A chegada

do namorado, o testemunho dos amigos perante a revelação do passado de Vanina, o

confronto corporal entre Gerardo e Daniele, tudo composto com uma certa teatralidade,

num círculo formado pelos personagens naquela sala desarrumada, resultando que cada

um sairia dali como os participantes de um jogo se retiram, quando o blefe é exposto.

Tanto lá fora, na natureza, quanto no semblante de cada um, o silêncio toma um outro

aspecto, o verdadeiro, pois, agora, não se trata mais do silêncio que oculta, que esconde

uma história, um passado mal quisto, o que se instaura é um silêncio específico, revelador,

definitivo. Aquele que narra o que não pode mais ser dito, ou, o que não precisa mais ser

dito. Silêncio que instaura também a ausência total do outro, e, nesta solidão absoluta, a

ausência total de Deus. É desta maneira que os personagens do filme se compõem, a

partir da seqüência desta noite, quando tudo é desencadeado. Os acontecimentos

124

registram agora uma certa pressa em contraposição à morosidade inicial (característica do

diretor), que se segue da maneira já relatada: a surra levada por Daniele, a acolhida dos

amigos, os preparativos finais para a fuga. E na última tentativa de Spider de se comunicar

realmente com Daniele, em sua curiosidade quase doentia, ele tenta, até o fim, uma

aproximação citando os versos de Shakespeare, mas é inútil, Daniele limita-se a elogiar as

‘boas leituras’ do amigo, reafirmando uma falta de intimidade e nenhum interesse em

instaurá-la, porque o que está conformado, depois da revelação do passado de cada um, é

que, uma vez expostos, estão também condenados a andarem soltos, num universo único e

incompatível, tendo de lidar cada um com a sua própria pequenez. Sem nenhum sentido

pejorativo, o que resta dos personagens de A Primeira Noite de Tranqüilidade, é uma

identidade nem boa nem ruim, nem fraca ou forte, mas uma incapacidade generalizada de

se constituírem como grupo, com tudo que isto implica de cumplicidade; a não ser pelo

sentimento surgido entre Daniele e Vanina e pelo sentimento unilateral de Spider. O que

sobra nos personagens zurlinianos é o espanto do homem perante o universo. Lembramos

neste ponto, algumas considerações à propósito da Desproporção do homem, em Pascal:

“Que o homem, voltado para si próprio, considere o que é diante do que existe; que se

encare como um ser extraviado neste canto afastado da natureza, e que, da pequena cela

onde se acha preso, isto é, do universo, aprenda a avaliar em seu valor exato a terra, os

reinos, as cidades e ele próprio. Que é um homem dentro do infinito?”

(17)

Esta parece ser a estranheza desses personagens: ao se deparar consigo mesmos,

terem que encarar o fato de estarem sozinhos no mundo, enclausurados no ponto mais

eqüidistante entre eles e o criador. Não está em questão a existência de Deus como forma

de discussão ou possibilidade de um posicionamento intelectual diante da questão.

Também não é explicitado, em forma de discurso narrativo, o poder desta dúvida na

constituição do ser humano. Como podemos observar na chamada Trilogia do Silêncio, de

Ingmar Bergman, mais acentuadamente na constatação do padre em Luz de Inverno, filme

de 1962

(18)

, que reclama textualmente: “Vivemos nossas vidas simples e atrocidades

ameaçam a segurança de nosso mundo. É tão opressivo e Deus parece tão distante.”

Filmes da década anterior, contemporâneos de Cronaca Familiare, nos quais a angústia é

o personagem principal e trazem, como referencial temático, o ser dividido entre uma fé

herdada, imposta e a necessidade de um novo posicionamento diante das injustiças

sociais. O que se observa em personagens como Daniele Dominici e dos que o circundam,

125

neste filme dos significativos anos setenta, é uma interiorização deste abandono, da

ausência divina, não mais como uma busca da prova da existência de Deus, mas como

constatação de um vazio que pode ser representado pelo silêncio divino, ou seja, o silêncio

da ‘imensidão do universo’, no sentido da falta, carência, mal-estar causado pela

responsabilidade de arcar com o próprio destino e que este destino tem um fim, o homem

não é eterno. Já em Bergman, quando seu personagem registra claramente: “Deus, porque

me abandonaste?” , não é o ser sem culpa – que veio para salvar a humanidade – que

implora por proteção, mas aquele que ao se sentir fragilizado, implora por justiça, isto

porque, em alguma medida, sente-se fora da plenitude, o ser que precisa rogar por algo

maior porque não é capaz de buscar no próximo a própria salvação.

Retomando ao início do filme, vemos, com outro olhar, que todos os personagens

de Zurlini já estavam representados naquele casal de estrangeiros: homem e mulher à

deriva, aportando num lugar estranho e surpresos por terem ido tão longe. Vagando ao

sabor do destino e, principalmente, por conta própria, sem proteção. Os personagens

zurlinianos viajam à deriva, não só da sociedade ou de uma consciência de seus lugares no

mundo, mas viajam à deriva de si mesmos, à margem de si mesmos, lá onde paira o

grande silêncio de Deus. Tendo construído uma liberdade para chegar tão longe, não

sabem o que fazer com ela, estão surpresos diante da duplicidade que lhes é atribuída, da

escolha permitida. O professor que volta para aquela cidade negando o seu passado, pensa

estar livre, através da omissão, de sentimentos que o haviam feito chegar perto de uma

felicidade, de uma completude. Quando tudo isto desmorona, ele, ao se tornar um homem

indiferente, pensa que, desta maneira, pode ir se safando da dor, da repetição, ou da

inutilidade desta experiência. A aluna, que se deixou levar pela promiscuidade na

adolescência, do mesmo modo, entrega-se a uma apatia quase planejada, encarando o

próprio sofrimento com uma superioridade que resvala a prepotência porque, na decisão

de não pedir socorro, está contida a decisão de não precisar do outro, de ser só. E os

amigos, que representam o todo não destacado, a inconsciência que vaga entre pequenos

prazeres – com exceção de Spider que encontra, também ele, na figura do professor, um

modo de entender e escapar da monotonia –, que escolheram ser massa, sem

individualidade própria, como justificativa do vazio de suas existências. Todos, uma vez

despidos de seus passados, encontram-se sós no mundo e, talvez pela primeira vez,

assumindo suas liberdades. Se houvesse uma reflexão explícita sobre a condição destes

personagens, seria a da condição humana:

126

“Afinal, o que é o homem dentro da natureza? Nada em relação ao infinito; tudo

em relação ao nada; um ponto intermediário entre tudo e nada. Infinitamente incapaz de

compreender os extremos, tanto o fim das coisas como o seu princípio permanecem

ocultos num segredo impenetrável, e é-lhe igualmente impossível ver o nada de onde saiu

e o infinito que o envolve.”

(19)

Assim como é declarado em Bergman, aqui, mesmo um tanto escamoteado, o

tema é o do pecado original: preferir-se acima de tudo. O homem como um Narciso

recorrente que se percebe abandonado pelo fato de não ser amado como gostaria, ou seja,

na sua posição privilegiada de escolhido, filho dileto e merecedor do paraíso. Auerbach,

ao explicar a teoria radical de Pascal em relação ao único amor digno: o dirigido a Deus,

evidencia uma imagem do homem como um ser pouco afeito à liberdade e muito pouco à

vontade em sua posição intermediária entre o todo e o nada, entre a necessidade de se

assumir como parte de um mecanismo imensamente maior do que ele e tornar-se humilde

perante os desígnios divinos:

“Em várias ocasiões (Pascal) declarou enfaticamente que o amor às criaturas conduz

inevitavelmente à desilusão e ao desespero. Pois o objeto desse amor e as qualidades

pelas quais o amamos são transitórios. Para ele, era intolerável pensar no caráter

efêmero do objeto amado; horrorizava-se diante da idéia de que o tesouro a que nossos

corações se apegam pode desaparecer de uma hora para outra, pode ser

irrevogavelmente arrancado de nós a qualquer momento. Para ele, o efêmero, o que deve

retornar ao nada, é desde já nada: céu e terra, amigos e parentes, nossa própria mente e

nosso corpo (...)”

(20)

Passa, portanto, ao ser da angústia permanente, nem suficientemente grande para

arcar consigo mesmo, nem capaz de anular completamente sua existência em função de

algo maior. Que, numa concepção existencial seria simplesmente o ser em direção ao

outro, em formação do próprio destino.

* * *

127

O filme, enquanto estrutura narrativa e conjunto de imagens lineares e

didaticamente repetitivas, acentua este caráter precário e inábil do homem em alcançar e

assumir a sua felicidade. Pela estrutura escolhida, os ambientes projetados, a velocidade

forjada entre as seqüências, o texto torna-se quase desnecessário, não há nem um narrador

específico, sendo que o fio condutor é dado pela lembrança mítica, pela passagem bíblica

que não faz nada além de, insistentemente, pontuar uma ausência. De formação clássica,

como já foi dito, e sem pretensão de inovar uma estética fílmica, traz, como aparato

principal, a conformação das idéias na circularidade das imagens, na projeção de um

imaginário muito mais do que de fatos. Há uma dialética entre o gestual cansado dos

personagens e a razão que os impulsiona para a ação, proporcionando um movimento

lento, porém contínuo que garante o ritmo das cenas. Há também um esgotamento no

recurso do olhar: ao contrário da exploração extrema do primeiro plano nos rostos, em

Bergman, que, segundo Deleuze, provoca a ‘suspensão da individuação’

(21)

, o efeito em

Zurlini, desses olhares fixos em seus objetos de desejo, sem disfarce, como se o resto do

ambiente não existisse ( como foi analisado, de passagem, em Verão Violento), prova a

necessidade de fusão no outro, mas mantendo uma individuação tão absoluta que, ao final,

o outro acaba por se soltar.

Constata-se, portanto, nos filmes de Zurlini e, principalmente, em Dois Destinos e

A Primeira Noite de Tranqüilidade, a solidão absoluta do homem, seja perante o universo,

na busca eterna de seu criador, numa visão cristã; seja perante si mesmo, no conflito

interno de ter de lidar com a culpa da omissão, numa visão existencialista.

* * * * * * *

128

Notas:

1 – O filósofo alemão Karl Jaspers teorizou sobre vários temas, entre política e sociedade;

psicologia e metafísica, mas, principalmente sobre questões relativas ao homem, como o

conceito de liberdade e a consciência da finitude. Porém jamais tendo se afastado da

doutrina cristã e de preceitos baseados na fé.

2- Sartre, Jean-Paul. O Existencialismo é um Humanismo. São Paulo: Nova Cultural,

1987, p. 16.

3- Sartre, Jean-Paul. Op. Cit. P. 17.

4- Podemos observar no jovem ensaísta Camus, em sua resenha sobre o primeiro romance

de Sartre, essa mesma preocupação ao afirmar: “Constatar o absurdo da vida não pode

ser um fim, mas apenas um começo. Esta é uma verdade da qual partiram os grandes

espíritos. Não é esta descoberta que interessa, e sim as conseqüências e as regras de ação

que se tira dela.” (“A Náusea, de Jean-Paul Sartre”. In: A Inteligência e o Cadafalso. Rio

de Janeiro/São Paulo: Record, 2002, p.136.) Onde se prenuncia que – além das questões

existenciais estarem adiante de um questionamento filosófico e de uma construção

ficcional, para alcançar um lugar de questionamento estético dentro da crítica literária –,

ao fazer esta afirmação, Camus já em 1938, autoriza, de uma certa maneira, uma

duplicidade de interpretações internas ao próprio movimento. Pois, ao se ‘constatar o

absurdo’, a angústia, a inabilidade para a existência é que o homem alcança o maior grau

de lucidez diante dela, é natural que faça uma tentativa, e é este momento que pode ser

captado nas ações dos personagens de Zurlini e, principalmente, na maneira desesperada a

qual Daniele se agarra ao seu sentimento inusitado por Vanina. O quadro que se fecha em

seguida, da negação da salvação, é, pois, de alguma maneira amenizado por este instante

de compreensão.

5- Sartre, Jean-Paul. O. Cit., p. 19.

129

6- Bosi, Alfredo. “Prefácio”. In: Carone, Modesto. A Poética do Silêncio. São Paulo:

Perspectiva, 1979, p.10-11.

7- Não nos valemos da tradução da legenda da cópia do filme em DVD, usamos aqui a

tradução de Eugênio de Lima para o último canto do “Paraíso”. In. Alighieri, Dante. A

Divina Comédia. São Paulo: Editora 34, 1998, p. 229.

8- Sartre, Jean-Paul. Op. Cit. p. 18.

9- Borhein, Gerd. Sartre. São Paulo: Perspectiva, 1984, p. 103.

10- Como em filmes anteriores e, principalmente, na seqüência da dança em Verão

Violento, aqui também é introduzido o contraponto com a canção popular que vai

caracterizar a época da história. No caso, na cena da boate, após uma seqüência de hits

americanos, a música lenta que Vanina dança com o namorado, enquanto troca olhares

com Daniele, é Domani è um altro Giorno, de Ornella Vanoni, cuja letra romântica traz

versos bem apropriados ao tema do filme: “É um daqueles dias em que / a melancolia te

pega / e até a noite não te larga mais / A minha fé está muito abalada de agora em diante

/ mas penso comigo mesmo / tentemos também com Deus / nunca se sabe (...) É um

daqueles dias tristes e melancólicos / e um pensa no outro / mas não existe nada mais

triste que recordar a felicidade passada / sabendo que é inútil iludir-se / e eu repito como

sempre / quem sabe, amanhã é um outro dia, vamos ver.” ( trad. livre)

11- Xavier, Ismail. O Discurso Cinematográfico – a opacidade e a transparência. São

Paulo: Paz e Terra, 2005, p. 74.

12- Sobre a questão dos ‘enigmas da religião bíblica’, citamos textualmente: “Consciente

de sua liberdade, o homem, sente ser ele próprio. Nos grandes momentos, faz opções. Não

obstante, pode falhar na tarefa de fazer-se ele mesmo e, então, não sabe o que

verdadeiramente quer, sucumbe ao arbitrário e à perplexidade. Perdido nessa ausência

de si mesmo, torna-se consciente de que pode recuperar-se pela via da liberdade.”

Jaspers, Karl. Introdução ao Pensamento Filosófico. São Paulo: Cultrix, 2006, p.110-111.

130

13- Franco D’Arco, em sua análise sobre o filme, traça um paralelo entre a história de

amor de Daniele e Lívia e o triste romance vivido por Novalis (1772-1801) e Sophie,

jovem prematuramente morta a quem o poeta seguiria poucos anos depois. Para o crítico,

o amor trágico de Novalis e Sophie é “o motivo inspirador do amor de Daniele por sua

jovem prima”, e a visita do poeta à tumba de sua musa, retratado na poesia Hino à Noite,

seria equivalente à visita do protagonista à velha casa abandonada, La Querciaia, além de

considerar que toda a sua ‘figura’ estaria calcada no destino de Novalis. (La Prima Notte

di Quiete Analisi. www.greendayfactory.it/interpretazionelaprimanottediquiete.htm.166k)

14- Usamos aqui o sentido da palavra figura conforme o estudo de Auerbach que, ao

traçar um itinerário de seu conceito desde sua origem, tem como uma das propostas

“distingui-la de outras formas correlatas de interpretação”, e, para além da função do

símbolo e da alegoria, a figura representaria uma realidade: “A interpretação figural

estabelece uma conexão entre dois acontecimentos ou duas pessoas, em que o primeiro

significa não apenas a si mesmo mas também ao segundo, enquanto o segundo abrange

ou preenche o primeiro. Os dois pólos da figura estão separados no tempo, mas ambos,

sendo acontecimentos ou figuras reais, estão dentro do tempo, dentro da corrente da vida

histórica. Só a compreensão de duas pessoas ou acontecimentos é um ato espiritual, mas

este ato espiritual lida com acontecimentos concretos, sejam estes passados, presentes ou

futuros, e não com conceitos ou abstrações (...)”. In: Auerbach, Erich. Figura. São Paulo:

Ática, 1997, p. 46.

15- Sartre, Jean-Paul. A Náusea. Rio de Janeiro: Nova Fronteira, 1983, p. 193-194.

16- Ver sobre isto: Sartre, Jean-Paul. “Être et faire: la liberté”. In: L’Être et le Néant.

Paris: Gallimard, 1943, p. 487. O conceito versa que a “ação é por princípio intencional

(...)”, sendo sua condição primeira a liberdade.

17- Pascal, Blaise. “Miséria do Homem sem Deus”. In: Pensamentos. São Paulo: Abril

Cultural, 1979, p. 51.

18- Os filmes Através de um Espelho, de 1961; Luz de Inverno, de 1962; O Silêncio, de

1963, de Ingmar Bergman, constituem o que passou a ser chamado A Trilogia do Silêncio,

ou A Trilogia da Fé. Nas três obras o cineasta discute a questão da dúvida sobre a Fé do

131

homem moderno, tanto influenciado pelas atrocidades das guerras, como pelas questões

psicológicas, sendo o mote principal a permanente sensação da distância de Deus perante

as tragédias e angústias humanas. Nos três filmes, em dado momento, Bergman, através

de seus personagens, compara a aparição divina com uma aranha ou sua teia, “um Deus-

aranha, um monstro”. Compondo aí uma analogia entre a ausência e o temor, ambos

prejudiciais ao homem.

19- Pascal, Blaise. Op. cit., p. 53.

20- Auerbach, Erich. Ensaios de Literatura Ocidental. São Paulo: Duas Cidades e Editora

34, 2007, p. 175-176.

21- Deleuze, Giles. Cinema – a imagem-movimento. São Paulo: Brasiliense, 1985, p. 129.

* * *

132

À guisa de Conclusão

“Cerram-se as pálpebras e o olho do narrador é guardado no

bolso. Do outro você retira o que escreveu e lhe entrega sem

hesitação; ela sorri e ambos imergem na confusão do ambiente.”

Victor-Pierre Stirnimann

133

Dois pontos esperamos ter trabalhado nesta análise dos filmes de Valerio Zurlini: a

relação que há entre a necessidade de mostrar o retorno ao passado, como forma de

percepção da ausência e, desta maneira, constituir um presente, ou seja, o personagem que se

reconstrói a partir da memória para ser uma presença para si mesmo e para a história narrada;

e a sensação de abandono – retratada muito mais em imagens do que na fala – ao se constatar

que esta ausência pode estar fora, tanto na paisagem como na perspectiva de algo maior, o que

se denominou a “ausência do criador”, e que acarretaria, também, numa falha de passado

impedindo a continuidade. E o segundo ponto é que justamente esta ‘ausência de algo’ que

pode reatar a coerência das coisas, de uma história ou da própria vida. Daí o sentido de traçar

uma linha sobre a função das pausas, ou melhor, das elipses narrativas, acentuando que elas

formam um desenho, um contorno silencioso da narrativa.

Claro que, abordado desta maneira, o silêncio adquire um estatuto formador para a

narrativa e o modo de filmá-la, que, muito provavelmente, não foi premeditado pelo diretor.

Por outro lado, se grande parte da inspiração de Zurlini estava na pintura, na sensibilidade

com a qual identificava nas paisagens pictóricas uma espécie de roldana para suas lembranças

ou para o que desejava retratar em suas histórias, podemos, então, falar em traço, contorno,

desenho de uma não presença; as coisas não ditas de maneira tão explícita que se constituem

como linha condutora: a ausência como personagem e o silêncio como o narrador.

Antagonismos que refletem uma discussão interna, nem sempre solucionada, mas que se

preserva sempre o direito de falar das coisas através do que elas não são; dos acontecimentos,

de como eles não se deram; dos sentimentos, de como poderiam ter sido.

Em um estudo sobre A Primeira Noite de Tranqüilidade há um comentário quanto ao

fato do filme “se ocupar menos da liberdade e mais do que a limita”

(1)

. Tirante algumas

considerações, escolhemos esta afirmação porque ela aponta exatamente para esta

característica do diretor que é a de mostrar as coisas pelo viés da negação, ou, no máximo,

pelas arestas. E, quanto a isto, fazemos aqui um parênteses: em 1948, Max Olphus, em seu

filme A letter from an unknown woman (Carta de uma desconhecida), já lançava na tela a

imagem de uma heroína ‘à espreita’, observando os acontecimentos que lhe interessavam para

depois relatá-los, personagem que se valia de seu testemunho – toda a sua desventura amorosa

narrada em uma carta – assegurando, desta maneira, seu lugar de protagonista na narrativa.

Em uma das seqüências ela observa o pianista, por quem está apaixonada, através de uma

espécie de portinhola feita de arame, ou ferro, trançado em ramos e pequenas flores, seu rosto

fica emoldurado por aquele desenho vazado, como se já formasse a ramificação da memória

134

que ela usaria no futuro para se fazer presente na vida daquele homem. Ou seja, o passado

daquela moça não teria a menor existência na vida dele se não fosse reatado através da

rememoração, e da deliberação em fazê-lo, necessidade dela de suprir a própria ausência. E

consideramos que, talvez, seja este mesmo o modo de lidar com questões primordiais da

existência, forçando a percepção daquilo que manca, falta, vive à margem. No manuscrito de

Merleau-Ponty, publicado após sua morte, O Visível e o Invisível, encontramos à respeito das

experiências humanas:

“Interrogamos nossa experiência precisamente para saber como nos abre ela para aquilo que

‘não’ somos. Isso não exclui nem mesmo que nela encontraremos um movimento em direção

àquilo que não poderia, em hipótese alguma, estar-nos presente no original, e cuja

irremediável ausência incluir-se-ia no número de nossas experiências originárias.

Simplesmente, quando mais não fosse para ver estas margens da presença, para discernir

estas referências, para pô-las à prova ou interrogá-las, é preciso fixar de início o olhar sobre

aquilo que nos é aparentemente dado. (...) Nós nos colocamos tal como o homem natural, em

nós e nas coisas, em nós e no outro, no ponto onde, por uma espécie de ‘quiasma’, tornamo-

nos os outros e tornamo-nos mundo.”

(2)

Esta idéia de ‘cruzamento’ das coisas, experiências, sensações e, acima de tudo,

sentimentos, como a única formação possível do destino, perpassa por todas as histórias do

diretor e é o que empresta o tom de esperança, quando da ocasião desses encontros, por isto, o

final mesmo insatisfatório ou inconcluso, alimente ainda um certo olhar positivo para as

coisas. E, também por isto, esperamos ter ainda justificada a idéia de uma filosofia

estruturalmente indefinida. Dados expostos, a última coisa que poderíamos dizer dos

personagens zurlinianos, é que eles sejam tipos comuns em busca da liberdade para serem

felizes, e que este seria o tema central. Ao contrário, o que se tentou interrogar aqui é

justamente a posição desses personagens frente a uma mesmice estabelecida, ao marasmo, ao

ordinário; arriscaríamos dizer que há até uma certa consciência de um estado diferenciado no

mundo e que, talvez, eles se reconheçam como seres escolhidos; mas a mão que rege essas

criaturas, também almeja uma posição diferenciada e não elege, portanto, uma teoria

essencial. Afinal, a reflexão não é comum aos afazeres cotidianos, então, esses personagens

são mostrados lidando com o que não têm, para garantir uma existência com algum

significado.

135

Gostaríamos de retomar também o sentido da palavra dimensão. No modo como é

empregada por Zurlini: “a dimensão da memória”

(3)

, para qualificar um achado, um

reencontro com seu passado que alcançou uma proporção tal capaz de fazê-lo reviver e, desta

maneira, conseguir reproduzir em seu filme o cenário de outra época, da sua época. Expressão

‘dimensão da memória’ empregada, desta maneira, no sentido de grandeza: a grandeza que

abarca o próprio tempo, quando rememorado, que transforma os lugares a ponto de torná-los

pessoais e passíveis de adaptação. Enquanto em Pratolini, encontramos a palavra na descrição

da situação de seu personagem, tão afeito ao próprio meio, crescendo circunspecto, envolto

numa áurea de educação e sem-graceza, aprendendo com os mais velhos a conformidade com

a vida, acostumando-se a ser discreto, ou, acostumando-se a não-ser: “havia adquirido a

dimensão do silêncio”

(4)

, e a palavra entra aqui como algo que envolve e amolda as pessoas,

os fatos. Avaliar, no nosso caso, a ‘dimensão do silêncio’, como o que foi suprimido, mas

para explicar melhor; como o que está dito à margem, fora do enquadramento tradicional,

sem, contudo, forçar uma idéia de novo, abrangeria as duas conotações sugeridas: a

transformação do todo e a adaptação ao meio. Repassando, assim, a eterna dúvida do homem

com relação a sua posição no mundo.

O silêncio que permeia as falas dos personagens de Valerio Zurlini; o relato em

flashback e a eterna volta a um presente não solucionado, mas compreendido, faz deles

pequenas histórias especiais a serem contadas, onde o especular narrador – ausente – é quem

vem dar sentido às suas angústias. Mas lida também com a ‘dimensão’ de um questionamento

humano que extrapola o individual, que encontra, para além de um posicionamento filosófico,

na tela, no fazer fílmico, no modo de operar a transposição das cenas, o retrato da própria

condição humana.

* * * * * * * *

136

Notas:

1- Ensaio inédito gentilmente cedido pelo autor: Francisco Bueno de Aguiar.

2- Merleau-Ponty, Maurice. O Visível e o Invisível. São Paulo, Perspectiva, 1984, ps.

156-157. Trecho extraído do anexo, onde o filósofo tece considerações à

respeito das conseqüências de uma filosofia que não seja voltada para “o mundo e

para o outro”.

3- Expressão usada pelo diretor em resposta sobre as filmagens de Dois Destinos, em

entrevista a Jean Gili, op. cit. P. 15.

4- Pratolini, Vasco. Op. Cit. p.28.

* * *

137

Filmografia

Le Ragazze di San Frediano (Quando o Amor é Mentira), 1954

Estate Violenta (Verão Violento), 1959

La Ragazza con la Valigia (A Moça com a Valise), 1960

Cronaca Familiare (Dois Destinos) , 1962

La Soldatesse , (Mulheres no Front), 1964

Seduto alla sua Destra (Sentado à sua Direita), 1968

La Prima Notte di Quiete (A Primeira Noite de Tranqüilidade), 1972.

Il Deserto dei Tartari (O Deserto dos Tártaros), 1976.

Obs: Os curtas-metragens realizados pelo diretor já estão mencionados na nota ‘4’, do

primeiro capítulo.

138

Ficha Técnica (dos filmes particularmente analisados):

Cronaca Familiare

(Dois Destinos)

Itália – 1962

Direção: Valerio Zurlini

(Baseado no romance homônimo de Vasco Pratolini de 1947)

Roteiro: Valerio Zurlini, Mario Missiroli e Vasco Pratolini

Fotografia: Giuseppe Rotunno

Cenografia: Flavio Mogherini

Música: Goffredo Petrassi

Elenco: Marcello Mastroianni (Enrico)

Jacques Perrin (Dino/Lorenzo)

Sylvie (avó)

Salvo Randone (Salocchi – o pai de criação)

Produção: Goffredo Lombardo

139

La Prima Notte di Quiete

(A Primeira Noite de Tranqüilidade)

Itália – 1972

Direção: Valerio Zurlini

Roteiro: Valerio Zurlini e Enrico Medioli

Fotografia: Dario Di Palma

Cenografia: Enrico Tovaglieri

Música: Mario Nascimbene

Elenco: Alain Delon (Daniele Dominici)

Giancarlo Giannini (Spider)

Sonia Petrova (Vanina)

Lea Massari (Monica)

Nicoleta Rizzi (Elvira)

Renato Salvatori (Marcello)

Produção: Averroé Stefani

140

Bibliografia:

- Aristóteles. Poética. São Paulo: Abril Cultural, 1973.

- Aronson, Ronald. Camus e Sartre: o polêmico fim de uma amizade no pós-guerra. Rio de

Janeiro: Nova Fronteira, 2007.

-Auerbach, Erich. Introdução aos Estudos Literários. São Paulo: Cultrix, 1987.

-______. Figura. São Paulo: Ática, 1997.

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-Aumont, Jacques. O Olho Interminável. São Paulo: Cosac & Naify, 2004.

-______________. A Imagem. São Paulo: Papirus Editora, 2004.

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-Bosi, Alfredo. O Ser e o Tempo da Poesia. São Paulo: Cultrix, 1977.

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